Saxophone Colossus 1
색소폰 콜로서스
《Saxophone Colossus》는 미국의 재즈 색소폰 연주자 소니 롤린스의 여섯 번째 스튜디오 음반이다. 아마도 롤린스의 가장 잘 알려진 앨범일 것이며, 종종 그의 획기적인 음반으로 간주됩니다. 1956년 6월 22일 프로듀서 밥 와인스톡과 엔지니어 루디 반 겔더와 함께 뉴저지 주 해켄색에 있는 스튜디오에서 모노포닉으로 녹음했다. 롤린스는 피아니스트 토미 플래너건, 베이시스트 더그 왓킨스, 드러머 맥스 로치가 포함된 사중주단을 이끌었다. 녹음 당시 롤린스는 클리포드 브라운/맥스 로치 퀸텟의 멤버였으며, 녹음은 그의 밴드 동료인 브라운과 리치 파월이 시카고에서 밴드 계약을 하러 가는 길에 자동차 사고로 사망하기 4일 전에 이루어졌다(롤린스는 브라운과 파월을 태우고 차를 타고 다니지 않았다). 로치는 1958년 《Freedom Suite》 음반까지 롤린스의 솔로 음반에 몇 번 더 출연했다.
《Saxophone Colossus》는 프레스티지 레코드(Prestige Records)에서 발매하여 큰 성공을 거두었고 롤린스가 저명한 재즈 아티스트로 자리매김하는 데 도움이 되었다.
2016 년 Saxophone Colossus는 의회 도서관에 의해 "문화적으로, 역사적으로, 미학적으로 중요한"것으로 National Recording Registry에 보존되도록 선정되었습니다.
출시와 유산
프로페셔널 평가
독립적인 소식통들은 앨범의 발매일에 대한 보고에서 차이를 보였다. 《The Mojo Collection》에 따르면, 이 음반은 1956년 가을에 발매되었으며,[5] 1957년 8월호 《빌보드 매거진》에는 같은 해 3월 16일에서 7월 사이에 발매된 음반 중 하나가 실렸다 1957년 4월 빌보드는 리뷰에서 "롤린스의 최신 노력은 뮤지션들을 떠들썩하게 만들 것"이라며 "테노먼은 현대 재즈맨 중 가장 활기차고 역동적이며 독창적인 뮤지션 중 하나"라며 "모든 트랙은 놀라움으로 가득 차 있으며, 롤린스는 각 솔로를 훌륭한 구조적 논리로 개발한다"고 평했다. [18] 랄프 J. 글리슨은 6월 말 《DownBeat》에서 이 음반을 리뷰하며 다음과 같이 썼다.
뉴욕의 하드스윙어들의 작품에는 우아함과 아름다움이 부족하다는 비난에 대한 대답이라도 하듯, 롤린스는 유머, 부드러움, 아름다움에 대한 섬세한 감정, 퍽퍽한 유머 감각을 보여준다. 그리고 이 모든 것은 줄곧 그들을 특징짓는 타협하지 않는 스윙으로 이루어졌습니다.
올뮤직의 회고적 리뷰에서 스콧 야노우는 색소폰 콜로서스를 "틀림없이 그의 가장 훌륭한 만능 세트"라고 불렀고,[7] 독일의 음악학자 피터 니클라스 윌슨은 이 음반을 "롤린스의 디스코그래피의 또 다른 이정표, 롤린스의 셰프 되브르로 거듭 인용되는 녹음, 그리고 역대 클래식 재즈 앨범 중 하나"라고 평가했다. 2000년에는 콜린 라킨의 《All Time Top 1000 Albums》에서 405위에 올랐다. [20] The Penguin Guide to Jazz는 이 음반을 필수 음반의 "핵심 컬렉션"에 포함시켰으며, 최고 등급인 별 4개 외에도 "왕관"을 수여하여 저자가 특별한 존경이나 애정을 느낀 음반을 나타냈습니다. [13]
곡 목록
St. Thomas
Tommy Flanagan · Doug Watkins · Max Roach
You Don't Know What Love Is (Rudy Van Gelder Rudy Van Gelder Remastered 2006 / Shared ISRC)
Strode Rode (Remastered 2006 / Shared ISRC)
Blue 7 (Rudy Van Gelder Remaster 1956)
You Don't Know What Love Is
Strode Rode
Die Morirat Von Mackie Messer
소니 롤린스
월터 테오도르 "소니" 롤린스[1][2] (1930년 9월 7일 출생)[3]는 미국의 은퇴한 재즈 테너 색소폰 연주자로, 가장 중요하고 영향력 있는 재즈 뮤지션 중 한 명으로 널리 알려져 있다. [3][4]
70년의 경력 동안 롤린스는 리더로서 60개 이상의 앨범을 녹음했습니다. "St. Thomas", "Oleo", "Doxy", "Airegin"을 포함한 그의 작곡 중 다수는 재즈 스탠더드가 되었습니다. 롤린스는 "현존하는 가장 위대한 즉흥 연주자"라고 불립니다. [5] 건강 문제로 인해 롤린스는 2012년 이후 공개 공연을 하지 않았고 2014년 은퇴를 발표했다.
초기 생활
롤린스는 뉴욕시에서 버진 아일랜드 출신의 부모에게서 태어났습니다. [6] 3남매 중 막내로 태어난 그는 할렘 중심부와 슈가 힐에서 자랐으며[7] 7-8세에 첫 알토 색소폰을 받았습니다. [8] 그는 Edward W. Stitt 중학교에 다녔고 East Harlem의 Benjamin Franklin 고등학교를 졸업했습니다. ] 롤린스는 피아니스트로 시작해 루이 조던에게 영감을 받아 알토 색소폰으로 전향했고, 1946년 그의 우상인 콜먼 호킨스의 영향을 받아 테너 색소폰으로 전향했다. 고등학교 시절 그는 미래의 재즈 전설인 재키 맥린(Jackie McLean), 케니 드류(Kenny Drew), 아트 테일러(Art Taylor)와 함께 밴드에서 연주했습니다.
이후의 삶과 경력
1949–1956
1948년 고등학교를 졸업한 후,[10] 롤린스는 전문적으로 공연하기 시작했다. 그는 1949년 초에 비밥 가수 밥스 곤잘레스(트롬본 연주자 J. J. 존슨이 그룹의 편곡자였다)의 사이드맨으로 첫 녹음을 했다. 그 후 몇 달 안에 그는 존슨과 함께 녹음하고 피아니스트 버드 파월의 지휘 아래 트럼펫 연주자 팻 나바로, 드러머 로이 헤인즈와 함께 획기적인 "하드 밥" 세션에 출연하면서 이름을 알리기 시작했습니다.
1950년 초, 롤린스는 무장 강도 혐의로 체포되어 라이커스 아일랜드 감옥에서 10개월을 보낸 후 가석방으로 풀려났습니다. 1952년, 그는 헤로인을 사용하여 가석방 조건을 위반한 혐의로 다시 체포되었다. 1951년에서 1953년 사이에 그는 마일즈 데이비스, 모던 재즈 콰르텟, 찰리 파커, 델로니어스 몽크와 함께 녹음했습니다. 1954년 그는 피아니스트 호레이스 실버가 참여한 데이비스가 이끄는 퀸텟과 함께 그의 유명한 작곡 "Oleo", "Airegin", "Doxy"를 녹음하면서 돌파구를 찾았고, 이 녹음은 소니 롤린스와 함께 앨범 Miles Davis에 수록되었습니다.
1955년, 롤린스는 렉싱턴의 연방 의료 센터에 입원했다. 그곳에서 그는 당시 실험적인 메타돈 요법에 자원하여 헤로인 습관을 끊을 수 있었고, 그 후 시카고에서 한동안 살면서 트럼펫 연주자 부커 리틀과 잠시 방을 썼습니다. 롤린스는 처음에는 금주가 자신의 음악적 재능을 손상시킬까 봐 두려워했지만, 나중에는 더 큰 성공을 거두었다.
롤린스는 1955년 여름에 마일즈 데이비스 퀸텟에 잠시 합류했다. 그해 말에 그는 클리포드 브라운-맥스 로치 퀸텟에 합류했다. 스튜디오 앨범 Clifford Brown과 Max Roach at Basin Street, Sonny Rollins Plus 4는 그 밴드에서 보낸 시간을 기록합니다. 1956년 6월 브라운과 밴드 피아니스트 리치 파월이 자동차 사고로 사망한 후에도 롤린스는 로치와 함께 연주를 계속했고 프레스티지 레코드, 블루 노트, 리버사이드, 로스앤젤레스 레이블 컨템포러리에서 자신의 이름으로 앨범을 발매하기 시작했다.
1956년 6월 22일 뉴저지에 있는 루디 반 겔더의 스튜디오에서 피아노에 토미 플래너건, 전 재즈 메신저스 베이시스트 더그 왓킨스, 그리고 그가 가장 좋아하는 드러머 로치와 함께 널리 찬사를 받은 그의 앨범 《Saxophone Colossus》를 녹음했다. 이 음반은 롤린스가 리더로서 녹음한 여섯 번째 음반으로, 그의 가장 잘 알려진 작곡 "St. Thomas", 어린 시절 어머니가 불러준 곡인 "Hold Him Joe"를 기반으로 한 카리브해 칼립소, 빠른 비밥 넘버 "Strode Rode", "Moritat"("Mack the Knife"라고도 알려진 Kurt Weill 작곡)가 포함되어 있습니다. [3] 색소폰 콜로서스의 긴 블루스 솔로 "Blue 7"은 작곡가이자 비평가인 Gunther Schuller가 1958년 기사에서 심층적으로 분석했습니다.
〈St. Thomas〉의 솔로에서 롤린스는 리듬 패턴의 반복과 그 패턴의 변형을 사용하며, 타이트한 음역대에서 몇 개의 음색만 커버하고, 스타카토와 반쯤 분리된 음을 사용한다. 이것은 갑작스런 번성에 의해 중단되어 이전 패턴으로 돌아가기 전에 훨씬 더 넓은 범위를 활용합니다. (음악 샘플을 들어보세요.) 데이비드 N. 베이커(David N. Baker)는 그의 저서 '소니 롤린스의 재즈 스타일(The Jazz Style of Sonny Rollins)'에서 롤린스가 "리듬을 그 자체로 사용하는 경우가 많다. 그는 때때로 멜로디나 변화 대신 리듬 패턴에 따라 즉흥적으로 연주합니다."
"St. Thomas"를 녹음한 이래로 롤린스의 칼립소 리듬 사용은 재즈에 대한 그의 시그니처 공헌 중 하나였습니다. 그는 종종 "Hold 'Em Joe"와 "Don't Stop the Carnival"과 같은 전통적인 카리브해 곡을 연주하며 "Duke of Iron", "The Everywhere Calypso", "Global Warming"과 같은 칼립소의 영향을 받은 많은 오리지널 작곡을 작곡했습니다.
1956년, 그는 피아니스트 레드 갈랜드, 베이시스트 폴 챔버스, 드러머 필리 조 존스로 구성된 데이비스의 그룹을 사용하여 Tenor Madness를 녹음했습니다. 타이틀 곡은 롤린스가 데이비스의 그룹 멤버였던 존 콜트레인과 함께 녹음한 유일한 음반이다. [3]
그해 말에 롤린스는 델로니어스 몽크의 음반 《Brilliant Corners》에 사이드맨으로 참여했고, 트럼펫에 도널드 버드, 피아노에 윈튼 켈리, 베이스에 진 라미, 드럼에 로치와 함께 블루 노트 레코드를 위한 자신의 첫 번째 앨범 《Sonny Rollins, Volume One》을 녹음했다.
1957년–1959년 봄
1957 년 그는 첫 번째 아내이자 배우 겸 모델 인 Dawn Finney와 결혼했습니다. [7]
그해 롤린스는 피아노 없이 베이스와 드럼을 색소폰 솔로의 반주로 사용하는 것을 개척했는데,[17] 이 질감은 "산책"으로 알려지게 되었습니다. 두 개의 초기 테너/베이스/드럼 트리오 녹음은 1957년에 녹음된 Way Out West와 A Night at the Village Vanguard입니다. 〈Way Out West〉는 캘리포니아에 기반을 둔 컨템포러리 레코드(로스앤젤레스 드러머 셸리 맨과 함께)를 위해 녹음되었고 〈Wagon Wheels〉와 〈I'm an Old Cowhand〉와 같은 컨트리 및 서부 노래가 포함되어 있기 때문에 그렇게 명명되었습니다. [18] 빌리지 뱅가드 앨범은 베이시스트 도널드 베일리와 드러머 피트 라로카가 함께하는 낮 공연과 베이시스트 윌버 웨어와 드러머 엘빈 존스가 함께하는 저녁 세트, 두 세트로 구성되어 있습니다. 롤린스는 그의 경력 전반에 걸쳐 간헐적으로 트리오 형식을 사용했으며, 때로는 베이스와 드럼 솔로 중에 색소폰을 리듬 섹션 악기로 사용하는 특이한 단계를 밟기도 했습니다. 루 타바킨(Lew Tabackin)은 롤린스의 피아노 없는 트리오가 자신의 피아노를 이끄는 데 영감을 주었다고 말했다. [17] 조 헨더슨, 데이비드 S. 웨어, 조 로바노, 브랜포드 마설리스, 조슈아 레드먼이 피아노 없는 색소폰 트리오를 이끌었다. [17]
1957년 로스앤젤레스에서 롤린스는 알토 색소폰 연주자 오넷 콜먼을 만났고 두 사람은 함께 연습했습니다. [19] 프리 재즈의 선구자인 콜먼은 2년 후 자신의 밴드에서 피아니스트를 기용하지 않았다. 이 무렵 롤린스는 상대적으로 진부하거나 틀에 얽매이지 않는 노래(예: Work Time의 "There's No Business Like Show Business", The Sound of Sonny의 "Toot, Toot, Tootsie", 나중에 그래미상을 수상한 앨범 This Is What I Do의 "Sweet Leilani")를 기반으로 한 즉흥 연주로 유명해졌습니다.
롤린스는 브루클린 다저스의 스타 투수 돈 뉴컴과 얼굴이 닮았기 때문에 "뉴크"라는 별명을 얻었다.
1957년, 그는 카네기 홀에 데뷔했고 트롬본에 존슨, 피아노에 호레이스 실버 또는 몽크, 드러머 아트 블레이키와 함께 블루 노트를 위해 다시 녹음했다. 그해 12월, 그와 동료 테너 색소폰 연주자 소니 스티트는 디지 길레스피의 앨범 《Sonny Side Up》에 함께 참여했다. 1958 년 그는 Art Kane의 A Great Day in Harlem에 뉴욕의 재즈 뮤지션 사진에 출연했습니다. 그는 사진에서 마지막으로 살아남은 음악가입니다.
같은 해에 롤린스는 색소폰, 베이스, 드럼 트리오를 위한 또 다른 기념비적인 곡인 Freedom Suite를 녹음했습니다. 그의 원래 슬리브 노트에는 "다른 어떤 민족보다 미국의 문화를 자신의 것이라고 주장할 수 있는 흑인이 박해와 억압을 받고 있다는 것은 얼마나 아이러니한 일인가? 그의 존재 자체에서 인문학의 모범을 보여준 흑인이 비인간적인 대가를 받고 있다는 것을." 타이틀 곡은 19분짜리 즉흥 블루스 모음곡입니다. 앨범의 다른 면에는 인기 있는 쇼 곡의 하드밥 운동이 포함되어 있습니다. 오스카 페티포드(Oscar Pettiford)와 맥스 로치(Max Roach)가 각각 베이스와 드럼을 맡았다. LP는 레코드 회사가 레코드의 다른 곡 제목인 Shadow Waltz로 재포장하기 전에 원래 형태로 잠깐만 사용할 수 있었습니다.
소니 롤린스 앤 더 빅 브라스(소니 롤린스 브라스/소니 롤린스 트리오)에 이어 롤린스는 1958년 소니 롤린스와 컨템포러리 리더스(Sonny Rollins and the Contemporary Leaders)라는 스튜디오 앨범을 한 장 더 만들었고, 그 후 3년 동안 녹음을 쉬었다. 이 세션은 컨템포러리 레코드(Contemporary Records)를 위한 세션으로, 롤린스는 피아니스트 햄튼 호스(Hampton Hawes), 기타리스트 바니 케셀(Barney Kessel), 베이시스트 르로이 비네거(Leroy Vinnegar), 드러머 셸리 맨(Shelly Manne)으로 구성된 웨스트 코스트 그룹과 함께 〈Rock-a-Bye Your Baby with a Dixie Melody〉를 포함한 난해한 곡을 녹음했다.
1959년 그는 처음으로 유럽을 순회하며 스웨덴, 네덜란드, 독일, 이탈리아, 프랑스에서 공연했다.
1959년 여름-1961년 가을: 다리
1959년, 롤린스는 자신의 음악적 한계에 좌절감을 느꼈고, 첫 번째이자 가장 유명한 음악적 안식년을 가졌다. [25] 맨해튼의 로어 이스트 사이드에 사는 동안, 그는 이웃의 임산부를 방해하지 않기 위해 윌리엄스버그 다리의 보행자 전용 통로로 가서 연습을 했다. [26] 오늘날 "The Rollins"[27]라는 이름의 15층짜리 아파트 건물이 그가 살았던 Grand Street 부지에 서 있습니다. [28] 1959년 여름부터 1961년 말까지 롤린스는 거의 매일 지하철 선로 옆의 다리에서 연습을 했다. [29] 롤린스는 계절에 상관없이 하루에 15시간에서 16시간씩 연습하는 경우가 많다고 인정했다. [30] 1961년 여름, 저널리스트 랄프 버턴(Ralph Berton)은 어느 날 다리에서 색소폰 연주자를 우연히 지나가다가 메트로놈 매거진에 그 사건에 대한 기사를 실었습니다. [31] 이 기간 동안 롤린스는 요가의 헌신적인 수련자가 되었습니다. [32] 롤린스는 1961년 11월에 안식년을 마쳤다. 그는 나중에 "나는 아마도 다리 위로 올라가는 것만으로도 남은 인생을 보낼 수 있었을 것입니다. 현실 세계로 돌아가야 한다는 것을 깨달았습니다." [33] 2016년, 롤린스를 기리기 위해 다리의 이름을 바꾸려는 캠페인이 시작되었습니다. [29]
1961-1969년 겨울: 음악 탐험
1961년 11월, 롤린스는 그리니치 빌리지의 재즈 갤러리(Jazz Gallery)에서 레지던시를 하면서 재즈계로 돌아왔다. 1962년 3월, 그는 랄프 글리슨의 텔레비전 시리즈 《재즈 캐주얼》에 출연했다. [34] 1960년대에 그는 뉴욕 브루클린의 윌로비 스트리트에서 살았다.
그는 RCA Victor와의 계약 초기에 1962년 "컴백" 앨범 이름을 The Bridge로 지었습니다. 조지 아바키안이 프로듀싱한 이 디스크는 기타리스트 짐 홀, 드럼의 벤 라일리, 베이시스트 밥 크랜쇼가 참여한 사중주와 함께 녹음되었다. [36] 이 음반은 롤린스의 베스트셀러 음반 중 하나가 되었다. 2015년에는 그래미 명예의 전당에 헌액되었습니다.]
롤린스와 RCA 빅터의 계약은 1964년까지 지속되었다. 그가 녹음한 각 앨범은 이전 앨범과 근본적으로 달랐다. 1962년 디스크 What's New?는 라틴 리듬을 탐구했습니다. 빌리지 게이트(The Village Gate)에서 라이브로 녹음한 앨범 Our Man in Jazz에서 그는 베이스에 크랜쇼, 드럼에 빌리 히긴스, 코넷에 돈 체리가 참여한 사중주단과 함께 아방가르드 연주를 탐구했습니다. 그는 또한 테너 색소폰의 영웅 콜먼 호킨스와 프리 재즈 피아니스트 폴 블레이와 함께 《Sonny Meets Hawk!》에서 연주했고, 피아니스트 허비 행콕이 피처링한 《Now's the Time》과 《The Standard Sonny Rollins》에서 재즈 스탠더드와 그레이트 아메리칸 송북 멜로디를 재검토했다.
1963년, 그는 여러 차례의 일본 투어 중 첫 번째 투어를 가졌다. [38]
1965년에 그는 1928년 7월 25일에 미주리 주 캔자스시티에서 태어난 루실 피어슨과 결혼했다. 그녀는 결국 그의 매우 유능한 매니저/프로듀서가 되었습니다. 그들은 뉴욕시에서 뉴욕 저먼타운으로 이사했고(부분적으로, 그 다음에는 완전히) 2004년 11월 27일 그곳에서 사망했다.
2007 년 Ronnie Scott의 Jazz Club에서 1965 년 레지던시에서 녹음한 음반이 Harkit 레이블에 의해 Live in London으로 발매되었습니다. 그들은 롤린스의 연주에 대한 그 시대의 스튜디오 앨범과 매우 다른 그림을 제공합니다. [40] (이는 무단 배포이며, 롤린스는 직접 "불법 복제"하여 자신의 웹사이트에 배포함으로써 대응했다.)
Impulse와 계약하면! 그는 1966년 영화 '알피(Alfie)'의 사운드트랙을 발표했고, '데어 윌 네버 비 어나더 유(There Will Never Be Another You)'와 '소니 롤린스(Sonny Rollins on Impulse!)'를 발매했다. 트럼펫 연주자 프레디 허버드, 베이시스트 지미 개리슨, 드러머 엘빈 존스가 참여한 〈East Broadway Run Down〉(1966) 이후 롤린스는 6년 동안 다른 스튜디오 앨범을 발매하지 않았다.
1968년, 그는 딕 폰테인(Dick Fontaine)이 감독한 텔레비전 다큐멘터리 '크리에이티브 퍼슨(Creative Persons)' 시리즈의 주인공이 되었는데, 제목은 '소니 롤린스는 누구인가?'
1969–1971: 두 번째 안식년[편집]
1969년, 롤린스는 다시 2년 동안 안식년을 가지며 대중 공연을 하지 않았다. 이 공백기 동안 그는 처음으로 자메이카를 방문했고 인도 뭄바이 지역 포와이의 아쉬람에서 몇 달 동안 요가, 명상, 동양 철학을 공부했습니다. [42]
1971–200
그는 1971년 노르웨이 콩스베르그에서 공연을 하며 두 번째 안식년을 마치고 돌아왔다. [43] 1972년 3월 뉴욕의 빌리지 뱅가드 나이트 클럽에서 열린 공연을 리뷰하면서 뉴요커의 평론가 휘트니 발리엣은 롤린스가 "다시 변했다. 그는 회오리바람이 되어 버렸다. 그의 질주는 포효했고, 거슬리는 스타카토 패스와 격렬한 더블 타임 스퍼트가 있었다. 그는 마치 청중을 전투로 몰아넣는 것처럼 소리를 지르고 뿔나팔을 불며 몸짓을 하는 것 같았다." [44] 같은 해 그는 Next Album을 발매하고 뉴욕 저먼타운으로 이사했습니다. [45] 또한 1972년에는 구겐하임 펠로우십 작곡 부문을 수상했다. [46]
1970년대와 1980년대에 그는 R&B, 팝, 펑크 리듬에도 매료되었습니다. 이 기간 동안 그의 밴드 중 일부는 일렉트릭 기타, 일렉트릭 베이스, 그리고 일반적으로 팝 또는 펑크 지향적인 드러머를 특징으로 했습니다.
1974년, 롤린스는 재즈 백파이프 연주자 루퍼스 할리(Rufus Harley)를 밴드에 영입했다. 그룹은 런던의 로니 스콧 에서 라이브 공연을 하는 것이 촬영되었습니다. [48] 이 기간의 대부분을 롤린스는 마일스톤 레코드의 프로듀서 오린 킵뉴스에 의해 녹음되었다(컴필레이션 음반 《Silver City: A Celebration of 25 Years on Milestone》에는 이 시기의 선곡이 수록되어 있다). [49] 1978년 그와 맥코이 타이너, 론 카터, 알 포스터는 마일스톤 재즈스타즈로 함께 투어를 했다. 그해 6월, 그는 다른 많은 주요 재즈 아티스트들과 함께 백악관 남쪽 잔디밭에서 열린 지미 카터 대통령 공연에 참여했다.]
무반주 색소폰 솔로에 대한 롤린스의 열정이 전면에 나서게 된 것도 이 시기였다. 1979년 그는 《투나잇 쇼》에서 무반주로 연주했고[52], 1985년에는 뉴욕 현대미술관에서 라이브로 녹음한 《The Solo Album》을 발매했다. [53] 그는 또한 그의 밴드와 함께 공연하는 동안 길고 즉흥적인 무반주 카덴차를 자주 연주했습니다. 대표적인 예가 1978년 앨범 Don't Stop the Carnival의 "Autumn Nocturne"에 대한 소개입니다.
1980년대에 이르러 롤린스는 작은 나이트클럽에서 공연하는 것을 그만두고 주로 콘서트 홀이나 야외 공연장에서 공연을 했다. 1990년대 후반까지 그는 때때로 Tramps와 The Bottom Line과 같은 뉴욕의 대형 록 클럽에서 공연했습니다. 그는 롤링 스톤스의 1981년 음반 〈Tattoo You〉를 위해 싱글 〈Waiting on a Friend〉[55]와 롱 잼 〈Slave〉를 포함한 세 곡에 (크레딧 없음) 색소폰 즉흥 연주를 추가했다. 그해 11월, 그는 프랑스 텔레비전에서 색소폰 마스터 클래스를 이끌었다. [56] 1983년에는 미국 국립예술기금(National Endowment for the Arts)으로부터 '재즈 마스터(Jazz Master)'로 선정되는 영예를 안았습니다. [57]
1986년, 다큐멘터리 영화 제작자 로버트 머지(Robert Mugge)는 색소폰 콜로서스(Saxophone Colossus)라는 제목의 영화를 개봉했습니다. 이 작품은 롤린스의 두 차례 공연을 선보였는데, 하나는 뉴욕 북부의 오푸스 40에서 열린 퀸텟 콘서트였고, 다른 하나는 일본 요미우리 신문 오케스트라와 함께 핀란드 피아니스트이자 작곡가인 헤이키 사르만토와 공동으로 작곡한 색소폰과 교향곡을 위한 협주곡이었다.
1993년 소니 롤린스 국제 재즈 아카이브[59] 가 피츠버그 대학교에 문을 열었습니다.
뉴욕 시청은 1995년 11월 13일을 "소니 롤린스의 날"로 선포했습니다. [61] 며칠 후, 롤린스는 뉴욕의 비컨 극장에서 공연을 했는데, 거기서 맥린, 월터 비숍 주니어, 퍼시 히스, 코니 헨리, 길 코긴스 등 십대 시절에 함께 연주했던 음악가들과 재회했다. [62]
1997년에는 다운 비트(Down Beat) 매거진의 비평가 투표에서 '올해의 재즈 아티스트'로 선정되기도 했다. [63] 이듬해, 환경주의의 열렬한 옹호자인 롤린스는 지구 온난화(Global Warming)라는 제목의 앨범을 발표했다. [64]
2001–2012
게리 기딘스(Gary Giddins)와 스탠리 크라우치(Stanley Crouch)와 같은 비평가들은 레코딩 아티스트인 롤린스와 콘서트 아티스트인 롤린스 사이의 차이를 지적했다. 2005년 5월 뉴요커(New Yorker) 프로필에서 크라우치는 콘서트 아티스트 롤린스에 대해 다음과 같이 썼다.
0년대 후반부터 80년대와 90년대까지 수십 년 동안 색소폰의 거상 소니 롤린스는 세계 어딘가에서 오후 또는 여덟 시 어딘가에서 연주하며 감정, 기억, 사고, 미적 디자인의 조합을 추구하며 즉흥적인 웅장함을 달성할 수 있는 명령을 추구합니다. 브라스 바디, 진주 단추 건반, 마우스피스, 지팡이 리드를 갖춘 호른은 롤린스의 재능과 재즈 조상들의 희미하지 않은 힘과 전설의 서사시를 담는 그릇이 됩니다.
롤린스는 《This Is What I Do》(2000)로 2001년 그래미 어워드에서 최우수 재즈 기악 앨범상을 수상했다. [65] 2001년 9월 11일, 몇 블록 떨어진 곳에 살던 71세의 롤린스는 세계무역센터가 무너지는 소리를 듣고 색소폰만 손에 들고 그리니치 스트리트에 있는 자신의 아파트에서 대피해야 했다.[66] 그는 떨렸지만 5일 후 버클리 음대에서 연주회를 하기 위해 보스턴으로 갔다. 이 공연의 라이브 녹음은 2005년 CD로 발매된 〈Without a Song: The 9/11 Concert〉로, 롤린스의 〈Why Was I Born?〉으로 2006년 그래미 재즈 기악 솔로 부문을 수상했다. [65]
롤린스는 2004년 평생공로를 인정받아 그래미상을 수상했다. 그 해에는 그의 아내 루실도 사망했습니다. [67]
2006년, 롤린스는 다운 비트 리더스 투표에서 "올해의 재즈맨", "#1 테너 색소폰 연주자", "올해의 녹음" CD Without a Song: The 9/1 Concert로 3관왕에 올랐다. 그해 밴드에는 그의 조카인 트롬본 연주자 클리프턴 앤더슨이 참여했으며 베이시스트 크랜쇼, 피아니스트 스티븐 스콧, 타악기 연주자 키마티 디니줄루, 드러머 페리 윌슨이 포함되었습니다.
성공적인 일본 투어를 마친 후 롤린스는 그래미상 후보에 오른 CD Sonny, Please(2006)를 녹음하기 위해 5년 만에 녹음 스튜디오로 돌아왔다. CD 제목은 그의 아내가 가장 좋아하는 문구 중 하나에서 파생되었습니다. 이 앨범은 롤린스가 수년 후 마일스톤 레코드를 떠난 후 롤린스의 자체 레이블인 Doxy Records에서 발매되었으며 Anderson이 프로듀싱했습니다. 이 시기와 이 앨범에 수록된 롤린스의 밴드에는 크랜쇼, 기타리스트 바비 브룸, 드러머 스티브 조던, 디니줄루가 포함되어 있다.
이 기간 동안 롤린스는 정기적으로 전 세계를 순회하며 유럽, 남미, 극동, 오스트랄라시아 전역의 주요 공연장에서 연주했습니다. 그는 때때로 공연당 100,000달러를 벌었던 것으로 추정됩니다. [68] 2007년 9월 18일, 그는 카네기홀에서 첫 공연 50주년을 기념하여 공연을 가졌다. 그와 함께 앤더슨(트롬본), 바비 브룸(기타), 크랜쇼(베이스), 디니줄루(타악기), 로이 헤인즈(드럼), 크리스찬 맥브라이드(베이스)가 출연했다.]
2000년경, 롤린스는 그의 라이브 공연 중 많은 부분을 녹음하기 시작했다. 그 이후로 그는 250개 이상의 콘서트 녹음을 보관했습니다. 현재까지 Doxy Records와 Okeh Records의 아카이브에서 4 개의 앨범이 출시되었습니다 : Road Shows, Vol. 1; Road Shows, Vol. 2 (롤린스의 80번째 생일 콘서트를 기록한 4개의 트랙이 있으며, 여기에는 롤린스가 20분짜리 "Sonnymoon for Two"에서 Ornette Coleman과 함께 처음으로 녹음된 출연이 포함됨); 로드쇼, Vol. 3; 2016년 4월에 발매된 Holding the Stage.
2010년 롤린스는 국립 예술 훈장 과 에드워드 맥도웰 메달 을 수상했다. [73] 같은 해 가을에 그는 Ornette Coleman의 게스트 출연을 포함하여 뉴욕의 Beacon Theatre에서 콘서트로 80세 생일을 축하했습니다. 이듬해 그는 딕 폰테인(Dick Fontaine)의 또 다른 다큐멘터리 '비욘드 더 노트(Beyond the Notes)'의 주인공이 되었다.
롤린스는 2012년 이후로 대중 앞에서 공연하지 않았고,[76] 2014년에 은퇴했는데, 폐섬유증으로 인한 재발성 호흡기 문제로 인해 은퇴했다.
2013–현재
2013년 롤린스는 뉴욕 우드스탁으로 이사했습니다. [80] 그해 봄, 그는 "Whiskey Business"의 The Simpsons에 게스트로 출연했고[81] 뉴욕의 줄리어드 스쿨에서 명예 음악 박사 학위를 받았습니다. [82]
2014년에는 네덜란드 텔레비전 다큐멘터리 'Sonny Rollins-Morgen Speel Ik Beter'(번역: Tomorrow I'll Play Better)'의 주인공이 되었다. 그는 그해 6월 뉴욕 브루클린에서 열린 콜먼을 위한 올스타 헌정 공연에서 색소폰 연주자 오넷 콜먼을 소개하며 대중 앞에 모습을 드러냈다. [84] 2015년 10월에는 미국 재즈 재단(Jazz Foundation of America)의 평생 공로상을 수상했습니다.
2017년 봄, 롤린스는 뉴욕 공립 도서관의 연구 센터 중 하나인 숌버그 흑인 문화 연구 센터에 개인 아카이브를 기증했다. [85][86] 그해 말, 그는 오벌린 대학에 "소니 롤린스 재즈 앙상블 기금"을 기부하여 "접근성과 사회 정의 옹호에 대한 기관의 오랜 유산을 인정"했습니다.
2023년 2월, 롤린스는 자신의 음악 카탈로그를 리저브 미디어(Reservoir Media)에 매각했다. 2024년 4월, 소니 롤린스가 1959년부터 보관했던 노트에서 파생된 The Notebooks of Sonny Rollins가 출간되었습니다.
예술성과 영향
롤린스의 어조는 "신랄하고 맑다"고 묘사되었다. [92] 색소폰 연주자로서 그는 처음에는 루이스 조던(Louis Jordan)과 같은 연주자들의 점프와 R&B 사운드에 매료되었지만, 곧 주류 테너 색소폰 전통에 매료되었습니다. 독일의 비평가 요아힘-에른스트 베렌트(Joachim-Ernst Berendt)는 이 전통을 콜먼 호킨스의 강한 울림과 레스터 영의 가볍고 유연한 프레이징의 양극 사이에 있는 것으로 묘사했는데, 이는 1950년대 비밥의 즉흥 연주에 많은 영감을 주었다.[93] 다른 테너 색소폰의 영향으로는 벤 웹스터와 돈 비아스가 있다. 10대 중반에 롤린스는 알토 색소폰 연주자 찰리 파커(Charlie Parker)의 영향을 많이 받았다. [94] 고등학교 시절 그는 피아니스트이자 작곡가인 델로니어스 몽크(Thelonious Monk)의 멘토링을 받았고, 종종 몽크의 아파트에서 리허설을 했다.
