스트라빈스키 / 무용모음곡 '불새'
The Firebird Suite
스트라빈스키 / 무용모음곡 '불새'
Igor Fedorovich Stravinsky 1882∼1971
Stravinsky: "The Firebird" Suite (1919 version) (with Score)
Igor Stravinsky: "The Firebird (L'Oiseau de feu)" Suite (1919 version) (with Score) Composed: 1910 (Ballet); 1919 (Suite) Conductor: James DePreist Orchestra: Oregon Symphony
00:00 1. Introduction 03:14 2. The Firebird and its dance (L’Oiseau de feu et sa danse) 03:29 3. The Firebird's variation (Variation de l’Oiseau de feu) 04:48 4. The Princesses’ Khorovod (Rondes des Princesses) 10:06 5. Infernal dance of King Kashchei (Danse infernale de roi Kachtcheï) 14:52 6. Berceuse 18:26 7. Finale (Final)
The Firebird Suite
The Firebird Suite · London Symphony Orchestra
Stravinsky - The Firebird Suite: I. Introduction (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite: II. The Firebird and Her Dance (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite: III. Round Dance of the Princesses (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite IV: Infernal Dance of King Kastchei (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite: V. Berceuse (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite: VI. Finale (Official Audio)
Stravinsky - Prince Igor Overture (Official Audio)
Stravinsky - Prince Igor Polovetsian Dances (Official Audio)
불새
불새(프랑스어: L'Oiseau de feu; 러시아어 : Жар-птица, 로마자 : Zhar-ptitsa)는 러시아 작곡가 이고르 스트라빈스키의 발레 및 오케스트라 콘서트 작품입니다. 1910년 세르게이 디아길레프(Sergei Diaghilev)의 발레 뤼스(Ballets Russes) 컴퍼니의 파리 시즌을 위해 작곡되었다. 오리지널 안무는 미셸 포킨(Michel Fokine)이 맡았으며, 알렉상드르 브누아(Alexandre Benois) 등과 함께 불새(Firebird)에 대한 러시아 동화와 불새가 주인에게 주는 축복과 저주를 바탕으로 한 시나리오를 제작했습니다. 1910년 6월 25일 파리 오페라 극장에서 초연된 이 작품은 스트라빈스키에게 국제적인 명성을 안겨주었고, 페트루슈카(Petrushka, 1911), 봄의 제전(The Rite of Spring, 1913)을 포함한 디아길레프-스트라빈스키의 콜라보레이션으로 이어지며 즉각적인 성공을 거두었다.
불새의 필멸적이고 초자연적인 요소는 "라이트-하모니(leit-harmony)"라고 불리는 하모니에 배치된 라이트 모티프 시스템으로 구별됩니다. 스트라빈스키는 의도적으로 오케스트라에서 폰티첼로, 콜 레뇨, 플루탄도, 글리산도, 플러터 텅잉 등 많은 전문 기술을 사용했다. 사악한 불멸의 Koschei의 성을 배경으로 하는 이 발레는 마법의 Firebird의 도움으로 Koschei와 싸우는 Ivan 왕자를 따릅니다.
스트라빈스키는 나중에 이 작품을 바탕으로 세 개의 콘서트 모음곡을 만들었다: 1911년, "지옥의 춤"으로 끝난다. 1919 년, 오늘날에도 가장 인기있는 작품으로 남아 있습니다. 그리고 1945 년에는 상당한 재조정과 구조적 변화가 특징입니다. 다른 안무가들은 포킨의 오리지널 안무로 작품을 무대에 올리거나 음악을 사용하여 완전히 새로운 작품을 만들었으며, 일부는 새로운 설정이나 주제로 제작했습니다. 모음곡에 대한 많은 녹음이 이루어졌습니다. 첫 번째는 1928 년에 1911 Suite를 사용하여 출시되었습니다. 1959년 포킨의 오리지널 안무를 되살린 인기 있는 새들러스 웰스 발레단 프로덕션의 영화 버전이 제작되었다.
역사
배경
이고르 스트라빈스키는 1902년 니콜라이 림스키-코르사코프와 함께 작곡을 공부하기 시작했다. [1][2] 그는 학생 시절에 여러 작품을 완성했으며,[3] 그의 첫 번째 연주 작품인 Pastorale (1907) 과 그의 첫 번째 출판 작품인 Symphony in E-flat (1907)를 포함하여 작곡가가 Opus 1로 분류했습니다. 1909년 2월, 상트페테르부르크에서 열린 그의 스케르초 환상곡과 작품의 연주에는 스트라빈스키 작품의 생생함에 흥미를 느낀 임프레사리오 세르게이 디아길레프가 참석했다.
디아길레프는 1898년 미술잡지 Mir iskusstva를 창간했으나 [8] 1904년 발행이 종료된 후 예술적 기회를 얻기 위해 모국인 러시아가 아닌 파리로 눈을 돌렸다. 1907년 디아길레프는 파리 오페라 극장에서 러시아 음악의 5개 콘서트 시리즈를 선보였다. 이듬해에는 림스키-코르사코프의 보리스 고두노프 버전의 파리 초연을 무대에 올렸다. 1909년까지 디아길레프는 미셸 포킨, 레옹 바크스트, 알렉상드르 브노아와 관계를 맺었고 독립 발레단인 Ballets Russes를 시작할 수 있는 충분한 돈을 벌었습니다.] 디아길레프는 스트라빈스키에게 발레 《실피드》를 위해 쇼팽의 음악을 편곡하도록 의뢰했고, 작곡가는 1909년 3월에 완성되었다.
포킨은 1898년 임페리얼 시어터 스쿨(Imperial Theatre School)을 졸업하자마자 반에서 1등을 차지한 유명한 무용수였다. 그 후 그는 마린스키 발레단에 솔리스트로 입단했고 1904년 마린스키 발레단의 수석 무용수로 승진했다. [15][16] 포킨은 관객에게 화려하게 어필하고 관객의 방해를 받는 발레의 전통에 불만을 가졌다. 그는 극적인 춤은 환상의 방해 없이 엄격하게 표시되어야 하며, 음악은 주제와 밀접하게 연결되어야 한다고 생각했다. 그의 1907년 발레 《죽어가는 백조》와 《레 실피드》는 매우 성공적이었고 포킨은 다른 저명한 안무가들의 경쟁자로 자리매김했다. 1908 년, Diaghilev의 Mir iskusstva 서클의 멤버이자 Fokine의 친구 인 Benois는 무용수가 Ballets Russes의 1909 년 시즌을위한 레퍼토리를 준비하도록 주선했습니다. [18] 시즌은 매우 성공적이었고, 디아길레프는 그 직후 1910년 시즌을 위한 계획을 세우기 시작했다.
개념
발레 뤼스가 재정 문제에 직면하자 디아길레프는 러시아 음악과 디자인이 뚜렷한 새로운 발레를 원했는데, 이는 최근 프랑스와 다른 서구 관객들에게 인기를 끌고 있었다(아마도 더 파이브 음악의 매력적인 매력 때문이었을 것이다). 포킨은 비공식적으로 이 새로운 발레의 시나리오를 고안하기 위해 자신과 베노아, 작곡가 니콜라이 체레프닌, 화가 알렉산드르 골로빈을 포함한 예술가 위원회를 이끌었다. 브누아는 디아길레프의 서클에서 시인이자 발레 애호가였던 표트르 페트로비치 포티옴킨(Pyotr Petrovich Potyomkin)이 야코프 폴론스키(Yakov Polonsky)의 1844년 시 "겨울의 여행(A Winter's Journey)"을 인용하여 예술가들에게 불새라는 주제를 제안한 것을 회상했다.
그리고 내 꿈 속에서 나는 늑대의 등에
올라탄 나 자신을 본다 숲길을
따라 말을 타고 마법사 차르
와 전투를 벌이기 위해 공주가 자물쇠와 열쇠 아래 앉아 거대한 벽 뒤에
갇혀 있는 그 땅에서.
정원은 모두 유리로 된 궁전을 둘러싸고 있습니다.
거기에는 불새가 밤
에는 노래를 부르고 황금빛 과일을 쪼아 먹는다
위원회는 러시아 동화책, 특히 알렉산드르 아파나시예프(Alexander Afanasyev)의 동화집과 표트르 파블로비치 예르쇼프(Pyotr Pavlovich Yershov)의 '작은 혹등말(The Little Humpbacked Horse)'에서 영감을 얻었다. 불멸의 왕 Koschei 와 포로가 된 공주는 모스크바 이야기 선집에서 통합되었으며, 이는 또한 이야기에서 불새의 역할을 결정하는 데 도움이 되었습니다. 포킨은 러시아 동화에 등장하는 선과 악의 극명한 대조를 그리면서 발레의 캐릭터를 발전시켰다. 안무가는 판타지와 현실을 혼합하여 시나리오를 만들었는데, 이는 포킨의 민속 발레에서 많이 볼 수 있는 낭만주의의 비유이다. 원래 체레프닌은 이전에 포킨과 베노아와 함께 '파빌리옹 다르미드(Le Pavillon d'Armide)'에서 작업한 적이 있기 때문에 음악을 작곡할 예정이었으나 프로젝트에서 물러났다. 1909년 9월, 디아길레프는 아나톨리 랴도프에게 발레 작곡을 요청했다. 랴도프는 제작에 관심을 보였지만, 1910년 시즌의 마감 시한을 맞추는 데 너무 오랜 시간이 걸렸다. 알렉산더 글라주노프와 니콜라이 소콜로프를 고려한 후, 디아길레프는 체레프닌과 보리스 아사피예프의 격려를 받아 스트라빈스키에게 작곡을 요청했다.
스트라빈스키는 1909년 10월이나 11월에 작업을 시작하여, 스트라빈스키의 스승의 아들이자 불새의 악보를 헌정한 안드레이 림스키-코르사코프와 함께 림스키-코르사코프의 집을 방문했다. 스트라빈스키는 디아길레프가 공식적으로 그에게 의뢰하기 전에 작업을 시작했기 때문에 작곡가의 스케치는 시나리오와 일치하지 않았다. 12월에 포킨을 만나 발레단의 계획된 구조를 받았을 때 전체 이야기가 그에게 알려졌습니다. 포킨은 발레 창작이 프로듀서와 작곡가 간의 동등한 노력이 되도록 했으며, 안무를 개발하는 동안 스트라빈스키와 긴밀히 협력했습니다.] 작곡가가 작업하는 동안 디아길레프는 언론을 위해 피아노 악보의 개인 공연을 조직했다. 디아길레프의 친구인 프랑스 비평가 로베르 브뤼셀은 다음과 같이 썼다: "첫 장면이 끝날 때쯤 나는 정복당했다: 마지막 장면에서 나는 감탄에 빠졌다. 음악의 휴식에 대한 원고는 가느다란 연필로 악보를 씌우자 걸작이 드러났다."
개발
훗날 스트라빈스키는 "내가 쓰고 싶지 않은 종류의 묘사적인 음악"이라고 한탄했지만, 스트라빈스키는 〈불새〉를 약 6개월 만에 완성했고, 1910년 5월 중순에 완전히 관현악 편곡을 마쳤다. 스트라빈스키는 그의 첫 무대 작품의 초연에 참석하기 위해 6월 초쯤 파리에 도착했다. 그의 첫 파리 방문이었다.
리허설은 예카테리닌스키 홀에서 시작되었고, 스트라빈스키는 음악을 돕기 위해 모든 리허설에 참석했으며, 종종 무용수들에게 복잡한 리듬을 설명했다.] 불새 역할을 처음 맡은 타마라 카르사비나(Tamara Karsavina)는 나중에 "그는 종종 리허설이 시작되기 전에 극장에 일찍 와서 특히 어려운 대목을 반복해서 연주했다"고 회상했습니다. 스트라빈스키는 또한 콜론 오케스트라와 함께 초연을 지휘한 가브리엘 피에르네와 긴밀히 협력했으며, "음악을 설명하기 위해 ... [그러나 음악가들은] 무용수들만큼이나 당혹스러웠다." 무용수들을 수용하기 위해 두 차례의 드레스 리허설이 열렸는데, "오케스트라가 연주할 때 피아노로 연주할 때와 상당히 다르게 들렸다"는 음악의 예상치 못한 변화로 인해 많은 무용수들이 입장을 놓쳤다.
극단이 파리에 도착했을 때 발레는 완성되지 않았고 포킨은 리허설을 연장했다. 그는 디아길레프에게 초연을 연기해 달라고 청원했지만 임프레사리오는 대중의 실망을 두려워하여 거절했습니다.발레 뤼스 시즌은 1910년 6월 4일 슈만의 카니발, 림스키 코르사코프의 셰헤라자데, 그리고 이전 시즌의 단편 작품으로 시작되었다.
포킨의 무용 스타일은 해석적 움직임을 잘 활용했다. 그는 표현력, 자연주의, 활력, 문체의 일관성에 대한 아이디어를 사용했습니다. [55] 안무가는 '불새'에서 다양한 형태의 춤을 사용했다. 불새(Firebird)는 고전적으로 춤을 췄고, 코셰이(Koschei)와 그의 신하들은 더 폭력적이고 그로테스크한 방식으로, 공주들(Princesses)은 좀 더 느슨하고 부드러운 방식으로 춤을 추었다.새의 역할은 전통적인 발레리나의 역할과 달랐다. 여성 무용수들은 종종 공주, 백조, 연인의 춤을 추었지만 불새는 사람이라기보다는 마법의 힘으로 표현되는 신비하고 추상적인 아이디어였습니다. 그녀의 안무는 허리를 깊게 굽히는 과장된 클래식 스텝을 특징으로 합니다. 포킨은 그녀가 우아하기보다는 "강력하고, 다루기 어렵고, 반항적"이기를 원했다. 여성 캐릭터에 대한 이 새로운 종류의 역할은 발레계에 혁명적이었습니다.
시사회와 리셉션
초연에 대한 기대감은 대단했는데, 특히 디아길레프의 미르 이스쿠스트바 협력자들 사이에서 더욱 그랬다.시나리오 개발을 도운 조각가 드미트리 스텔레츠키]는 6월 16일 골로빈에게 편지를 썼다. 나는 불새를 봐야한다. 나는 너의 눈부신 그림과 의상을 보았다. 나는 스트라빈스키의 오케스트라 음악과 춤을 엄청나게 좋아한다. 당신의 세트와 함께 모든 것이 장관을 이룰 것이라고 생각합니다. 세로프도 이 발레 때문에 출발을 미뤘다"고 말했다. 디아길레프는 리허설 중 스트라빈스키에 대해 "그를 잘 표시해라, 그는 유명인사의 전야에 있는 사람이다"라고 말했다.
《불새》는 1910년 6월 25일 팔레 가르니에(Palais Garnier)에서 초연되었고, 큰 호응을 얻었다. 출연진은 카르사비나가 불새로, 포킨이 이반 왕자, 베라 포키나가 막내 공 주, 알렉시스 불가코프가 코셰이 역으로 출연했다. 카르사비나는 나중에 한 인터뷰에서 "모든 공연에서 성공은 점점 더 커졌다"고 말했다. 비평가들은 발레가 장식, 안무, 음악의 통일성을 높이 평가했다. "환상적인 뒷천의 낡은 금빛 vermiculation은 오케스트라의 반짝이는 거미줄과 동일한 공식으로 발명 된 것 같습니다"라고 Henri Ghéon은 Nouvelle revue française에서 썼다. 그는 발레를 "평형의 가장 절묘한 경이로움"이라고 불렀고 스트라빈스키는 "맛있는 음악가"라고 덧붙였다. 포킨의 안무는 그의 창조적 천재성의 승리로 여겨졌다. 자연스러운 흉내내기와 다양한 스타일의 춤이 관객들에게 인기를 끌었다.
많은 비평가들은 스트라빈스키가 러시아 민족주의 음악과 일치한 점을 높이 평가했는데, 한 비평가는 "[스트라빈스키는] 러시아의 진정한 음악 정신과 스타일을 홍보하려는 단순한 시도 이상의 것을 성취한 유일한 사람"이라고 말했다. 미셸 디미트리 칼보코레시(Michel-Dimitri Calvocoressi)는 이 젊은 작곡가를 《마이티 핸드풀》의 적법한 후계자로 칭송했다.] 러시아 관객들은 이 작품을 덜 호의적으로 보았고, 러시아 초연은 좋은 평가를 받지 못했다. 아폴론(Apollon)의 한 평론가에 따르면, "이 모음곡이 공연되는 동안 많은 사람들이 귀족의 전당을 떠났다"고 한다.] 림스키-코르사코프의 동료 제자인 야젭스 비톨스(Jāzeps Vītols)는 "스트라빈스키는 소리의 즐거움이라는 개념을 잊어버린 것 같다... [그의] 불협화음은 불행히도 그 뒤에 숨겨진 아이디어가 없기 때문에 금방 지쳐갑니다."니콜라이 먀스코프스키는 1911년 10월 발레 전곡의 피아노 축소를 리뷰하고 "얼마나 많은 발명품, 얼마나 많은 지능, 기질, 재능, 얼마나 주목할 만한, 얼마나 희귀한 작품인가"라고 썼다.
스트라빈스키는 초연과 후속 공연 후 마르셀 프루스트, 사라 베른하르트, 장 콕토, 모리스 라벨, 앙드레 지드, 에드몽 드 폴리냑 공주 등 파리 예술계의 많은 인물을 만났다고 회상했다. 초연이 끝난 후 클로드 드뷔시가 무대에 올라 스트라빈스키를 저녁 식사에 초대하면서 두 작곡가는 평생의 우정을 쌓기 시작했다.] 세르게이 베르텐손(Sergei Bertensson)에 따르면, 세르게이 라흐마니노프(Sergei Rachmaninoff)는 이 음악에 대해 "위대하신 하나님! 이것은 얼마나 천재적인 작품입니까! 이것이 진정한 러시아다!" 드뷔시는 나중에 스트라빈스키의 악보에 대해 "무엇을 기대하십니까? 어딘가에서 시작해야 합니다." 리하르트 슈트라우스는 작곡가에게 "갑작스런 충돌"로 대중을 놀라게 하는 대신 곡 pianissimo를 시작하는 데 "실수"를 저질렀다고 개인적으로 말했습니다. 얼마 지나지 않아 그는 언론에 "모방자의 말을 듣는 것은 항상 흥미롭다"고 말하면서 불새를 처음 들었을 때의 경험을 요약했습니다. 한 모임에서 피아노 연주를 처음 들은 세르게이 프로코피예프는 스트라빈스키에게 "[발레 도입부]에는 음악이 없었고, 음악이 있었다면 사드코의 음악이었다"고 말했다.
1962년 자서전에서 스트라빈스키는 이 작품의 성공의 상당 부분을 골로빈의 세트와 디아길레프의 협력자들 덕분이라고 밝혔다.] 그는 포킨의 안무가 "항상 복잡하고 조형적인 디테일로 과도하게 부담스러워 보였기 때문에 아티스트들은 음악과 함께 자신의 발걸음과 몸짓을 조정하는 데 큰 어려움을 느꼈고 지금도 여전히 느끼고 있다"고 썼다. 발레의 성공으로 스트라빈스키는 디아길레프의 스타 작곡가로서의 입지를 굳혔고, 즉각적으로 속편에 대한 논의가 있었고, 이는 페트루슈카와 봄의 제전의 작곡으로 이어졌다.
후속 작품
초연의 성공 이후 디아길레프는 1910년 7월 7일까지 공연 확장을 발표했는데, 그 중 마지막 공연은 스트라빈스키가 가족을 데리고 우스틸루그에 있는 집에서 데려왔다. 안드레이 림스키-코르사코프(Andrey Rimsky-Korsakov)는 확장 공연을 보기 위해 재빨리 파리로 갔고, 나중에 어머니에게 보낸 편지에서 작품을 칭찬했다. 초반 공연 이후, 알렉산드르 실로티는 10월 23일 러시아 초연을 지휘하여 1911년 모음곡의 초고를 연주했다.
Ballets Russes의 런던 데뷔 시즌은 1912 년 Royal Opera House에서 열렸습니다. 프로그램의 세 번째 발레는 불새(The Firebird)로 호평을 받았습니다. 오스버트 시트웰은 "그날 저녁까지 나는 스트라빈스키의 이름을 들어본 적이 없었다. 그러나 발레가 발전함에 따라 작곡가나 무대를 설계한 예술가의 천재성을 오해하는 것은 불가능했다." Ballets Russes는 1926 년 Fokine의 원래 안무를 사용하여 Natalia Goncharova의 새로운 설정과 의상으로 프로덕션을 부활 시켰습니다. 리바이벌은 런던의 라이시엄 극장(Lyceum Theatre)에서 상연되었습니다.] 1916년 이베리아 반도에서 《불새》와 《페트루슈카》의 첫 번째 작품이 열렸다. Ballets Russes는 1921 년 마드리드에서 짧은 시즌을 위해 돌아 왔습니다.] 1927 년부터 1933 년까지 베를린 국립 오페라 극장, 스웨덴 왕립 발레단, 덴마크 왕립 발레단, 자그레브의 크로아티아 국립 극장 등 여러 회사가 불새의 자체 안무와 디자인을 선보였습니다. 1935 년과 1940 년에 Wassily de Basil의 Ballets Russes de Monte Carlo는 Fokine의 안무와 Goncharova의 디자인으로 Ballets Russes 프로덕션을 부활 시켰습니다.
발레 극장에서 아돌프 볼름 (Adolph Bolm)의 1945 년 작품과 세르주 리파르 (Serge Lifar)의 1954 년 파리 오페라 발레 작품 등 많은 후기 리바이벌 공연은 포킨 (Fokine)의 안무를 모델로 삼았습니다. 세르주 그리고리예프(Serge Grigoriev)와 루보프 체르니체바(Lubov Tchernicheva)의 1954년 새들러스 웰스 발레(Sadler's Wells Ballet)에서 포킨의 안무를 곁들인 작품은 가장 중요하고 진정한 리바이벌 중 하나로 여겨진다. 그리고리예프와 체르니체바는 초기 공연 동안 디아길레프를 위해 일했고, 리드 댄서인 마고 폰테인은 카르사비나의 지도를 받았다. Sadler 's Wells 무대는 Goncharova의 1926 년 디자인을 사용했습니다. 1959 년에 부흥의 영화 버전이 만들어졌습니다.
1948년 창단 이래 뉴욕시티 발레단의 첫 번째 대히트는 이듬해 마리아 톨치프(Maria Tallchief)가 불새 역을, 안무는 조지 발란신(George Balanchine), 풍경과 의상은 마르크 샤갈(Marc Chagall)이 맡은 '불새(The Firebird)'였다. Balanchine은 스트라빈스키의 악보보다 춤에 중점을 두어 Tallchief를 미국에서 태어나고 훈련된 최초의 유명 발레리나 중 한 명으로 만들었습니다. [85] Balanchine은 1970 년 Jerome Robbins와 함께 그것을 개정했으며, 후자는 Koschei와 그의 주제의 춤을 안무했습니다. 젊은 겔시 커클랜드(Gelsey Kirkland)는 샤갈의 세트에서 영감을 받은 새로운 의상으로 타이틀 롤을 춤추었습니다. 뉴욕 시티 발레단의 작품은 미국에서 가장 잘 알려져 있고 가장 오래 지속된 부흥 공연으로 남아 있습니다.
모리스 베자르 (Maurice Béjart)의 1971 년 작품은 발레의 전통적인 주제와 달랐습니다. 혁명의 정신을 대표하는 수컷 불새가 파란색 튜닉과 바지를 입은 남성으로만 구성된 빨치산 그룹을 이끌고 정치적 혼란을 헤쳐 나가는 것이 특징이었습니다. 빨간 레오타드를 입은 불새가 전투에서 죽은 후, 베자르가 뉴요커와의 인터뷰에서 말했듯이 그는 "잿더미에서 일어나 다시 살아난다"고 말했다. 1970년, 존 노이마이어는 미래 세계를 배경으로 한 발레의 공상 과학 작품을 고안했지만 원래 줄거리는 유지했다. 초기 오페르 프랑크푸르트 프로덕션에서 Koschei는 CCTV 눈을 가진 대형 유리 로봇입니다. 흰색 우주복을 입은 불새는 그의 시스템에 있는 특정 밸브를 파괴하여 그를 물리칩니다. 노이마이어는 비평가 올렉 케렌스키(Oleg Kerensky)로부터 발레에 "새로운 생명"을 불어넣고 관객에게 "60년 전 파리에서 포킨-골로비네(Fokine-Golovine) 작품이 가졌어야 하는" 매혹적인 효과를 만들어냈다고 칭찬했다. 다른 많은 안무가들이 포킨의 오리지널 안무로 작품을 무대에 올리거나 음악을 사용하여 완전히 새로운 작품을 만들었습니다. 슈투트가르트 발레단과 함께한 존 크랑코의 1964년 작품, 글렌 테틀리의 1981년 덴마크 왕립 발레단과 함께한 무대, 존 타라스의 1982년 카리브해 무대 연출과 할렘 댄스 시어터, 크리스토퍼 휠든의 1999년 보스턴 발레단 작품, 크시슈토프 파스토르의 1999년 서호주 발레단 무대, 알렉세이 라트만스키가 아메리칸 발레 시어터와 함께 한
2012년 작품.
유산
비평가들은 불새의 감성적인 음악에 찬사를 보냈다. 시릴 W. 보몽(Cyril W. Beaumont)은 이 작품이 "음악 그 자체로는 아무런 의미가 없음에도 불구하고, 특히 그 의도에 대한 암시를 주는 프로그램을 통해 해당 발레단에 적합한 분위기를 불러일으킬 수 있는 방법을 보여주는 최고의 예"라고 썼다. 로버트 크래프트(Robert Craft)는 음악을 "오페라만큼이나 문자 그대로"라고 생각했으며,음악이 이야기를 따라가는 "모방적 특수성"을 언급했는데,[95] 스트라빈스키는 나중에 이를 싫어하고 사과했습니다. 작곡가는 The Firebird가 그의 경력의 중심이 되었다고 썼습니다. 그의 지휘 데뷔는 1915년 《불새》의 발레 공연이었는데, 그는 이 곡을 "거의 천 번" 더 공연했다고 말했다.
포킨의 혁명적인 불새 캐릭터는 고전 발레와 새로운 아이디어를 결합하려는 노력의 일환으로, 안무가로서의 폭넓은 능력을 보여주었습니다.] 그는 나중에 자신의 스타일을 "기존의 몸짓 시스템"에서 벗어나 움직임을 통한 자연스러운 표현으로의 이동이라고 설명했습니다. 포킨이 접근한 광범위한 자원과 경험 많은 아티스트 덕분에 그는 불새와 같은 대규모 작품을 만들 수 있었습니다. 각 캐릭터 또는 그룹은 자신 만의 독특한 안무를 가지고 있으며, 불새가 Koschei의 피사체에 마법을 걸지만 모두 다르게 춤을 추는 "Infernal Dance"와 같은 복잡한 장면을 만듭니다. 무용 평론가 앨러스테어 매콜리(Alastair Macaulay)는 이 안무를 당시 "발레에서 시도된 것 중 가장 복잡한 안무"라고 불렀다.
음악
악보 전반에 걸쳐 스트라빈스키는 하모니에 배치된 라이트모티프(leitmotif, 특정 사람, 장소 또는 사물과 관련된 짧고 반복되는 음악 문구)를 사용했는데, 이는 나중에 그가 "라이트-하모니(leit-harmony)"라고 명명한 시스템입니다. 라이트-하모니(leit-harmony)라는 개념은 림스키-코르사코프(Rimsky-Korsakov)의 오페라 '황금 수평아리(The Golden Cockerel)'(1907)와 '불사의 카슈체이(Kashchey the Deathless)'(1902)를 통해 작곡가에게 소개된 것으로 보인다. 이 작품에서 필멸의 요소는 온음계와 연관되어 있었고 초자연적 요소는 반음계와 연관되어 있었습니다. 예를 들어, 스트라빈스키는 코셰이의 릿-하모니를 "매직 3분음"으로 구성한다고 설명한다. 하모니는 장조 또는 단조로 시작하고, 낮은 목소리는 삼음으로 올라가고 높은 목소리는 반 단계로 내려갑니다. 주인공의 라이트 하모니는 도입부의 처음 4개 음표의 반음계 하강을 사용한 다음 그 음들을 반전시켜 에릭 월터 화이트(Eric Walter White)가 설명했듯이 음악에 "무지개 빛깔의 광택"을 부여합니다. ]
스트라빈스키는 〈불새〉가 그의 음악에서 '운율의 불규칙성'이 처음으로 나타난 작품일 수 있다고 썼다. 통로가 표시되어 있습니다
74 호, 마디를 1과 2로 나누는 마디가 있습니다. ] 화이트는 작곡가의 초기 작품들이 일관된 음악적 맥박을 사용했으며, "템포 루바토에 의해 가능한 한 방해받지 않도록 했다"고 썼다. 스트라빈스키는 〈림스키에 대한 반란〉에서 〈불새〉를 작곡했으며, "폰티첼로, 콜 레뇨, 플라우탄도, 글리산도, 플러터텅 효과로 그를 능가하려고 노력했다"고 언급했다.
전체 발레 공연은 약 45분 동안 진행됩니다.
스트라빈스키는 이 오케스트라를 "낭비할 정도로 크다"고 묘사했지만, 화이트는 이 오케스트라가 림스키-코르사코프의 믈라다 부분(1872)에서 차용한 호른과 트롬본 글리산디를 포함한 다양한 효과를 사용할 수 있었다고 말했다.
구조
음악과 줄거리
불새는 코셰이의 마법에 걸린 정원을 묘사하는 느린 도입부로 시작하며, 불새의 릿 하모니의 기초를 제시하는 낮은 현으로 밑줄을 긋습니다.정원에는 코셰이의 적들이 석화되어 조각상으로 변해 있다. 현악기와 목관악기의 크레센도(Crescendo)와 감소(decrescendo) 프레이즈는 이반 왕자(Prince Ivan)가 쫓고 있는 불새(Firebird)의 진입을 나타냅니다. 이반이 불새를 사로잡는 장면은 호른의 스포르잔도 화음과 오보에, 잉글리시 호른, 비올라의 이국적인 멜로디가 그녀가 풀어주기를 간청하는 모습으로 묘사됩니다. 불새가 풀려난 후, 이반은 그녀의 깃털 중 하나를 가져갔고, 13명의 마법에 걸린 공주들(모두 코셰이의 포로들)이 정원에 들어와 잡기 놀이를 한다. 이반은 사랑에 빠진 막내 공주에게 자신을 소개하고, 그들은 느린 호로보드를 추운다. 호로보드의 멜로디는 림스키-코르사코프가 그의 《러시아 주제에 관한 신포니에타》(1879)에서 사용한 러시아 민요에서 따왔다. 무대 뒤에서 트럼펫이 공주들을 궁전으로 다시 불러들이지만, 이반이 그들을 쫓아가자 종이 울리고 팀파니와 베이스 드럼의 포효로 신호를 보내는 코셰이가 문 앞에 나타난다.
코셰이가 이반을 돌로 만들기 전에, 왕자는 깃털을 가진 불새를 소환하고, 그녀는 코셰이와 그의 신하들을 매혹시키고 그 유명한 "지옥의 춤"을 시작한다. 림스키-코르사코프의 또 다른 레퍼런스인 이 멜로디는 림스키-코르사코프의 믈라다 부분에서 차용한 것으로, 주제 전체에 당김음과 놀라운 타격을 더한다. 매우 큰 금관 악기 글리산도로 춤이 끝나갈 때, 코셰이와 그의 사람들은 지쳐서 잠이 든다. 바순은 불새의 고요한 자장가를 소개합니다. 이반은 코셰이의 영혼을 담고 있는 알을 파괴하라는 지시를 받는다. 음악이 이리저리 흔들리며 이반이 달걀을 손에서 손으로 던진다.
이반이 달걀을 깨뜨렸을 때, 코셰이는 죽고 장면은 "깊은 어둠"으로 뒤덮이고 그의 신하와 적들은 마법에서 풀려난다. 피날레는 림스키-코르사코프(Rimsky-Korsakov)의 또 다른 주제인 새벽의 시작을 알리는 솔로 호른으로 시작한다. 주제는 오케스트라에서 커지고, 자유의 대상자들 사이에서 승리의 축하 행사로 발전하고 금관악기 팡파르로 끝납니다.
스위트룸
〈불새〉가 완성된 직후, 스트라빈스키는 발레 전체를 피아노 독주로 축소한 곡을 썼다. 작곡가는 나중에 1911 년, 1919 년, 1945 년에 콘서트 공연을 위해 3 개의 모음곡을 편곡했습니다.
1911년 모음곡
- 소개 – Koschei의 마법의 정원 – 불새의 춤
- 불새의 간청
- 황금 사과를 곁들인 공주의 게임
- 공주의 호로보드
- 코셰이의 모든 주제의 지옥 무용
첫 번째 모음곡은 1911년에 작곡되어 이듬해 P. Jurgenson에 의해 출판되었다. 악기는 본질적으로 발레의 악기와 동일합니다. 악보는 같은 판에서 인쇄되었습니다. 무브먼트의 새로운 엔딩만 새로 새겨졌습니다. 1911년 모음곡의 공연은 약 21분 동안 지속됩니다.
1919년 모음곡
- 소개
- 불새와 그 춤
- 불새의 변형
- 공주의 호로보드 (론도)
- 카쉬체이 왕의 지옥무도(Infernal Dance of King Kashchei)
- 자장가
- 피날레
이 모음곡은 스위스 모르쥬에서 소규모 오케스트라를 위해 작곡되었다. 월시는 스트라빈스키가 원래 발레가 여전히 저작권이 있음에도 불구하고 그의 출판사 J. & W. 체스터에 새 모음곡을 판매했기 때문에 모음곡이 작품의 저작권을 다시 얻기 위해 작곡되었다고 주장했습니다. [121][122] 악보에는 오류가 많았다. 스트라빈스키는 1952년에 "1919년 판의 부분은 상태가 너무 좋지 않았고 오류로 가득 차 있었다"고 썼다. [123] 그럼에도 불구하고 1919 년 스위트는 오늘날 가장 인기가 있습니다. 1919년 모음곡의 공연은 약 26분 동안 지속된다. [120]
1945년 모음곡
- 소개 – 불새의 전주곡과 춤 – 변주곡 (불새)
- 판토마임 I
- Pas de deux: Firebird와 Ivan Tsarevich
- 판토마임 II
- 스케르초: 공주의 춤
- 판토마임 III
- 론도 (호로보드)
- 지옥의 춤
- 자장가(불새)
- 마지막 찬송가
1945년, 미국 시민권을 취득하기 직전, 스트라빈스키는 리즈 뮤직(Leeds Music)으로부터 그의 첫 발레 3편의 편곡을 수정하여 미국에서 저작권을 다시 부여하자는 제안을 받았다. 작곡가는 이에 동의하고 1919년 버전을 기반으로 한 새로운 모음곡을 만들었고, 여기에 추가하고 원래 악보에서 몇 분 동안의 무언극을 다시 편곡했습니다. 유일한 악기 변경은 스네어 드럼이 추가된 것입니다. 1945년 모음곡의 공연은 약 28분 동안 지속됩니다.
The Firebird Suite
스트라빈스키 / 무용모음곡 '불새'
Igor Fedorovich Stravinsky 1882∼1971
Stravinsky: "The Firebird" Suite (1919 version) (with Score)
Igor Stravinsky: "The Firebird (L'Oiseau de feu)" Suite (1919 version) (with Score) Composed: 1910 (Ballet); 1919 (Suite) Conductor: James DePreist Orchestra: Oregon Symphony
00:00 1. Introduction 03:14 2. The Firebird and its dance (L’Oiseau de feu et sa danse) 03:29 3. The Firebird's variation (Variation de l’Oiseau de feu) 04:48 4. The Princesses’ Khorovod (Rondes des Princesses) 10:06 5. Infernal dance of King Kashchei (Danse infernale de roi Kachtcheï) 14:52 6. Berceuse 18:26 7. Finale (Final)
The Firebird Suite
The Firebird Suite · London Symphony Orchestra
Stravinsky - The Firebird Suite: I. Introduction (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite: II. The Firebird and Her Dance (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite: III. Round Dance of the Princesses (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite IV: Infernal Dance of King Kastchei (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite: V. Berceuse (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite: VI. Finale (Official Audio)
Stravinsky - Prince Igor Overture (Official Audio)
Stravinsky - Prince Igor Polovetsian Dances (Official Audio)
불새
불새(프랑스어: L'Oiseau de feu; 러시아어 : Жар-птица, 로마자 : Zhar-ptitsa)는 러시아 작곡가 이고르 스트라빈스키의 발레 및 오케스트라 콘서트 작품입니다. 1910년 세르게이 디아길레프(Sergei Diaghilev)의 발레 뤼스(Ballets Russes) 컴퍼니의 파리 시즌을 위해 작곡되었다. 오리지널 안무는 미셸 포킨(Michel Fokine)이 맡았으며, 알렉상드르 브누아(Alexandre Benois) 등과 함께 불새(Firebird)에 대한 러시아 동화와 불새가 주인에게 주는 축복과 저주를 바탕으로 한 시나리오를 제작했습니다. 1910년 6월 25일 파리 오페라 극장에서 초연된 이 작품은 스트라빈스키에게 국제적인 명성을 안겨주었고, 페트루슈카(Petrushka, 1911), 봄의 제전(The Rite of Spring, 1913)을 포함한 디아길레프-스트라빈스키의 콜라보레이션으로 이어지며 즉각적인 성공을 거두었다.
불새의 필멸적이고 초자연적인 요소는 "라이트-하모니(leit-harmony)"라고 불리는 하모니에 배치된 라이트 모티프 시스템으로 구별됩니다. 스트라빈스키는 의도적으로 오케스트라에서 폰티첼로, 콜 레뇨, 플루탄도, 글리산도, 플러터 텅잉 등 많은 전문 기술을 사용했다. 사악한 불멸의 Koschei의 성을 배경으로 하는 이 발레는 마법의 Firebird의 도움으로 Koschei와 싸우는 Ivan 왕자를 따릅니다.
스트라빈스키는 나중에 이 작품을 바탕으로 세 개의 콘서트 모음곡을 만들었다: 1911년, "지옥의 춤"으로 끝난다. 1919 년, 오늘날에도 가장 인기있는 작품으로 남아 있습니다. 그리고 1945 년에는 상당한 재조정과 구조적 변화가 특징입니다. 다른 안무가들은 포킨의 오리지널 안무로 작품을 무대에 올리거나 음악을 사용하여 완전히 새로운 작품을 만들었으며, 일부는 새로운 설정이나 주제로 제작했습니다. 모음곡에 대한 많은 녹음이 이루어졌습니다. 첫 번째는 1928 년에 1911 Suite를 사용하여 출시되었습니다. 1959년 포킨의 오리지널 안무를 되살린 인기 있는 새들러스 웰스 발레단 프로덕션의 영화 버전이 제작되었다.
역사
배경
이고르 스트라빈스키는 1902년 니콜라이 림스키-코르사코프와 함께 작곡을 공부하기 시작했다. [1][2] 그는 학생 시절에 여러 작품을 완성했으며,[3] 그의 첫 번째 연주 작품인 Pastorale (1907) 과 그의 첫 번째 출판 작품인 Symphony in E-flat (1907)를 포함하여 작곡가가 Opus 1로 분류했습니다. 1909년 2월, 상트페테르부르크에서 열린 그의 스케르초 환상곡과 작품의 연주에는 스트라빈스키 작품의 생생함에 흥미를 느낀 임프레사리오 세르게이 디아길레프가 참석했다.
디아길레프는 1898년 미술잡지 Mir iskusstva를 창간했으나 [8] 1904년 발행이 종료된 후 예술적 기회를 얻기 위해 모국인 러시아가 아닌 파리로 눈을 돌렸다. 1907년 디아길레프는 파리 오페라 극장에서 러시아 음악의 5개 콘서트 시리즈를 선보였다. 이듬해에는 림스키-코르사코프의 보리스 고두노프 버전의 파리 초연을 무대에 올렸다. 1909년까지 디아길레프는 미셸 포킨, 레옹 바크스트, 알렉상드르 브노아와 관계를 맺었고 독립 발레단인 Ballets Russes를 시작할 수 있는 충분한 돈을 벌었습니다.] 디아길레프는 스트라빈스키에게 발레 《실피드》를 위해 쇼팽의 음악을 편곡하도록 의뢰했고, 작곡가는 1909년 3월에 완성되었다.
포킨은 1898년 임페리얼 시어터 스쿨(Imperial Theatre School)을 졸업하자마자 반에서 1등을 차지한 유명한 무용수였다. 그 후 그는 마린스키 발레단에 솔리스트로 입단했고 1904년 마린스키 발레단의 수석 무용수로 승진했다. [15][16] 포킨은 관객에게 화려하게 어필하고 관객의 방해를 받는 발레의 전통에 불만을 가졌다. 그는 극적인 춤은 환상의 방해 없이 엄격하게 표시되어야 하며, 음악은 주제와 밀접하게 연결되어야 한다고 생각했다. 그의 1907년 발레 《죽어가는 백조》와 《레 실피드》는 매우 성공적이었고 포킨은 다른 저명한 안무가들의 경쟁자로 자리매김했다. 1908 년, Diaghilev의 Mir iskusstva 서클의 멤버이자 Fokine의 친구 인 Benois는 무용수가 Ballets Russes의 1909 년 시즌을위한 레퍼토리를 준비하도록 주선했습니다. [18] 시즌은 매우 성공적이었고, 디아길레프는 그 직후 1910년 시즌을 위한 계획을 세우기 시작했다.
개념
발레 뤼스가 재정 문제에 직면하자 디아길레프는 러시아 음악과 디자인이 뚜렷한 새로운 발레를 원했는데, 이는 최근 프랑스와 다른 서구 관객들에게 인기를 끌고 있었다(아마도 더 파이브 음악의 매력적인 매력 때문이었을 것이다). 포킨은 비공식적으로 이 새로운 발레의 시나리오를 고안하기 위해 자신과 베노아, 작곡가 니콜라이 체레프닌, 화가 알렉산드르 골로빈을 포함한 예술가 위원회를 이끌었다. 브누아는 디아길레프의 서클에서 시인이자 발레 애호가였던 표트르 페트로비치 포티옴킨(Pyotr Petrovich Potyomkin)이 야코프 폴론스키(Yakov Polonsky)의 1844년 시 "겨울의 여행(A Winter's Journey)"을 인용하여 예술가들에게 불새라는 주제를 제안한 것을 회상했다.
그리고 내 꿈 속에서 나는 늑대의 등에
올라탄 나 자신을 본다 숲길을
따라 말을 타고 마법사 차르
와 전투를 벌이기 위해 공주가 자물쇠와 열쇠 아래 앉아 거대한 벽 뒤에
갇혀 있는 그 땅에서.
정원은 모두 유리로 된 궁전을 둘러싸고 있습니다.
거기에는 불새가 밤
에는 노래를 부르고 황금빛 과일을 쪼아 먹는다
위원회는 러시아 동화책, 특히 알렉산드르 아파나시예프(Alexander Afanasyev)의 동화집과 표트르 파블로비치 예르쇼프(Pyotr Pavlovich Yershov)의 '작은 혹등말(The Little Humpbacked Horse)'에서 영감을 얻었다. 불멸의 왕 Koschei 와 포로가 된 공주는 모스크바 이야기 선집에서 통합되었으며, 이는 또한 이야기에서 불새의 역할을 결정하는 데 도움이 되었습니다. 포킨은 러시아 동화에 등장하는 선과 악의 극명한 대조를 그리면서 발레의 캐릭터를 발전시켰다. 안무가는 판타지와 현실을 혼합하여 시나리오를 만들었는데, 이는 포킨의 민속 발레에서 많이 볼 수 있는 낭만주의의 비유이다. 원래 체레프닌은 이전에 포킨과 베노아와 함께 '파빌리옹 다르미드(Le Pavillon d'Armide)'에서 작업한 적이 있기 때문에 음악을 작곡할 예정이었으나 프로젝트에서 물러났다. 1909년 9월, 디아길레프는 아나톨리 랴도프에게 발레 작곡을 요청했다. 랴도프는 제작에 관심을 보였지만, 1910년 시즌의 마감 시한을 맞추는 데 너무 오랜 시간이 걸렸다. 알렉산더 글라주노프와 니콜라이 소콜로프를 고려한 후, 디아길레프는 체레프닌과 보리스 아사피예프의 격려를 받아 스트라빈스키에게 작곡을 요청했다.
스트라빈스키는 1909년 10월이나 11월에 작업을 시작하여, 스트라빈스키의 스승의 아들이자 불새의 악보를 헌정한 안드레이 림스키-코르사코프와 함께 림스키-코르사코프의 집을 방문했다. 스트라빈스키는 디아길레프가 공식적으로 그에게 의뢰하기 전에 작업을 시작했기 때문에 작곡가의 스케치는 시나리오와 일치하지 않았다. 12월에 포킨을 만나 발레단의 계획된 구조를 받았을 때 전체 이야기가 그에게 알려졌습니다. 포킨은 발레 창작이 프로듀서와 작곡가 간의 동등한 노력이 되도록 했으며, 안무를 개발하는 동안 스트라빈스키와 긴밀히 협력했습니다.] 작곡가가 작업하는 동안 디아길레프는 언론을 위해 피아노 악보의 개인 공연을 조직했다. 디아길레프의 친구인 프랑스 비평가 로베르 브뤼셀은 다음과 같이 썼다: "첫 장면이 끝날 때쯤 나는 정복당했다: 마지막 장면에서 나는 감탄에 빠졌다. 음악의 휴식에 대한 원고는 가느다란 연필로 악보를 씌우자 걸작이 드러났다."
개발
훗날 스트라빈스키는 "내가 쓰고 싶지 않은 종류의 묘사적인 음악"이라고 한탄했지만, 스트라빈스키는 〈불새〉를 약 6개월 만에 완성했고, 1910년 5월 중순에 완전히 관현악 편곡을 마쳤다. 스트라빈스키는 그의 첫 무대 작품의 초연에 참석하기 위해 6월 초쯤 파리에 도착했다. 그의 첫 파리 방문이었다.
리허설은 예카테리닌스키 홀에서 시작되었고, 스트라빈스키는 음악을 돕기 위해 모든 리허설에 참석했으며, 종종 무용수들에게 복잡한 리듬을 설명했다.] 불새 역할을 처음 맡은 타마라 카르사비나(Tamara Karsavina)는 나중에 "그는 종종 리허설이 시작되기 전에 극장에 일찍 와서 특히 어려운 대목을 반복해서 연주했다"고 회상했습니다. 스트라빈스키는 또한 콜론 오케스트라와 함께 초연을 지휘한 가브리엘 피에르네와 긴밀히 협력했으며, "음악을 설명하기 위해 ... [그러나 음악가들은] 무용수들만큼이나 당혹스러웠다." 무용수들을 수용하기 위해 두 차례의 드레스 리허설이 열렸는데, "오케스트라가 연주할 때 피아노로 연주할 때와 상당히 다르게 들렸다"는 음악의 예상치 못한 변화로 인해 많은 무용수들이 입장을 놓쳤다.
극단이 파리에 도착했을 때 발레는 완성되지 않았고 포킨은 리허설을 연장했다. 그는 디아길레프에게 초연을 연기해 달라고 청원했지만 임프레사리오는 대중의 실망을 두려워하여 거절했습니다.발레 뤼스 시즌은 1910년 6월 4일 슈만의 카니발, 림스키 코르사코프의 셰헤라자데, 그리고 이전 시즌의 단편 작품으로 시작되었다.
포킨의 무용 스타일은 해석적 움직임을 잘 활용했다. 그는 표현력, 자연주의, 활력, 문체의 일관성에 대한 아이디어를 사용했습니다. [55] 안무가는 '불새'에서 다양한 형태의 춤을 사용했다. 불새(Firebird)는 고전적으로 춤을 췄고, 코셰이(Koschei)와 그의 신하들은 더 폭력적이고 그로테스크한 방식으로, 공주들(Princesses)은 좀 더 느슨하고 부드러운 방식으로 춤을 추었다.새의 역할은 전통적인 발레리나의 역할과 달랐다. 여성 무용수들은 종종 공주, 백조, 연인의 춤을 추었지만 불새는 사람이라기보다는 마법의 힘으로 표현되는 신비하고 추상적인 아이디어였습니다. 그녀의 안무는 허리를 깊게 굽히는 과장된 클래식 스텝을 특징으로 합니다. 포킨은 그녀가 우아하기보다는 "강력하고, 다루기 어렵고, 반항적"이기를 원했다. 여성 캐릭터에 대한 이 새로운 종류의 역할은 발레계에 혁명적이었습니다.
시사회와 리셉션
초연에 대한 기대감은 대단했는데, 특히 디아길레프의 미르 이스쿠스트바 협력자들 사이에서 더욱 그랬다.시나리오 개발을 도운 조각가 드미트리 스텔레츠키]는 6월 16일 골로빈에게 편지를 썼다. 나는 불새를 봐야한다. 나는 너의 눈부신 그림과 의상을 보았다. 나는 스트라빈스키의 오케스트라 음악과 춤을 엄청나게 좋아한다. 당신의 세트와 함께 모든 것이 장관을 이룰 것이라고 생각합니다. 세로프도 이 발레 때문에 출발을 미뤘다"고 말했다. 디아길레프는 리허설 중 스트라빈스키에 대해 "그를 잘 표시해라, 그는 유명인사의 전야에 있는 사람이다"라고 말했다.
《불새》는 1910년 6월 25일 팔레 가르니에(Palais Garnier)에서 초연되었고, 큰 호응을 얻었다. 출연진은 카르사비나가 불새로, 포킨이 이반 왕자, 베라 포키나가 막내 공 주, 알렉시스 불가코프가 코셰이 역으로 출연했다. 카르사비나는 나중에 한 인터뷰에서 "모든 공연에서 성공은 점점 더 커졌다"고 말했다. 비평가들은 발레가 장식, 안무, 음악의 통일성을 높이 평가했다. "환상적인 뒷천의 낡은 금빛 vermiculation은 오케스트라의 반짝이는 거미줄과 동일한 공식으로 발명 된 것 같습니다"라고 Henri Ghéon은 Nouvelle revue française에서 썼다. 그는 발레를 "평형의 가장 절묘한 경이로움"이라고 불렀고 스트라빈스키는 "맛있는 음악가"라고 덧붙였다. 포킨의 안무는 그의 창조적 천재성의 승리로 여겨졌다. 자연스러운 흉내내기와 다양한 스타일의 춤이 관객들에게 인기를 끌었다.
많은 비평가들은 스트라빈스키가 러시아 민족주의 음악과 일치한 점을 높이 평가했는데, 한 비평가는 "[스트라빈스키는] 러시아의 진정한 음악 정신과 스타일을 홍보하려는 단순한 시도 이상의 것을 성취한 유일한 사람"이라고 말했다. 미셸 디미트리 칼보코레시(Michel-Dimitri Calvocoressi)는 이 젊은 작곡가를 《마이티 핸드풀》의 적법한 후계자로 칭송했다.] 러시아 관객들은 이 작품을 덜 호의적으로 보았고, 러시아 초연은 좋은 평가를 받지 못했다. 아폴론(Apollon)의 한 평론가에 따르면, "이 모음곡이 공연되는 동안 많은 사람들이 귀족의 전당을 떠났다"고 한다.] 림스키-코르사코프의 동료 제자인 야젭스 비톨스(Jāzeps Vītols)는 "스트라빈스키는 소리의 즐거움이라는 개념을 잊어버린 것 같다... [그의] 불협화음은 불행히도 그 뒤에 숨겨진 아이디어가 없기 때문에 금방 지쳐갑니다."니콜라이 먀스코프스키는 1911년 10월 발레 전곡의 피아노 축소를 리뷰하고 "얼마나 많은 발명품, 얼마나 많은 지능, 기질, 재능, 얼마나 주목할 만한, 얼마나 희귀한 작품인가"라고 썼다.
스트라빈스키는 초연과 후속 공연 후 마르셀 프루스트, 사라 베른하르트, 장 콕토, 모리스 라벨, 앙드레 지드, 에드몽 드 폴리냑 공주 등 파리 예술계의 많은 인물을 만났다고 회상했다. 초연이 끝난 후 클로드 드뷔시가 무대에 올라 스트라빈스키를 저녁 식사에 초대하면서 두 작곡가는 평생의 우정을 쌓기 시작했다.] 세르게이 베르텐손(Sergei Bertensson)에 따르면, 세르게이 라흐마니노프(Sergei Rachmaninoff)는 이 음악에 대해 "위대하신 하나님! 이것은 얼마나 천재적인 작품입니까! 이것이 진정한 러시아다!" 드뷔시는 나중에 스트라빈스키의 악보에 대해 "무엇을 기대하십니까? 어딘가에서 시작해야 합니다." 리하르트 슈트라우스는 작곡가에게 "갑작스런 충돌"로 대중을 놀라게 하는 대신 곡 pianissimo를 시작하는 데 "실수"를 저질렀다고 개인적으로 말했습니다. 얼마 지나지 않아 그는 언론에 "모방자의 말을 듣는 것은 항상 흥미롭다"고 말하면서 불새를 처음 들었을 때의 경험을 요약했습니다. 한 모임에서 피아노 연주를 처음 들은 세르게이 프로코피예프는 스트라빈스키에게 "[발레 도입부]에는 음악이 없었고, 음악이 있었다면 사드코의 음악이었다"고 말했다.
1962년 자서전에서 스트라빈스키는 이 작품의 성공의 상당 부분을 골로빈의 세트와 디아길레프의 협력자들 덕분이라고 밝혔다.] 그는 포킨의 안무가 "항상 복잡하고 조형적인 디테일로 과도하게 부담스러워 보였기 때문에 아티스트들은 음악과 함께 자신의 발걸음과 몸짓을 조정하는 데 큰 어려움을 느꼈고 지금도 여전히 느끼고 있다"고 썼다. 발레의 성공으로 스트라빈스키는 디아길레프의 스타 작곡가로서의 입지를 굳혔고, 즉각적으로 속편에 대한 논의가 있었고, 이는 페트루슈카와 봄의 제전의 작곡으로 이어졌다.
후속 작품
초연의 성공 이후 디아길레프는 1910년 7월 7일까지 공연 확장을 발표했는데, 그 중 마지막 공연은 스트라빈스키가 가족을 데리고 우스틸루그에 있는 집에서 데려왔다. 안드레이 림스키-코르사코프(Andrey Rimsky-Korsakov)는 확장 공연을 보기 위해 재빨리 파리로 갔고, 나중에 어머니에게 보낸 편지에서 작품을 칭찬했다. 초반 공연 이후, 알렉산드르 실로티는 10월 23일 러시아 초연을 지휘하여 1911년 모음곡의 초고를 연주했다.
Ballets Russes의 런던 데뷔 시즌은 1912 년 Royal Opera House에서 열렸습니다. 프로그램의 세 번째 발레는 불새(The Firebird)로 호평을 받았습니다. 오스버트 시트웰은 "그날 저녁까지 나는 스트라빈스키의 이름을 들어본 적이 없었다. 그러나 발레가 발전함에 따라 작곡가나 무대를 설계한 예술가의 천재성을 오해하는 것은 불가능했다." Ballets Russes는 1926 년 Fokine의 원래 안무를 사용하여 Natalia Goncharova의 새로운 설정과 의상으로 프로덕션을 부활 시켰습니다. 리바이벌은 런던의 라이시엄 극장(Lyceum Theatre)에서 상연되었습니다.] 1916년 이베리아 반도에서 《불새》와 《페트루슈카》의 첫 번째 작품이 열렸다. Ballets Russes는 1921 년 마드리드에서 짧은 시즌을 위해 돌아 왔습니다.] 1927 년부터 1933 년까지 베를린 국립 오페라 극장, 스웨덴 왕립 발레단, 덴마크 왕립 발레단, 자그레브의 크로아티아 국립 극장 등 여러 회사가 불새의 자체 안무와 디자인을 선보였습니다. 1935 년과 1940 년에 Wassily de Basil의 Ballets Russes de Monte Carlo는 Fokine의 안무와 Goncharova의 디자인으로 Ballets Russes 프로덕션을 부활 시켰습니다.
발레 극장에서 아돌프 볼름 (Adolph Bolm)의 1945 년 작품과 세르주 리파르 (Serge Lifar)의 1954 년 파리 오페라 발레 작품 등 많은 후기 리바이벌 공연은 포킨 (Fokine)의 안무를 모델로 삼았습니다. 세르주 그리고리예프(Serge Grigoriev)와 루보프 체르니체바(Lubov Tchernicheva)의 1954년 새들러스 웰스 발레(Sadler's Wells Ballet)에서 포킨의 안무를 곁들인 작품은 가장 중요하고 진정한 리바이벌 중 하나로 여겨진다. 그리고리예프와 체르니체바는 초기 공연 동안 디아길레프를 위해 일했고, 리드 댄서인 마고 폰테인은 카르사비나의 지도를 받았다. Sadler 's Wells 무대는 Goncharova의 1926 년 디자인을 사용했습니다. 1959 년에 부흥의 영화 버전이 만들어졌습니다.
1948년 창단 이래 뉴욕시티 발레단의 첫 번째 대히트는 이듬해 마리아 톨치프(Maria Tallchief)가 불새 역을, 안무는 조지 발란신(George Balanchine), 풍경과 의상은 마르크 샤갈(Marc Chagall)이 맡은 '불새(The Firebird)'였다. Balanchine은 스트라빈스키의 악보보다 춤에 중점을 두어 Tallchief를 미국에서 태어나고 훈련된 최초의 유명 발레리나 중 한 명으로 만들었습니다. [85] Balanchine은 1970 년 Jerome Robbins와 함께 그것을 개정했으며, 후자는 Koschei와 그의 주제의 춤을 안무했습니다. 젊은 겔시 커클랜드(Gelsey Kirkland)는 샤갈의 세트에서 영감을 받은 새로운 의상으로 타이틀 롤을 춤추었습니다. 뉴욕 시티 발레단의 작품은 미국에서 가장 잘 알려져 있고 가장 오래 지속된 부흥 공연으로 남아 있습니다.
모리스 베자르 (Maurice Béjart)의 1971 년 작품은 발레의 전통적인 주제와 달랐습니다. 혁명의 정신을 대표하는 수컷 불새가 파란색 튜닉과 바지를 입은 남성으로만 구성된 빨치산 그룹을 이끌고 정치적 혼란을 헤쳐 나가는 것이 특징이었습니다. 빨간 레오타드를 입은 불새가 전투에서 죽은 후, 베자르가 뉴요커와의 인터뷰에서 말했듯이 그는 "잿더미에서 일어나 다시 살아난다"고 말했다. 1970년, 존 노이마이어는 미래 세계를 배경으로 한 발레의 공상 과학 작품을 고안했지만 원래 줄거리는 유지했다. 초기 오페르 프랑크푸르트 프로덕션에서 Koschei는 CCTV 눈을 가진 대형 유리 로봇입니다. 흰색 우주복을 입은 불새는 그의 시스템에 있는 특정 밸브를 파괴하여 그를 물리칩니다. 노이마이어는 비평가 올렉 케렌스키(Oleg Kerensky)로부터 발레에 "새로운 생명"을 불어넣고 관객에게 "60년 전 파리에서 포킨-골로비네(Fokine-Golovine) 작품이 가졌어야 하는" 매혹적인 효과를 만들어냈다고 칭찬했다. 다른 많은 안무가들이 포킨의 오리지널 안무로 작품을 무대에 올리거나 음악을 사용하여 완전히 새로운 작품을 만들었습니다. 슈투트가르트 발레단과 함께한 존 크랑코의 1964년 작품, 글렌 테틀리의 1981년 덴마크 왕립 발레단과 함께한 무대, 존 타라스의 1982년 카리브해 무대 연출과 할렘 댄스 시어터, 크리스토퍼 휠든의 1999년 보스턴 발레단 작품, 크시슈토프 파스토르의 1999년 서호주 발레단 무대, 알렉세이 라트만스키가 아메리칸 발레 시어터와 함께 한
2012년 작품.
유산
비평가들은 불새의 감성적인 음악에 찬사를 보냈다. 시릴 W. 보몽(Cyril W. Beaumont)은 이 작품이 "음악 그 자체로는 아무런 의미가 없음에도 불구하고, 특히 그 의도에 대한 암시를 주는 프로그램을 통해 해당 발레단에 적합한 분위기를 불러일으킬 수 있는 방법을 보여주는 최고의 예"라고 썼다. 로버트 크래프트(Robert Craft)는 음악을 "오페라만큼이나 문자 그대로"라고 생각했으며,음악이 이야기를 따라가는 "모방적 특수성"을 언급했는데,[95] 스트라빈스키는 나중에 이를 싫어하고 사과했습니다. 작곡가는 The Firebird가 그의 경력의 중심이 되었다고 썼습니다. 그의 지휘 데뷔는 1915년 《불새》의 발레 공연이었는데, 그는 이 곡을 "거의 천 번" 더 공연했다고 말했다.
포킨의 혁명적인 불새 캐릭터는 고전 발레와 새로운 아이디어를 결합하려는 노력의 일환으로, 안무가로서의 폭넓은 능력을 보여주었습니다.] 그는 나중에 자신의 스타일을 "기존의 몸짓 시스템"에서 벗어나 움직임을 통한 자연스러운 표현으로의 이동이라고 설명했습니다. 포킨이 접근한 광범위한 자원과 경험 많은 아티스트 덕분에 그는 불새와 같은 대규모 작품을 만들 수 있었습니다. 각 캐릭터 또는 그룹은 자신 만의 독특한 안무를 가지고 있으며, 불새가 Koschei의 피사체에 마법을 걸지만 모두 다르게 춤을 추는 "Infernal Dance"와 같은 복잡한 장면을 만듭니다. 무용 평론가 앨러스테어 매콜리(Alastair Macaulay)는 이 안무를 당시 "발레에서 시도된 것 중 가장 복잡한 안무"라고 불렀다.
음악
악보 전반에 걸쳐 스트라빈스키는 하모니에 배치된 라이트모티프(leitmotif, 특정 사람, 장소 또는 사물과 관련된 짧고 반복되는 음악 문구)를 사용했는데, 이는 나중에 그가 "라이트-하모니(leit-harmony)"라고 명명한 시스템입니다. 라이트-하모니(leit-harmony)라는 개념은 림스키-코르사코프(Rimsky-Korsakov)의 오페라 '황금 수평아리(The Golden Cockerel)'(1907)와 '불사의 카슈체이(Kashchey the Deathless)'(1902)를 통해 작곡가에게 소개된 것으로 보인다. 이 작품에서 필멸의 요소는 온음계와 연관되어 있었고 초자연적 요소는 반음계와 연관되어 있었습니다. 예를 들어, 스트라빈스키는 코셰이의 릿-하모니를 "매직 3분음"으로 구성한다고 설명한다. 하모니는 장조 또는 단조로 시작하고, 낮은 목소리는 삼음으로 올라가고 높은 목소리는 반 단계로 내려갑니다. 주인공의 라이트 하모니는 도입부의 처음 4개 음표의 반음계 하강을 사용한 다음 그 음들을 반전시켜 에릭 월터 화이트(Eric Walter White)가 설명했듯이 음악에 "무지개 빛깔의 광택"을 부여합니다. ]
스트라빈스키는 〈불새〉가 그의 음악에서 '운율의 불규칙성'이 처음으로 나타난 작품일 수 있다고 썼다. 통로가 표시되어 있습니다
74 호, 마디를 1과 2로 나누는 마디가 있습니다. ] 화이트는 작곡가의 초기 작품들이 일관된 음악적 맥박을 사용했으며, "템포 루바토에 의해 가능한 한 방해받지 않도록 했다"고 썼다. 스트라빈스키는 〈림스키에 대한 반란〉에서 〈불새〉를 작곡했으며, "폰티첼로, 콜 레뇨, 플라우탄도, 글리산도, 플러터텅 효과로 그를 능가하려고 노력했다"고 언급했다.
전체 발레 공연은 약 45분 동안 진행됩니다.
스트라빈스키는 이 오케스트라를 "낭비할 정도로 크다"고 묘사했지만, 화이트는 이 오케스트라가 림스키-코르사코프의 믈라다 부분(1872)에서 차용한 호른과 트롬본 글리산디를 포함한 다양한 효과를 사용할 수 있었다고 말했다.
구조
음악과 줄거리
불새는 코셰이의 마법에 걸린 정원을 묘사하는 느린 도입부로 시작하며, 불새의 릿 하모니의 기초를 제시하는 낮은 현으로 밑줄을 긋습니다.정원에는 코셰이의 적들이 석화되어 조각상으로 변해 있다. 현악기와 목관악기의 크레센도(Crescendo)와 감소(decrescendo) 프레이즈는 이반 왕자(Prince Ivan)가 쫓고 있는 불새(Firebird)의 진입을 나타냅니다. 이반이 불새를 사로잡는 장면은 호른의 스포르잔도 화음과 오보에, 잉글리시 호른, 비올라의 이국적인 멜로디가 그녀가 풀어주기를 간청하는 모습으로 묘사됩니다. 불새가 풀려난 후, 이반은 그녀의 깃털 중 하나를 가져갔고, 13명의 마법에 걸린 공주들(모두 코셰이의 포로들)이 정원에 들어와 잡기 놀이를 한다. 이반은 사랑에 빠진 막내 공주에게 자신을 소개하고, 그들은 느린 호로보드를 추운다. 호로보드의 멜로디는 림스키-코르사코프가 그의 《러시아 주제에 관한 신포니에타》(1879)에서 사용한 러시아 민요에서 따왔다. 무대 뒤에서 트럼펫이 공주들을 궁전으로 다시 불러들이지만, 이반이 그들을 쫓아가자 종이 울리고 팀파니와 베이스 드럼의 포효로 신호를 보내는 코셰이가 문 앞에 나타난다.
코셰이가 이반을 돌로 만들기 전에, 왕자는 깃털을 가진 불새를 소환하고, 그녀는 코셰이와 그의 신하들을 매혹시키고 그 유명한 "지옥의 춤"을 시작한다. 림스키-코르사코프의 또 다른 레퍼런스인 이 멜로디는 림스키-코르사코프의 믈라다 부분에서 차용한 것으로, 주제 전체에 당김음과 놀라운 타격을 더한다. 매우 큰 금관 악기 글리산도로 춤이 끝나갈 때, 코셰이와 그의 사람들은 지쳐서 잠이 든다. 바순은 불새의 고요한 자장가를 소개합니다. 이반은 코셰이의 영혼을 담고 있는 알을 파괴하라는 지시를 받는다. 음악이 이리저리 흔들리며 이반이 달걀을 손에서 손으로 던진다.
이반이 달걀을 깨뜨렸을 때, 코셰이는 죽고 장면은 "깊은 어둠"으로 뒤덮이고 그의 신하와 적들은 마법에서 풀려난다. 피날레는 림스키-코르사코프(Rimsky-Korsakov)의 또 다른 주제인 새벽의 시작을 알리는 솔로 호른으로 시작한다. 주제는 오케스트라에서 커지고, 자유의 대상자들 사이에서 승리의 축하 행사로 발전하고 금관악기 팡파르로 끝납니다.
스위트룸
〈불새〉가 완성된 직후, 스트라빈스키는 발레 전체를 피아노 독주로 축소한 곡을 썼다. 작곡가는 나중에 1911 년, 1919 년, 1945 년에 콘서트 공연을 위해 3 개의 모음곡을 편곡했습니다.
1911년 모음곡
- 소개 – Koschei의 마법의 정원 – 불새의 춤
- 불새의 간청
- 황금 사과를 곁들인 공주의 게임
- 공주의 호로보드
- 코셰이의 모든 주제의 지옥 무용
첫 번째 모음곡은 1911년에 작곡되어 이듬해 P. Jurgenson에 의해 출판되었다. 악기는 본질적으로 발레의 악기와 동일합니다. 악보는 같은 판에서 인쇄되었습니다. 무브먼트의 새로운 엔딩만 새로 새겨졌습니다. 1911년 모음곡의 공연은 약 21분 동안 지속됩니다.
1919년 모음곡
- 소개
- 불새와 그 춤
- 불새의 변형
- 공주의 호로보드 (론도)
- 카쉬체이 왕의 지옥무도(Infernal Dance of King Kashchei)
- 자장가
- 피날레
이 모음곡은 스위스 모르쥬에서 소규모 오케스트라를 위해 작곡되었다. 월시는 스트라빈스키가 원래 발레가 여전히 저작권이 있음에도 불구하고 그의 출판사 J. & W. 체스터에 새 모음곡을 판매했기 때문에 모음곡이 작품의 저작권을 다시 얻기 위해 작곡되었다고 주장했습니다. [121][122] 악보에는 오류가 많았다. 스트라빈스키는 1952년에 "1919년 판의 부분은 상태가 너무 좋지 않았고 오류로 가득 차 있었다"고 썼다. [123] 그럼에도 불구하고 1919 년 스위트는 오늘날 가장 인기가 있습니다. 1919년 모음곡의 공연은 약 26분 동안 지속된다. [120]
1945년 모음곡
- 소개 – 불새의 전주곡과 춤 – 변주곡 (불새)
- 판토마임 I
- Pas de deux: Firebird와 Ivan Tsarevich
- 판토마임 II
- 스케르초: 공주의 춤
- 판토마임 III
- 론도 (호로보드)
- 지옥의 춤
- 자장가(불새)
- 마지막 찬송가
1945년, 미국 시민권을 취득하기 직전, 스트라빈스키는 리즈 뮤직(Leeds Music)으로부터 그의 첫 발레 3편의 편곡을 수정하여 미국에서 저작권을 다시 부여하자는 제안을 받았다. 작곡가는 이에 동의하고 1919년 버전을 기반으로 한 새로운 모음곡을 만들었고, 여기에 추가하고 원래 악보에서 몇 분 동안의 무언극을 다시 편곡했습니다. 유일한 악기 변경은 스네어 드럼이 추가된 것입니다. 1945년 모음곡의 공연은 약 28분 동안 지속됩니다.
The Firebird Suite
스트라빈스키 / 무용모음곡 '불새'
Igor Fedorovich Stravinsky 1882∼1971
Stravinsky: "The Firebird" Suite (1919 version) (with Score)
Igor Stravinsky: "The Firebird (L'Oiseau de feu)" Suite (1919 version) (with Score) Composed: 1910 (Ballet); 1919 (Suite) Conductor: James DePreist Orchestra: Oregon Symphony
00:00 1. Introduction 03:14 2. The Firebird and its dance (L’Oiseau de feu et sa danse) 03:29 3. The Firebird's variation (Variation de l’Oiseau de feu) 04:48 4. The Princesses’ Khorovod (Rondes des Princesses) 10:06 5. Infernal dance of King Kashchei (Danse infernale de roi Kachtcheï) 14:52 6. Berceuse 18:26 7. Finale (Final)
The Firebird Suite
The Firebird Suite · London Symphony Orchestra
Stravinsky - The Firebird Suite: I. Introduction (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite: II. The Firebird and Her Dance (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite: III. Round Dance of the Princesses (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite IV: Infernal Dance of King Kastchei (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite: V. Berceuse (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite: VI. Finale (Official Audio)
Stravinsky - Prince Igor Overture (Official Audio)
Stravinsky - Prince Igor Polovetsian Dances (Official Audio)
불새
불새(프랑스어: L'Oiseau de feu; 러시아어 : Жар-птица, 로마자 : Zhar-ptitsa)는 러시아 작곡가 이고르 스트라빈스키의 발레 및 오케스트라 콘서트 작품입니다. 1910년 세르게이 디아길레프(Sergei Diaghilev)의 발레 뤼스(Ballets Russes) 컴퍼니의 파리 시즌을 위해 작곡되었다. 오리지널 안무는 미셸 포킨(Michel Fokine)이 맡았으며, 알렉상드르 브누아(Alexandre Benois) 등과 함께 불새(Firebird)에 대한 러시아 동화와 불새가 주인에게 주는 축복과 저주를 바탕으로 한 시나리오를 제작했습니다. 1910년 6월 25일 파리 오페라 극장에서 초연된 이 작품은 스트라빈스키에게 국제적인 명성을 안겨주었고, 페트루슈카(Petrushka, 1911), 봄의 제전(The Rite of Spring, 1913)을 포함한 디아길레프-스트라빈스키의 콜라보레이션으로 이어지며 즉각적인 성공을 거두었다.
불새의 필멸적이고 초자연적인 요소는 "라이트-하모니(leit-harmony)"라고 불리는 하모니에 배치된 라이트 모티프 시스템으로 구별됩니다. 스트라빈스키는 의도적으로 오케스트라에서 폰티첼로, 콜 레뇨, 플루탄도, 글리산도, 플러터 텅잉 등 많은 전문 기술을 사용했다. 사악한 불멸의 Koschei의 성을 배경으로 하는 이 발레는 마법의 Firebird의 도움으로 Koschei와 싸우는 Ivan 왕자를 따릅니다.
스트라빈스키는 나중에 이 작품을 바탕으로 세 개의 콘서트 모음곡을 만들었다: 1911년, "지옥의 춤"으로 끝난다. 1919 년, 오늘날에도 가장 인기있는 작품으로 남아 있습니다. 그리고 1945 년에는 상당한 재조정과 구조적 변화가 특징입니다. 다른 안무가들은 포킨의 오리지널 안무로 작품을 무대에 올리거나 음악을 사용하여 완전히 새로운 작품을 만들었으며, 일부는 새로운 설정이나 주제로 제작했습니다. 모음곡에 대한 많은 녹음이 이루어졌습니다. 첫 번째는 1928 년에 1911 Suite를 사용하여 출시되었습니다. 1959년 포킨의 오리지널 안무를 되살린 인기 있는 새들러스 웰스 발레단 프로덕션의 영화 버전이 제작되었다.
역사
배경
이고르 스트라빈스키는 1902년 니콜라이 림스키-코르사코프와 함께 작곡을 공부하기 시작했다. [1][2] 그는 학생 시절에 여러 작품을 완성했으며,[3] 그의 첫 번째 연주 작품인 Pastorale (1907) 과 그의 첫 번째 출판 작품인 Symphony in E-flat (1907)를 포함하여 작곡가가 Opus 1로 분류했습니다. 1909년 2월, 상트페테르부르크에서 열린 그의 스케르초 환상곡과 작품의 연주에는 스트라빈스키 작품의 생생함에 흥미를 느낀 임프레사리오 세르게이 디아길레프가 참석했다.
디아길레프는 1898년 미술잡지 Mir iskusstva를 창간했으나 [8] 1904년 발행이 종료된 후 예술적 기회를 얻기 위해 모국인 러시아가 아닌 파리로 눈을 돌렸다. 1907년 디아길레프는 파리 오페라 극장에서 러시아 음악의 5개 콘서트 시리즈를 선보였다. 이듬해에는 림스키-코르사코프의 보리스 고두노프 버전의 파리 초연을 무대에 올렸다. 1909년까지 디아길레프는 미셸 포킨, 레옹 바크스트, 알렉상드르 브노아와 관계를 맺었고 독립 발레단인 Ballets Russes를 시작할 수 있는 충분한 돈을 벌었습니다.] 디아길레프는 스트라빈스키에게 발레 《실피드》를 위해 쇼팽의 음악을 편곡하도록 의뢰했고, 작곡가는 1909년 3월에 완성되었다.
포킨은 1898년 임페리얼 시어터 스쿨(Imperial Theatre School)을 졸업하자마자 반에서 1등을 차지한 유명한 무용수였다. 그 후 그는 마린스키 발레단에 솔리스트로 입단했고 1904년 마린스키 발레단의 수석 무용수로 승진했다. [15][16] 포킨은 관객에게 화려하게 어필하고 관객의 방해를 받는 발레의 전통에 불만을 가졌다. 그는 극적인 춤은 환상의 방해 없이 엄격하게 표시되어야 하며, 음악은 주제와 밀접하게 연결되어야 한다고 생각했다. 그의 1907년 발레 《죽어가는 백조》와 《레 실피드》는 매우 성공적이었고 포킨은 다른 저명한 안무가들의 경쟁자로 자리매김했다. 1908 년, Diaghilev의 Mir iskusstva 서클의 멤버이자 Fokine의 친구 인 Benois는 무용수가 Ballets Russes의 1909 년 시즌을위한 레퍼토리를 준비하도록 주선했습니다. [18] 시즌은 매우 성공적이었고, 디아길레프는 그 직후 1910년 시즌을 위한 계획을 세우기 시작했다.
개념
발레 뤼스가 재정 문제에 직면하자 디아길레프는 러시아 음악과 디자인이 뚜렷한 새로운 발레를 원했는데, 이는 최근 프랑스와 다른 서구 관객들에게 인기를 끌고 있었다(아마도 더 파이브 음악의 매력적인 매력 때문이었을 것이다). 포킨은 비공식적으로 이 새로운 발레의 시나리오를 고안하기 위해 자신과 베노아, 작곡가 니콜라이 체레프닌, 화가 알렉산드르 골로빈을 포함한 예술가 위원회를 이끌었다. 브누아는 디아길레프의 서클에서 시인이자 발레 애호가였던 표트르 페트로비치 포티옴킨(Pyotr Petrovich Potyomkin)이 야코프 폴론스키(Yakov Polonsky)의 1844년 시 "겨울의 여행(A Winter's Journey)"을 인용하여 예술가들에게 불새라는 주제를 제안한 것을 회상했다.
그리고 내 꿈 속에서 나는 늑대의 등에
올라탄 나 자신을 본다 숲길을
따라 말을 타고 마법사 차르
와 전투를 벌이기 위해 공주가 자물쇠와 열쇠 아래 앉아 거대한 벽 뒤에
갇혀 있는 그 땅에서.
정원은 모두 유리로 된 궁전을 둘러싸고 있습니다.
거기에는 불새가 밤
에는 노래를 부르고 황금빛 과일을 쪼아 먹는다
위원회는 러시아 동화책, 특히 알렉산드르 아파나시예프(Alexander Afanasyev)의 동화집과 표트르 파블로비치 예르쇼프(Pyotr Pavlovich Yershov)의 '작은 혹등말(The Little Humpbacked Horse)'에서 영감을 얻었다. 불멸의 왕 Koschei 와 포로가 된 공주는 모스크바 이야기 선집에서 통합되었으며, 이는 또한 이야기에서 불새의 역할을 결정하는 데 도움이 되었습니다. 포킨은 러시아 동화에 등장하는 선과 악의 극명한 대조를 그리면서 발레의 캐릭터를 발전시켰다. 안무가는 판타지와 현실을 혼합하여 시나리오를 만들었는데, 이는 포킨의 민속 발레에서 많이 볼 수 있는 낭만주의의 비유이다. 원래 체레프닌은 이전에 포킨과 베노아와 함께 '파빌리옹 다르미드(Le Pavillon d'Armide)'에서 작업한 적이 있기 때문에 음악을 작곡할 예정이었으나 프로젝트에서 물러났다. 1909년 9월, 디아길레프는 아나톨리 랴도프에게 발레 작곡을 요청했다. 랴도프는 제작에 관심을 보였지만, 1910년 시즌의 마감 시한을 맞추는 데 너무 오랜 시간이 걸렸다. 알렉산더 글라주노프와 니콜라이 소콜로프를 고려한 후, 디아길레프는 체레프닌과 보리스 아사피예프의 격려를 받아 스트라빈스키에게 작곡을 요청했다.
스트라빈스키는 1909년 10월이나 11월에 작업을 시작하여, 스트라빈스키의 스승의 아들이자 불새의 악보를 헌정한 안드레이 림스키-코르사코프와 함께 림스키-코르사코프의 집을 방문했다. 스트라빈스키는 디아길레프가 공식적으로 그에게 의뢰하기 전에 작업을 시작했기 때문에 작곡가의 스케치는 시나리오와 일치하지 않았다. 12월에 포킨을 만나 발레단의 계획된 구조를 받았을 때 전체 이야기가 그에게 알려졌습니다. 포킨은 발레 창작이 프로듀서와 작곡가 간의 동등한 노력이 되도록 했으며, 안무를 개발하는 동안 스트라빈스키와 긴밀히 협력했습니다.] 작곡가가 작업하는 동안 디아길레프는 언론을 위해 피아노 악보의 개인 공연을 조직했다. 디아길레프의 친구인 프랑스 비평가 로베르 브뤼셀은 다음과 같이 썼다: "첫 장면이 끝날 때쯤 나는 정복당했다: 마지막 장면에서 나는 감탄에 빠졌다. 음악의 휴식에 대한 원고는 가느다란 연필로 악보를 씌우자 걸작이 드러났다."
개발
훗날 스트라빈스키는 "내가 쓰고 싶지 않은 종류의 묘사적인 음악"이라고 한탄했지만, 스트라빈스키는 〈불새〉를 약 6개월 만에 완성했고, 1910년 5월 중순에 완전히 관현악 편곡을 마쳤다. 스트라빈스키는 그의 첫 무대 작품의 초연에 참석하기 위해 6월 초쯤 파리에 도착했다. 그의 첫 파리 방문이었다.
리허설은 예카테리닌스키 홀에서 시작되었고, 스트라빈스키는 음악을 돕기 위해 모든 리허설에 참석했으며, 종종 무용수들에게 복잡한 리듬을 설명했다.] 불새 역할을 처음 맡은 타마라 카르사비나(Tamara Karsavina)는 나중에 "그는 종종 리허설이 시작되기 전에 극장에 일찍 와서 특히 어려운 대목을 반복해서 연주했다"고 회상했습니다. 스트라빈스키는 또한 콜론 오케스트라와 함께 초연을 지휘한 가브리엘 피에르네와 긴밀히 협력했으며, "음악을 설명하기 위해 ... [그러나 음악가들은] 무용수들만큼이나 당혹스러웠다." 무용수들을 수용하기 위해 두 차례의 드레스 리허설이 열렸는데, "오케스트라가 연주할 때 피아노로 연주할 때와 상당히 다르게 들렸다"는 음악의 예상치 못한 변화로 인해 많은 무용수들이 입장을 놓쳤다.
극단이 파리에 도착했을 때 발레는 완성되지 않았고 포킨은 리허설을 연장했다. 그는 디아길레프에게 초연을 연기해 달라고 청원했지만 임프레사리오는 대중의 실망을 두려워하여 거절했습니다.발레 뤼스 시즌은 1910년 6월 4일 슈만의 카니발, 림스키 코르사코프의 셰헤라자데, 그리고 이전 시즌의 단편 작품으로 시작되었다.
포킨의 무용 스타일은 해석적 움직임을 잘 활용했다. 그는 표현력, 자연주의, 활력, 문체의 일관성에 대한 아이디어를 사용했습니다. [55] 안무가는 '불새'에서 다양한 형태의 춤을 사용했다. 불새(Firebird)는 고전적으로 춤을 췄고, 코셰이(Koschei)와 그의 신하들은 더 폭력적이고 그로테스크한 방식으로, 공주들(Princesses)은 좀 더 느슨하고 부드러운 방식으로 춤을 추었다.새의 역할은 전통적인 발레리나의 역할과 달랐다. 여성 무용수들은 종종 공주, 백조, 연인의 춤을 추었지만 불새는 사람이라기보다는 마법의 힘으로 표현되는 신비하고 추상적인 아이디어였습니다. 그녀의 안무는 허리를 깊게 굽히는 과장된 클래식 스텝을 특징으로 합니다. 포킨은 그녀가 우아하기보다는 "강력하고, 다루기 어렵고, 반항적"이기를 원했다. 여성 캐릭터에 대한 이 새로운 종류의 역할은 발레계에 혁명적이었습니다.
시사회와 리셉션
초연에 대한 기대감은 대단했는데, 특히 디아길레프의 미르 이스쿠스트바 협력자들 사이에서 더욱 그랬다.시나리오 개발을 도운 조각가 드미트리 스텔레츠키]는 6월 16일 골로빈에게 편지를 썼다. 나는 불새를 봐야한다. 나는 너의 눈부신 그림과 의상을 보았다. 나는 스트라빈스키의 오케스트라 음악과 춤을 엄청나게 좋아한다. 당신의 세트와 함께 모든 것이 장관을 이룰 것이라고 생각합니다. 세로프도 이 발레 때문에 출발을 미뤘다"고 말했다. 디아길레프는 리허설 중 스트라빈스키에 대해 "그를 잘 표시해라, 그는 유명인사의 전야에 있는 사람이다"라고 말했다.
《불새》는 1910년 6월 25일 팔레 가르니에(Palais Garnier)에서 초연되었고, 큰 호응을 얻었다. 출연진은 카르사비나가 불새로, 포킨이 이반 왕자, 베라 포키나가 막내 공 주, 알렉시스 불가코프가 코셰이 역으로 출연했다. 카르사비나는 나중에 한 인터뷰에서 "모든 공연에서 성공은 점점 더 커졌다"고 말했다. 비평가들은 발레가 장식, 안무, 음악의 통일성을 높이 평가했다. "환상적인 뒷천의 낡은 금빛 vermiculation은 오케스트라의 반짝이는 거미줄과 동일한 공식으로 발명 된 것 같습니다"라고 Henri Ghéon은 Nouvelle revue française에서 썼다. 그는 발레를 "평형의 가장 절묘한 경이로움"이라고 불렀고 스트라빈스키는 "맛있는 음악가"라고 덧붙였다. 포킨의 안무는 그의 창조적 천재성의 승리로 여겨졌다. 자연스러운 흉내내기와 다양한 스타일의 춤이 관객들에게 인기를 끌었다.
많은 비평가들은 스트라빈스키가 러시아 민족주의 음악과 일치한 점을 높이 평가했는데, 한 비평가는 "[스트라빈스키는] 러시아의 진정한 음악 정신과 스타일을 홍보하려는 단순한 시도 이상의 것을 성취한 유일한 사람"이라고 말했다. 미셸 디미트리 칼보코레시(Michel-Dimitri Calvocoressi)는 이 젊은 작곡가를 《마이티 핸드풀》의 적법한 후계자로 칭송했다.] 러시아 관객들은 이 작품을 덜 호의적으로 보았고, 러시아 초연은 좋은 평가를 받지 못했다. 아폴론(Apollon)의 한 평론가에 따르면, "이 모음곡이 공연되는 동안 많은 사람들이 귀족의 전당을 떠났다"고 한다.] 림스키-코르사코프의 동료 제자인 야젭스 비톨스(Jāzeps Vītols)는 "스트라빈스키는 소리의 즐거움이라는 개념을 잊어버린 것 같다... [그의] 불협화음은 불행히도 그 뒤에 숨겨진 아이디어가 없기 때문에 금방 지쳐갑니다."니콜라이 먀스코프스키는 1911년 10월 발레 전곡의 피아노 축소를 리뷰하고 "얼마나 많은 발명품, 얼마나 많은 지능, 기질, 재능, 얼마나 주목할 만한, 얼마나 희귀한 작품인가"라고 썼다.
스트라빈스키는 초연과 후속 공연 후 마르셀 프루스트, 사라 베른하르트, 장 콕토, 모리스 라벨, 앙드레 지드, 에드몽 드 폴리냑 공주 등 파리 예술계의 많은 인물을 만났다고 회상했다. 초연이 끝난 후 클로드 드뷔시가 무대에 올라 스트라빈스키를 저녁 식사에 초대하면서 두 작곡가는 평생의 우정을 쌓기 시작했다.] 세르게이 베르텐손(Sergei Bertensson)에 따르면, 세르게이 라흐마니노프(Sergei Rachmaninoff)는 이 음악에 대해 "위대하신 하나님! 이것은 얼마나 천재적인 작품입니까! 이것이 진정한 러시아다!" 드뷔시는 나중에 스트라빈스키의 악보에 대해 "무엇을 기대하십니까? 어딘가에서 시작해야 합니다." 리하르트 슈트라우스는 작곡가에게 "갑작스런 충돌"로 대중을 놀라게 하는 대신 곡 pianissimo를 시작하는 데 "실수"를 저질렀다고 개인적으로 말했습니다. 얼마 지나지 않아 그는 언론에 "모방자의 말을 듣는 것은 항상 흥미롭다"고 말하면서 불새를 처음 들었을 때의 경험을 요약했습니다. 한 모임에서 피아노 연주를 처음 들은 세르게이 프로코피예프는 스트라빈스키에게 "[발레 도입부]에는 음악이 없었고, 음악이 있었다면 사드코의 음악이었다"고 말했다.
1962년 자서전에서 스트라빈스키는 이 작품의 성공의 상당 부분을 골로빈의 세트와 디아길레프의 협력자들 덕분이라고 밝혔다.] 그는 포킨의 안무가 "항상 복잡하고 조형적인 디테일로 과도하게 부담스러워 보였기 때문에 아티스트들은 음악과 함께 자신의 발걸음과 몸짓을 조정하는 데 큰 어려움을 느꼈고 지금도 여전히 느끼고 있다"고 썼다. 발레의 성공으로 스트라빈스키는 디아길레프의 스타 작곡가로서의 입지를 굳혔고, 즉각적으로 속편에 대한 논의가 있었고, 이는 페트루슈카와 봄의 제전의 작곡으로 이어졌다.
후속 작품
초연의 성공 이후 디아길레프는 1910년 7월 7일까지 공연 확장을 발표했는데, 그 중 마지막 공연은 스트라빈스키가 가족을 데리고 우스틸루그에 있는 집에서 데려왔다. 안드레이 림스키-코르사코프(Andrey Rimsky-Korsakov)는 확장 공연을 보기 위해 재빨리 파리로 갔고, 나중에 어머니에게 보낸 편지에서 작품을 칭찬했다. 초반 공연 이후, 알렉산드르 실로티는 10월 23일 러시아 초연을 지휘하여 1911년 모음곡의 초고를 연주했다.
Ballets Russes의 런던 데뷔 시즌은 1912 년 Royal Opera House에서 열렸습니다. 프로그램의 세 번째 발레는 불새(The Firebird)로 호평을 받았습니다. 오스버트 시트웰은 "그날 저녁까지 나는 스트라빈스키의 이름을 들어본 적이 없었다. 그러나 발레가 발전함에 따라 작곡가나 무대를 설계한 예술가의 천재성을 오해하는 것은 불가능했다." Ballets Russes는 1926 년 Fokine의 원래 안무를 사용하여 Natalia Goncharova의 새로운 설정과 의상으로 프로덕션을 부활 시켰습니다. 리바이벌은 런던의 라이시엄 극장(Lyceum Theatre)에서 상연되었습니다.] 1916년 이베리아 반도에서 《불새》와 《페트루슈카》의 첫 번째 작품이 열렸다. Ballets Russes는 1921 년 마드리드에서 짧은 시즌을 위해 돌아 왔습니다.] 1927 년부터 1933 년까지 베를린 국립 오페라 극장, 스웨덴 왕립 발레단, 덴마크 왕립 발레단, 자그레브의 크로아티아 국립 극장 등 여러 회사가 불새의 자체 안무와 디자인을 선보였습니다. 1935 년과 1940 년에 Wassily de Basil의 Ballets Russes de Monte Carlo는 Fokine의 안무와 Goncharova의 디자인으로 Ballets Russes 프로덕션을 부활 시켰습니다.
발레 극장에서 아돌프 볼름 (Adolph Bolm)의 1945 년 작품과 세르주 리파르 (Serge Lifar)의 1954 년 파리 오페라 발레 작품 등 많은 후기 리바이벌 공연은 포킨 (Fokine)의 안무를 모델로 삼았습니다. 세르주 그리고리예프(Serge Grigoriev)와 루보프 체르니체바(Lubov Tchernicheva)의 1954년 새들러스 웰스 발레(Sadler's Wells Ballet)에서 포킨의 안무를 곁들인 작품은 가장 중요하고 진정한 리바이벌 중 하나로 여겨진다. 그리고리예프와 체르니체바는 초기 공연 동안 디아길레프를 위해 일했고, 리드 댄서인 마고 폰테인은 카르사비나의 지도를 받았다. Sadler 's Wells 무대는 Goncharova의 1926 년 디자인을 사용했습니다. 1959 년에 부흥의 영화 버전이 만들어졌습니다.
1948년 창단 이래 뉴욕시티 발레단의 첫 번째 대히트는 이듬해 마리아 톨치프(Maria Tallchief)가 불새 역을, 안무는 조지 발란신(George Balanchine), 풍경과 의상은 마르크 샤갈(Marc Chagall)이 맡은 '불새(The Firebird)'였다. Balanchine은 스트라빈스키의 악보보다 춤에 중점을 두어 Tallchief를 미국에서 태어나고 훈련된 최초의 유명 발레리나 중 한 명으로 만들었습니다. [85] Balanchine은 1970 년 Jerome Robbins와 함께 그것을 개정했으며, 후자는 Koschei와 그의 주제의 춤을 안무했습니다. 젊은 겔시 커클랜드(Gelsey Kirkland)는 샤갈의 세트에서 영감을 받은 새로운 의상으로 타이틀 롤을 춤추었습니다. 뉴욕 시티 발레단의 작품은 미국에서 가장 잘 알려져 있고 가장 오래 지속된 부흥 공연으로 남아 있습니다.
모리스 베자르 (Maurice Béjart)의 1971 년 작품은 발레의 전통적인 주제와 달랐습니다. 혁명의 정신을 대표하는 수컷 불새가 파란색 튜닉과 바지를 입은 남성으로만 구성된 빨치산 그룹을 이끌고 정치적 혼란을 헤쳐 나가는 것이 특징이었습니다. 빨간 레오타드를 입은 불새가 전투에서 죽은 후, 베자르가 뉴요커와의 인터뷰에서 말했듯이 그는 "잿더미에서 일어나 다시 살아난다"고 말했다. 1970년, 존 노이마이어는 미래 세계를 배경으로 한 발레의 공상 과학 작품을 고안했지만 원래 줄거리는 유지했다. 초기 오페르 프랑크푸르트 프로덕션에서 Koschei는 CCTV 눈을 가진 대형 유리 로봇입니다. 흰색 우주복을 입은 불새는 그의 시스템에 있는 특정 밸브를 파괴하여 그를 물리칩니다. 노이마이어는 비평가 올렉 케렌스키(Oleg Kerensky)로부터 발레에 "새로운 생명"을 불어넣고 관객에게 "60년 전 파리에서 포킨-골로비네(Fokine-Golovine) 작품이 가졌어야 하는" 매혹적인 효과를 만들어냈다고 칭찬했다. 다른 많은 안무가들이 포킨의 오리지널 안무로 작품을 무대에 올리거나 음악을 사용하여 완전히 새로운 작품을 만들었습니다. 슈투트가르트 발레단과 함께한 존 크랑코의 1964년 작품, 글렌 테틀리의 1981년 덴마크 왕립 발레단과 함께한 무대, 존 타라스의 1982년 카리브해 무대 연출과 할렘 댄스 시어터, 크리스토퍼 휠든의 1999년 보스턴 발레단 작품, 크시슈토프 파스토르의 1999년 서호주 발레단 무대, 알렉세이 라트만스키가 아메리칸 발레 시어터와 함께 한
2012년 작품.
유산
비평가들은 불새의 감성적인 음악에 찬사를 보냈다. 시릴 W. 보몽(Cyril W. Beaumont)은 이 작품이 "음악 그 자체로는 아무런 의미가 없음에도 불구하고, 특히 그 의도에 대한 암시를 주는 프로그램을 통해 해당 발레단에 적합한 분위기를 불러일으킬 수 있는 방법을 보여주는 최고의 예"라고 썼다. 로버트 크래프트(Robert Craft)는 음악을 "오페라만큼이나 문자 그대로"라고 생각했으며,음악이 이야기를 따라가는 "모방적 특수성"을 언급했는데,[95] 스트라빈스키는 나중에 이를 싫어하고 사과했습니다. 작곡가는 The Firebird가 그의 경력의 중심이 되었다고 썼습니다. 그의 지휘 데뷔는 1915년 《불새》의 발레 공연이었는데, 그는 이 곡을 "거의 천 번" 더 공연했다고 말했다.
포킨의 혁명적인 불새 캐릭터는 고전 발레와 새로운 아이디어를 결합하려는 노력의 일환으로, 안무가로서의 폭넓은 능력을 보여주었습니다.] 그는 나중에 자신의 스타일을 "기존의 몸짓 시스템"에서 벗어나 움직임을 통한 자연스러운 표현으로의 이동이라고 설명했습니다. 포킨이 접근한 광범위한 자원과 경험 많은 아티스트 덕분에 그는 불새와 같은 대규모 작품을 만들 수 있었습니다. 각 캐릭터 또는 그룹은 자신 만의 독특한 안무를 가지고 있으며, 불새가 Koschei의 피사체에 마법을 걸지만 모두 다르게 춤을 추는 "Infernal Dance"와 같은 복잡한 장면을 만듭니다. 무용 평론가 앨러스테어 매콜리(Alastair Macaulay)는 이 안무를 당시 "발레에서 시도된 것 중 가장 복잡한 안무"라고 불렀다.
음악
악보 전반에 걸쳐 스트라빈스키는 하모니에 배치된 라이트모티프(leitmotif, 특정 사람, 장소 또는 사물과 관련된 짧고 반복되는 음악 문구)를 사용했는데, 이는 나중에 그가 "라이트-하모니(leit-harmony)"라고 명명한 시스템입니다. 라이트-하모니(leit-harmony)라는 개념은 림스키-코르사코프(Rimsky-Korsakov)의 오페라 '황금 수평아리(The Golden Cockerel)'(1907)와 '불사의 카슈체이(Kashchey the Deathless)'(1902)를 통해 작곡가에게 소개된 것으로 보인다. 이 작품에서 필멸의 요소는 온음계와 연관되어 있었고 초자연적 요소는 반음계와 연관되어 있었습니다. 예를 들어, 스트라빈스키는 코셰이의 릿-하모니를 "매직 3분음"으로 구성한다고 설명한다. 하모니는 장조 또는 단조로 시작하고, 낮은 목소리는 삼음으로 올라가고 높은 목소리는 반 단계로 내려갑니다. 주인공의 라이트 하모니는 도입부의 처음 4개 음표의 반음계 하강을 사용한 다음 그 음들을 반전시켜 에릭 월터 화이트(Eric Walter White)가 설명했듯이 음악에 "무지개 빛깔의 광택"을 부여합니다. ]
스트라빈스키는 〈불새〉가 그의 음악에서 '운율의 불규칙성'이 처음으로 나타난 작품일 수 있다고 썼다. 통로가 표시되어 있습니다
74 호, 마디를 1과 2로 나누는 마디가 있습니다. ] 화이트는 작곡가의 초기 작품들이 일관된 음악적 맥박을 사용했으며, "템포 루바토에 의해 가능한 한 방해받지 않도록 했다"고 썼다. 스트라빈스키는 〈림스키에 대한 반란〉에서 〈불새〉를 작곡했으며, "폰티첼로, 콜 레뇨, 플라우탄도, 글리산도, 플러터텅 효과로 그를 능가하려고 노력했다"고 언급했다.
전체 발레 공연은 약 45분 동안 진행됩니다.
스트라빈스키는 이 오케스트라를 "낭비할 정도로 크다"고 묘사했지만, 화이트는 이 오케스트라가 림스키-코르사코프의 믈라다 부분(1872)에서 차용한 호른과 트롬본 글리산디를 포함한 다양한 효과를 사용할 수 있었다고 말했다.
구조
음악과 줄거리
불새는 코셰이의 마법에 걸린 정원을 묘사하는 느린 도입부로 시작하며, 불새의 릿 하모니의 기초를 제시하는 낮은 현으로 밑줄을 긋습니다.정원에는 코셰이의 적들이 석화되어 조각상으로 변해 있다. 현악기와 목관악기의 크레센도(Crescendo)와 감소(decrescendo) 프레이즈는 이반 왕자(Prince Ivan)가 쫓고 있는 불새(Firebird)의 진입을 나타냅니다. 이반이 불새를 사로잡는 장면은 호른의 스포르잔도 화음과 오보에, 잉글리시 호른, 비올라의 이국적인 멜로디가 그녀가 풀어주기를 간청하는 모습으로 묘사됩니다. 불새가 풀려난 후, 이반은 그녀의 깃털 중 하나를 가져갔고, 13명의 마법에 걸린 공주들(모두 코셰이의 포로들)이 정원에 들어와 잡기 놀이를 한다. 이반은 사랑에 빠진 막내 공주에게 자신을 소개하고, 그들은 느린 호로보드를 추운다. 호로보드의 멜로디는 림스키-코르사코프가 그의 《러시아 주제에 관한 신포니에타》(1879)에서 사용한 러시아 민요에서 따왔다. 무대 뒤에서 트럼펫이 공주들을 궁전으로 다시 불러들이지만, 이반이 그들을 쫓아가자 종이 울리고 팀파니와 베이스 드럼의 포효로 신호를 보내는 코셰이가 문 앞에 나타난다.
코셰이가 이반을 돌로 만들기 전에, 왕자는 깃털을 가진 불새를 소환하고, 그녀는 코셰이와 그의 신하들을 매혹시키고 그 유명한 "지옥의 춤"을 시작한다. 림스키-코르사코프의 또 다른 레퍼런스인 이 멜로디는 림스키-코르사코프의 믈라다 부분에서 차용한 것으로, 주제 전체에 당김음과 놀라운 타격을 더한다. 매우 큰 금관 악기 글리산도로 춤이 끝나갈 때, 코셰이와 그의 사람들은 지쳐서 잠이 든다. 바순은 불새의 고요한 자장가를 소개합니다. 이반은 코셰이의 영혼을 담고 있는 알을 파괴하라는 지시를 받는다. 음악이 이리저리 흔들리며 이반이 달걀을 손에서 손으로 던진다.
이반이 달걀을 깨뜨렸을 때, 코셰이는 죽고 장면은 "깊은 어둠"으로 뒤덮이고 그의 신하와 적들은 마법에서 풀려난다. 피날레는 림스키-코르사코프(Rimsky-Korsakov)의 또 다른 주제인 새벽의 시작을 알리는 솔로 호른으로 시작한다. 주제는 오케스트라에서 커지고, 자유의 대상자들 사이에서 승리의 축하 행사로 발전하고 금관악기 팡파르로 끝납니다.
스위트룸
〈불새〉가 완성된 직후, 스트라빈스키는 발레 전체를 피아노 독주로 축소한 곡을 썼다. 작곡가는 나중에 1911 년, 1919 년, 1945 년에 콘서트 공연을 위해 3 개의 모음곡을 편곡했습니다.
1911년 모음곡
- 소개 – Koschei의 마법의 정원 – 불새의 춤
- 불새의 간청
- 황금 사과를 곁들인 공주의 게임
- 공주의 호로보드
- 코셰이의 모든 주제의 지옥 무용
첫 번째 모음곡은 1911년에 작곡되어 이듬해 P. Jurgenson에 의해 출판되었다. 악기는 본질적으로 발레의 악기와 동일합니다. 악보는 같은 판에서 인쇄되었습니다. 무브먼트의 새로운 엔딩만 새로 새겨졌습니다. 1911년 모음곡의 공연은 약 21분 동안 지속됩니다.
1919년 모음곡
- 소개
- 불새와 그 춤
- 불새의 변형
- 공주의 호로보드 (론도)
- 카쉬체이 왕의 지옥무도(Infernal Dance of King Kashchei)
- 자장가
- 피날레
이 모음곡은 스위스 모르쥬에서 소규모 오케스트라를 위해 작곡되었다. 월시는 스트라빈스키가 원래 발레가 여전히 저작권이 있음에도 불구하고 그의 출판사 J. & W. 체스터에 새 모음곡을 판매했기 때문에 모음곡이 작품의 저작권을 다시 얻기 위해 작곡되었다고 주장했습니다. [121][122] 악보에는 오류가 많았다. 스트라빈스키는 1952년에 "1919년 판의 부분은 상태가 너무 좋지 않았고 오류로 가득 차 있었다"고 썼다. [123] 그럼에도 불구하고 1919 년 스위트는 오늘날 가장 인기가 있습니다. 1919년 모음곡의 공연은 약 26분 동안 지속된다. [120]
1945년 모음곡
- 소개 – 불새의 전주곡과 춤 – 변주곡 (불새)
- 판토마임 I
- Pas de deux: Firebird와 Ivan Tsarevich
- 판토마임 II
- 스케르초: 공주의 춤
- 판토마임 III
- 론도 (호로보드)
- 지옥의 춤
- 자장가(불새)
- 마지막 찬송가
1945년, 미국 시민권을 취득하기 직전, 스트라빈스키는 리즈 뮤직(Leeds Music)으로부터 그의 첫 발레 3편의 편곡을 수정하여 미국에서 저작권을 다시 부여하자는 제안을 받았다. 작곡가는 이에 동의하고 1919년 버전을 기반으로 한 새로운 모음곡을 만들었고, 여기에 추가하고 원래 악보에서 몇 분 동안의 무언극을 다시 편곡했습니다. 유일한 악기 변경은 스네어 드럼이 추가된 것입니다. 1945년 모음곡의 공연은 약 28분 동안 지속됩니다.
The Firebird Suite
스트라빈스키 / 무용모음곡 '불새'
Igor Fedorovich Stravinsky 1882∼1971
Stravinsky: "The Firebird" Suite (1919 version) (with Score)
Igor Stravinsky: "The Firebird (L'Oiseau de feu)" Suite (1919 version) (with Score) Composed: 1910 (Ballet); 1919 (Suite) Conductor: James DePreist Orchestra: Oregon Symphony
00:00 1. Introduction 03:14 2. The Firebird and its dance (L’Oiseau de feu et sa danse) 03:29 3. The Firebird's variation (Variation de l’Oiseau de feu) 04:48 4. The Princesses’ Khorovod (Rondes des Princesses) 10:06 5. Infernal dance of King Kashchei (Danse infernale de roi Kachtcheï) 14:52 6. Berceuse 18:26 7. Finale (Final)
The Firebird Suite
The Firebird Suite · London Symphony Orchestra
Stravinsky - The Firebird Suite: I. Introduction (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite: II. The Firebird and Her Dance (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite: III. Round Dance of the Princesses (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite IV: Infernal Dance of King Kastchei (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite: V. Berceuse (Official Audio)
Stravinsky - The Firebird Suite: VI. Finale (Official Audio)
Stravinsky - Prince Igor Overture (Official Audio)
Stravinsky - Prince Igor Polovetsian Dances (Official Audio)
불새
불새(프랑스어: L'Oiseau de feu; 러시아어 : Жар-птица, 로마자 : Zhar-ptitsa)는 러시아 작곡가 이고르 스트라빈스키의 발레 및 오케스트라 콘서트 작품입니다. 1910년 세르게이 디아길레프(Sergei Diaghilev)의 발레 뤼스(Ballets Russes) 컴퍼니의 파리 시즌을 위해 작곡되었다. 오리지널 안무는 미셸 포킨(Michel Fokine)이 맡았으며, 알렉상드르 브누아(Alexandre Benois) 등과 함께 불새(Firebird)에 대한 러시아 동화와 불새가 주인에게 주는 축복과 저주를 바탕으로 한 시나리오를 제작했습니다. 1910년 6월 25일 파리 오페라 극장에서 초연된 이 작품은 스트라빈스키에게 국제적인 명성을 안겨주었고, 페트루슈카(Petrushka, 1911), 봄의 제전(The Rite of Spring, 1913)을 포함한 디아길레프-스트라빈스키의 콜라보레이션으로 이어지며 즉각적인 성공을 거두었다.
불새의 필멸적이고 초자연적인 요소는 "라이트-하모니(leit-harmony)"라고 불리는 하모니에 배치된 라이트 모티프 시스템으로 구별됩니다. 스트라빈스키는 의도적으로 오케스트라에서 폰티첼로, 콜 레뇨, 플루탄도, 글리산도, 플러터 텅잉 등 많은 전문 기술을 사용했다. 사악한 불멸의 Koschei의 성을 배경으로 하는 이 발레는 마법의 Firebird의 도움으로 Koschei와 싸우는 Ivan 왕자를 따릅니다.
스트라빈스키는 나중에 이 작품을 바탕으로 세 개의 콘서트 모음곡을 만들었다: 1911년, "지옥의 춤"으로 끝난다. 1919 년, 오늘날에도 가장 인기있는 작품으로 남아 있습니다. 그리고 1945 년에는 상당한 재조정과 구조적 변화가 특징입니다. 다른 안무가들은 포킨의 오리지널 안무로 작품을 무대에 올리거나 음악을 사용하여 완전히 새로운 작품을 만들었으며, 일부는 새로운 설정이나 주제로 제작했습니다. 모음곡에 대한 많은 녹음이 이루어졌습니다. 첫 번째는 1928 년에 1911 Suite를 사용하여 출시되었습니다. 1959년 포킨의 오리지널 안무를 되살린 인기 있는 새들러스 웰스 발레단 프로덕션의 영화 버전이 제작되었다.
역사
배경
이고르 스트라빈스키는 1902년 니콜라이 림스키-코르사코프와 함께 작곡을 공부하기 시작했다. [1][2] 그는 학생 시절에 여러 작품을 완성했으며,[3] 그의 첫 번째 연주 작품인 Pastorale (1907) 과 그의 첫 번째 출판 작품인 Symphony in E-flat (1907)를 포함하여 작곡가가 Opus 1로 분류했습니다. 1909년 2월, 상트페테르부르크에서 열린 그의 스케르초 환상곡과 작품의 연주에는 스트라빈스키 작품의 생생함에 흥미를 느낀 임프레사리오 세르게이 디아길레프가 참석했다.
디아길레프는 1898년 미술잡지 Mir iskusstva를 창간했으나 [8] 1904년 발행이 종료된 후 예술적 기회를 얻기 위해 모국인 러시아가 아닌 파리로 눈을 돌렸다. 1907년 디아길레프는 파리 오페라 극장에서 러시아 음악의 5개 콘서트 시리즈를 선보였다. 이듬해에는 림스키-코르사코프의 보리스 고두노프 버전의 파리 초연을 무대에 올렸다. 1909년까지 디아길레프는 미셸 포킨, 레옹 바크스트, 알렉상드르 브노아와 관계를 맺었고 독립 발레단인 Ballets Russes를 시작할 수 있는 충분한 돈을 벌었습니다.] 디아길레프는 스트라빈스키에게 발레 《실피드》를 위해 쇼팽의 음악을 편곡하도록 의뢰했고, 작곡가는 1909년 3월에 완성되었다.
포킨은 1898년 임페리얼 시어터 스쿨(Imperial Theatre School)을 졸업하자마자 반에서 1등을 차지한 유명한 무용수였다. 그 후 그는 마린스키 발레단에 솔리스트로 입단했고 1904년 마린스키 발레단의 수석 무용수로 승진했다. [15][16] 포킨은 관객에게 화려하게 어필하고 관객의 방해를 받는 발레의 전통에 불만을 가졌다. 그는 극적인 춤은 환상의 방해 없이 엄격하게 표시되어야 하며, 음악은 주제와 밀접하게 연결되어야 한다고 생각했다. 그의 1907년 발레 《죽어가는 백조》와 《레 실피드》는 매우 성공적이었고 포킨은 다른 저명한 안무가들의 경쟁자로 자리매김했다. 1908 년, Diaghilev의 Mir iskusstva 서클의 멤버이자 Fokine의 친구 인 Benois는 무용수가 Ballets Russes의 1909 년 시즌을위한 레퍼토리를 준비하도록 주선했습니다. [18] 시즌은 매우 성공적이었고, 디아길레프는 그 직후 1910년 시즌을 위한 계획을 세우기 시작했다.
개념
발레 뤼스가 재정 문제에 직면하자 디아길레프는 러시아 음악과 디자인이 뚜렷한 새로운 발레를 원했는데, 이는 최근 프랑스와 다른 서구 관객들에게 인기를 끌고 있었다(아마도 더 파이브 음악의 매력적인 매력 때문이었을 것이다). 포킨은 비공식적으로 이 새로운 발레의 시나리오를 고안하기 위해 자신과 베노아, 작곡가 니콜라이 체레프닌, 화가 알렉산드르 골로빈을 포함한 예술가 위원회를 이끌었다. 브누아는 디아길레프의 서클에서 시인이자 발레 애호가였던 표트르 페트로비치 포티옴킨(Pyotr Petrovich Potyomkin)이 야코프 폴론스키(Yakov Polonsky)의 1844년 시 "겨울의 여행(A Winter's Journey)"을 인용하여 예술가들에게 불새라는 주제를 제안한 것을 회상했다.
그리고 내 꿈 속에서 나는 늑대의 등에
올라탄 나 자신을 본다 숲길을
따라 말을 타고 마법사 차르
와 전투를 벌이기 위해 공주가 자물쇠와 열쇠 아래 앉아 거대한 벽 뒤에
갇혀 있는 그 땅에서.
정원은 모두 유리로 된 궁전을 둘러싸고 있습니다.
거기에는 불새가 밤
에는 노래를 부르고 황금빛 과일을 쪼아 먹는다
위원회는 러시아 동화책, 특히 알렉산드르 아파나시예프(Alexander Afanasyev)의 동화집과 표트르 파블로비치 예르쇼프(Pyotr Pavlovich Yershov)의 '작은 혹등말(The Little Humpbacked Horse)'에서 영감을 얻었다. 불멸의 왕 Koschei 와 포로가 된 공주는 모스크바 이야기 선집에서 통합되었으며, 이는 또한 이야기에서 불새의 역할을 결정하는 데 도움이 되었습니다. 포킨은 러시아 동화에 등장하는 선과 악의 극명한 대조를 그리면서 발레의 캐릭터를 발전시켰다. 안무가는 판타지와 현실을 혼합하여 시나리오를 만들었는데, 이는 포킨의 민속 발레에서 많이 볼 수 있는 낭만주의의 비유이다. 원래 체레프닌은 이전에 포킨과 베노아와 함께 '파빌리옹 다르미드(Le Pavillon d'Armide)'에서 작업한 적이 있기 때문에 음악을 작곡할 예정이었으나 프로젝트에서 물러났다. 1909년 9월, 디아길레프는 아나톨리 랴도프에게 발레 작곡을 요청했다. 랴도프는 제작에 관심을 보였지만, 1910년 시즌의 마감 시한을 맞추는 데 너무 오랜 시간이 걸렸다. 알렉산더 글라주노프와 니콜라이 소콜로프를 고려한 후, 디아길레프는 체레프닌과 보리스 아사피예프의 격려를 받아 스트라빈스키에게 작곡을 요청했다.
스트라빈스키는 1909년 10월이나 11월에 작업을 시작하여, 스트라빈스키의 스승의 아들이자 불새의 악보를 헌정한 안드레이 림스키-코르사코프와 함께 림스키-코르사코프의 집을 방문했다. 스트라빈스키는 디아길레프가 공식적으로 그에게 의뢰하기 전에 작업을 시작했기 때문에 작곡가의 스케치는 시나리오와 일치하지 않았다. 12월에 포킨을 만나 발레단의 계획된 구조를 받았을 때 전체 이야기가 그에게 알려졌습니다. 포킨은 발레 창작이 프로듀서와 작곡가 간의 동등한 노력이 되도록 했으며, 안무를 개발하는 동안 스트라빈스키와 긴밀히 협력했습니다.] 작곡가가 작업하는 동안 디아길레프는 언론을 위해 피아노 악보의 개인 공연을 조직했다. 디아길레프의 친구인 프랑스 비평가 로베르 브뤼셀은 다음과 같이 썼다: "첫 장면이 끝날 때쯤 나는 정복당했다: 마지막 장면에서 나는 감탄에 빠졌다. 음악의 휴식에 대한 원고는 가느다란 연필로 악보를 씌우자 걸작이 드러났다."
개발
훗날 스트라빈스키는 "내가 쓰고 싶지 않은 종류의 묘사적인 음악"이라고 한탄했지만, 스트라빈스키는 〈불새〉를 약 6개월 만에 완성했고, 1910년 5월 중순에 완전히 관현악 편곡을 마쳤다. 스트라빈스키는 그의 첫 무대 작품의 초연에 참석하기 위해 6월 초쯤 파리에 도착했다. 그의 첫 파리 방문이었다.
리허설은 예카테리닌스키 홀에서 시작되었고, 스트라빈스키는 음악을 돕기 위해 모든 리허설에 참석했으며, 종종 무용수들에게 복잡한 리듬을 설명했다.] 불새 역할을 처음 맡은 타마라 카르사비나(Tamara Karsavina)는 나중에 "그는 종종 리허설이 시작되기 전에 극장에 일찍 와서 특히 어려운 대목을 반복해서 연주했다"고 회상했습니다. 스트라빈스키는 또한 콜론 오케스트라와 함께 초연을 지휘한 가브리엘 피에르네와 긴밀히 협력했으며, "음악을 설명하기 위해 ... [그러나 음악가들은] 무용수들만큼이나 당혹스러웠다." 무용수들을 수용하기 위해 두 차례의 드레스 리허설이 열렸는데, "오케스트라가 연주할 때 피아노로 연주할 때와 상당히 다르게 들렸다"는 음악의 예상치 못한 변화로 인해 많은 무용수들이 입장을 놓쳤다.
극단이 파리에 도착했을 때 발레는 완성되지 않았고 포킨은 리허설을 연장했다. 그는 디아길레프에게 초연을 연기해 달라고 청원했지만 임프레사리오는 대중의 실망을 두려워하여 거절했습니다.발레 뤼스 시즌은 1910년 6월 4일 슈만의 카니발, 림스키 코르사코프의 셰헤라자데, 그리고 이전 시즌의 단편 작품으로 시작되었다.
포킨의 무용 스타일은 해석적 움직임을 잘 활용했다. 그는 표현력, 자연주의, 활력, 문체의 일관성에 대한 아이디어를 사용했습니다. [55] 안무가는 '불새'에서 다양한 형태의 춤을 사용했다. 불새(Firebird)는 고전적으로 춤을 췄고, 코셰이(Koschei)와 그의 신하들은 더 폭력적이고 그로테스크한 방식으로, 공주들(Princesses)은 좀 더 느슨하고 부드러운 방식으로 춤을 추었다.새의 역할은 전통적인 발레리나의 역할과 달랐다. 여성 무용수들은 종종 공주, 백조, 연인의 춤을 추었지만 불새는 사람이라기보다는 마법의 힘으로 표현되는 신비하고 추상적인 아이디어였습니다. 그녀의 안무는 허리를 깊게 굽히는 과장된 클래식 스텝을 특징으로 합니다. 포킨은 그녀가 우아하기보다는 "강력하고, 다루기 어렵고, 반항적"이기를 원했다. 여성 캐릭터에 대한 이 새로운 종류의 역할은 발레계에 혁명적이었습니다.
시사회와 리셉션
초연에 대한 기대감은 대단했는데, 특히 디아길레프의 미르 이스쿠스트바 협력자들 사이에서 더욱 그랬다.시나리오 개발을 도운 조각가 드미트리 스텔레츠키]는 6월 16일 골로빈에게 편지를 썼다. 나는 불새를 봐야한다. 나는 너의 눈부신 그림과 의상을 보았다. 나는 스트라빈스키의 오케스트라 음악과 춤을 엄청나게 좋아한다. 당신의 세트와 함께 모든 것이 장관을 이룰 것이라고 생각합니다. 세로프도 이 발레 때문에 출발을 미뤘다"고 말했다. 디아길레프는 리허설 중 스트라빈스키에 대해 "그를 잘 표시해라, 그는 유명인사의 전야에 있는 사람이다"라고 말했다.
《불새》는 1910년 6월 25일 팔레 가르니에(Palais Garnier)에서 초연되었고, 큰 호응을 얻었다. 출연진은 카르사비나가 불새로, 포킨이 이반 왕자, 베라 포키나가 막내 공 주, 알렉시스 불가코프가 코셰이 역으로 출연했다. 카르사비나는 나중에 한 인터뷰에서 "모든 공연에서 성공은 점점 더 커졌다"고 말했다. 비평가들은 발레가 장식, 안무, 음악의 통일성을 높이 평가했다. "환상적인 뒷천의 낡은 금빛 vermiculation은 오케스트라의 반짝이는 거미줄과 동일한 공식으로 발명 된 것 같습니다"라고 Henri Ghéon은 Nouvelle revue française에서 썼다. 그는 발레를 "평형의 가장 절묘한 경이로움"이라고 불렀고 스트라빈스키는 "맛있는 음악가"라고 덧붙였다. 포킨의 안무는 그의 창조적 천재성의 승리로 여겨졌다. 자연스러운 흉내내기와 다양한 스타일의 춤이 관객들에게 인기를 끌었다.
많은 비평가들은 스트라빈스키가 러시아 민족주의 음악과 일치한 점을 높이 평가했는데, 한 비평가는 "[스트라빈스키는] 러시아의 진정한 음악 정신과 스타일을 홍보하려는 단순한 시도 이상의 것을 성취한 유일한 사람"이라고 말했다. 미셸 디미트리 칼보코레시(Michel-Dimitri Calvocoressi)는 이 젊은 작곡가를 《마이티 핸드풀》의 적법한 후계자로 칭송했다.] 러시아 관객들은 이 작품을 덜 호의적으로 보았고, 러시아 초연은 좋은 평가를 받지 못했다. 아폴론(Apollon)의 한 평론가에 따르면, "이 모음곡이 공연되는 동안 많은 사람들이 귀족의 전당을 떠났다"고 한다.] 림스키-코르사코프의 동료 제자인 야젭스 비톨스(Jāzeps Vītols)는 "스트라빈스키는 소리의 즐거움이라는 개념을 잊어버린 것 같다... [그의] 불협화음은 불행히도 그 뒤에 숨겨진 아이디어가 없기 때문에 금방 지쳐갑니다."니콜라이 먀스코프스키는 1911년 10월 발레 전곡의 피아노 축소를 리뷰하고 "얼마나 많은 발명품, 얼마나 많은 지능, 기질, 재능, 얼마나 주목할 만한, 얼마나 희귀한 작품인가"라고 썼다.
스트라빈스키는 초연과 후속 공연 후 마르셀 프루스트, 사라 베른하르트, 장 콕토, 모리스 라벨, 앙드레 지드, 에드몽 드 폴리냑 공주 등 파리 예술계의 많은 인물을 만났다고 회상했다. 초연이 끝난 후 클로드 드뷔시가 무대에 올라 스트라빈스키를 저녁 식사에 초대하면서 두 작곡가는 평생의 우정을 쌓기 시작했다.] 세르게이 베르텐손(Sergei Bertensson)에 따르면, 세르게이 라흐마니노프(Sergei Rachmaninoff)는 이 음악에 대해 "위대하신 하나님! 이것은 얼마나 천재적인 작품입니까! 이것이 진정한 러시아다!" 드뷔시는 나중에 스트라빈스키의 악보에 대해 "무엇을 기대하십니까? 어딘가에서 시작해야 합니다." 리하르트 슈트라우스는 작곡가에게 "갑작스런 충돌"로 대중을 놀라게 하는 대신 곡 pianissimo를 시작하는 데 "실수"를 저질렀다고 개인적으로 말했습니다. 얼마 지나지 않아 그는 언론에 "모방자의 말을 듣는 것은 항상 흥미롭다"고 말하면서 불새를 처음 들었을 때의 경험을 요약했습니다. 한 모임에서 피아노 연주를 처음 들은 세르게이 프로코피예프는 스트라빈스키에게 "[발레 도입부]에는 음악이 없었고, 음악이 있었다면 사드코의 음악이었다"고 말했다.
1962년 자서전에서 스트라빈스키는 이 작품의 성공의 상당 부분을 골로빈의 세트와 디아길레프의 협력자들 덕분이라고 밝혔다.] 그는 포킨의 안무가 "항상 복잡하고 조형적인 디테일로 과도하게 부담스러워 보였기 때문에 아티스트들은 음악과 함께 자신의 발걸음과 몸짓을 조정하는 데 큰 어려움을 느꼈고 지금도 여전히 느끼고 있다"고 썼다. 발레의 성공으로 스트라빈스키는 디아길레프의 스타 작곡가로서의 입지를 굳혔고, 즉각적으로 속편에 대한 논의가 있었고, 이는 페트루슈카와 봄의 제전의 작곡으로 이어졌다.
후속 작품
초연의 성공 이후 디아길레프는 1910년 7월 7일까지 공연 확장을 발표했는데, 그 중 마지막 공연은 스트라빈스키가 가족을 데리고 우스틸루그에 있는 집에서 데려왔다. 안드레이 림스키-코르사코프(Andrey Rimsky-Korsakov)는 확장 공연을 보기 위해 재빨리 파리로 갔고, 나중에 어머니에게 보낸 편지에서 작품을 칭찬했다. 초반 공연 이후, 알렉산드르 실로티는 10월 23일 러시아 초연을 지휘하여 1911년 모음곡의 초고를 연주했다.
Ballets Russes의 런던 데뷔 시즌은 1912 년 Royal Opera House에서 열렸습니다. 프로그램의 세 번째 발레는 불새(The Firebird)로 호평을 받았습니다. 오스버트 시트웰은 "그날 저녁까지 나는 스트라빈스키의 이름을 들어본 적이 없었다. 그러나 발레가 발전함에 따라 작곡가나 무대를 설계한 예술가의 천재성을 오해하는 것은 불가능했다." Ballets Russes는 1926 년 Fokine의 원래 안무를 사용하여 Natalia Goncharova의 새로운 설정과 의상으로 프로덕션을 부활 시켰습니다. 리바이벌은 런던의 라이시엄 극장(Lyceum Theatre)에서 상연되었습니다.] 1916년 이베리아 반도에서 《불새》와 《페트루슈카》의 첫 번째 작품이 열렸다. Ballets Russes는 1921 년 마드리드에서 짧은 시즌을 위해 돌아 왔습니다.] 1927 년부터 1933 년까지 베를린 국립 오페라 극장, 스웨덴 왕립 발레단, 덴마크 왕립 발레단, 자그레브의 크로아티아 국립 극장 등 여러 회사가 불새의 자체 안무와 디자인을 선보였습니다. 1935 년과 1940 년에 Wassily de Basil의 Ballets Russes de Monte Carlo는 Fokine의 안무와 Goncharova의 디자인으로 Ballets Russes 프로덕션을 부활 시켰습니다.
발레 극장에서 아돌프 볼름 (Adolph Bolm)의 1945 년 작품과 세르주 리파르 (Serge Lifar)의 1954 년 파리 오페라 발레 작품 등 많은 후기 리바이벌 공연은 포킨 (Fokine)의 안무를 모델로 삼았습니다. 세르주 그리고리예프(Serge Grigoriev)와 루보프 체르니체바(Lubov Tchernicheva)의 1954년 새들러스 웰스 발레(Sadler's Wells Ballet)에서 포킨의 안무를 곁들인 작품은 가장 중요하고 진정한 리바이벌 중 하나로 여겨진다. 그리고리예프와 체르니체바는 초기 공연 동안 디아길레프를 위해 일했고, 리드 댄서인 마고 폰테인은 카르사비나의 지도를 받았다. Sadler 's Wells 무대는 Goncharova의 1926 년 디자인을 사용했습니다. 1959 년에 부흥의 영화 버전이 만들어졌습니다.
1948년 창단 이래 뉴욕시티 발레단의 첫 번째 대히트는 이듬해 마리아 톨치프(Maria Tallchief)가 불새 역을, 안무는 조지 발란신(George Balanchine), 풍경과 의상은 마르크 샤갈(Marc Chagall)이 맡은 '불새(The Firebird)'였다. Balanchine은 스트라빈스키의 악보보다 춤에 중점을 두어 Tallchief를 미국에서 태어나고 훈련된 최초의 유명 발레리나 중 한 명으로 만들었습니다. [85] Balanchine은 1970 년 Jerome Robbins와 함께 그것을 개정했으며, 후자는 Koschei와 그의 주제의 춤을 안무했습니다. 젊은 겔시 커클랜드(Gelsey Kirkland)는 샤갈의 세트에서 영감을 받은 새로운 의상으로 타이틀 롤을 춤추었습니다. 뉴욕 시티 발레단의 작품은 미국에서 가장 잘 알려져 있고 가장 오래 지속된 부흥 공연으로 남아 있습니다.
모리스 베자르 (Maurice Béjart)의 1971 년 작품은 발레의 전통적인 주제와 달랐습니다. 혁명의 정신을 대표하는 수컷 불새가 파란색 튜닉과 바지를 입은 남성으로만 구성된 빨치산 그룹을 이끌고 정치적 혼란을 헤쳐 나가는 것이 특징이었습니다. 빨간 레오타드를 입은 불새가 전투에서 죽은 후, 베자르가 뉴요커와의 인터뷰에서 말했듯이 그는 "잿더미에서 일어나 다시 살아난다"고 말했다. 1970년, 존 노이마이어는 미래 세계를 배경으로 한 발레의 공상 과학 작품을 고안했지만 원래 줄거리는 유지했다. 초기 오페르 프랑크푸르트 프로덕션에서 Koschei는 CCTV 눈을 가진 대형 유리 로봇입니다. 흰색 우주복을 입은 불새는 그의 시스템에 있는 특정 밸브를 파괴하여 그를 물리칩니다. 노이마이어는 비평가 올렉 케렌스키(Oleg Kerensky)로부터 발레에 "새로운 생명"을 불어넣고 관객에게 "60년 전 파리에서 포킨-골로비네(Fokine-Golovine) 작품이 가졌어야 하는" 매혹적인 효과를 만들어냈다고 칭찬했다. 다른 많은 안무가들이 포킨의 오리지널 안무로 작품을 무대에 올리거나 음악을 사용하여 완전히 새로운 작품을 만들었습니다. 슈투트가르트 발레단과 함께한 존 크랑코의 1964년 작품, 글렌 테틀리의 1981년 덴마크 왕립 발레단과 함께한 무대, 존 타라스의 1982년 카리브해 무대 연출과 할렘 댄스 시어터, 크리스토퍼 휠든의 1999년 보스턴 발레단 작품, 크시슈토프 파스토르의 1999년 서호주 발레단 무대, 알렉세이 라트만스키가 아메리칸 발레 시어터와 함께 한
2012년 작품.
유산
비평가들은 불새의 감성적인 음악에 찬사를 보냈다. 시릴 W. 보몽(Cyril W. Beaumont)은 이 작품이 "음악 그 자체로는 아무런 의미가 없음에도 불구하고, 특히 그 의도에 대한 암시를 주는 프로그램을 통해 해당 발레단에 적합한 분위기를 불러일으킬 수 있는 방법을 보여주는 최고의 예"라고 썼다. 로버트 크래프트(Robert Craft)는 음악을 "오페라만큼이나 문자 그대로"라고 생각했으며,음악이 이야기를 따라가는 "모방적 특수성"을 언급했는데,[95] 스트라빈스키는 나중에 이를 싫어하고 사과했습니다. 작곡가는 The Firebird가 그의 경력의 중심이 되었다고 썼습니다. 그의 지휘 데뷔는 1915년 《불새》의 발레 공연이었는데, 그는 이 곡을 "거의 천 번" 더 공연했다고 말했다.
포킨의 혁명적인 불새 캐릭터는 고전 발레와 새로운 아이디어를 결합하려는 노력의 일환으로, 안무가로서의 폭넓은 능력을 보여주었습니다.] 그는 나중에 자신의 스타일을 "기존의 몸짓 시스템"에서 벗어나 움직임을 통한 자연스러운 표현으로의 이동이라고 설명했습니다. 포킨이 접근한 광범위한 자원과 경험 많은 아티스트 덕분에 그는 불새와 같은 대규모 작품을 만들 수 있었습니다. 각 캐릭터 또는 그룹은 자신 만의 독특한 안무를 가지고 있으며, 불새가 Koschei의 피사체에 마법을 걸지만 모두 다르게 춤을 추는 "Infernal Dance"와 같은 복잡한 장면을 만듭니다. 무용 평론가 앨러스테어 매콜리(Alastair Macaulay)는 이 안무를 당시 "발레에서 시도된 것 중 가장 복잡한 안무"라고 불렀다.
음악
악보 전반에 걸쳐 스트라빈스키는 하모니에 배치된 라이트모티프(leitmotif, 특정 사람, 장소 또는 사물과 관련된 짧고 반복되는 음악 문구)를 사용했는데, 이는 나중에 그가 "라이트-하모니(leit-harmony)"라고 명명한 시스템입니다. 라이트-하모니(leit-harmony)라는 개념은 림스키-코르사코프(Rimsky-Korsakov)의 오페라 '황금 수평아리(The Golden Cockerel)'(1907)와 '불사의 카슈체이(Kashchey the Deathless)'(1902)를 통해 작곡가에게 소개된 것으로 보인다. 이 작품에서 필멸의 요소는 온음계와 연관되어 있었고 초자연적 요소는 반음계와 연관되어 있었습니다. 예를 들어, 스트라빈스키는 코셰이의 릿-하모니를 "매직 3분음"으로 구성한다고 설명한다. 하모니는 장조 또는 단조로 시작하고, 낮은 목소리는 삼음으로 올라가고 높은 목소리는 반 단계로 내려갑니다. 주인공의 라이트 하모니는 도입부의 처음 4개 음표의 반음계 하강을 사용한 다음 그 음들을 반전시켜 에릭 월터 화이트(Eric Walter White)가 설명했듯이 음악에 "무지개 빛깔의 광택"을 부여합니다. ]
스트라빈스키는 〈불새〉가 그의 음악에서 '운율의 불규칙성'이 처음으로 나타난 작품일 수 있다고 썼다. 통로가 표시되어 있습니다
74 호, 마디를 1과 2로 나누는 마디가 있습니다. ] 화이트는 작곡가의 초기 작품들이 일관된 음악적 맥박을 사용했으며, "템포 루바토에 의해 가능한 한 방해받지 않도록 했다"고 썼다. 스트라빈스키는 〈림스키에 대한 반란〉에서 〈불새〉를 작곡했으며, "폰티첼로, 콜 레뇨, 플라우탄도, 글리산도, 플러터텅 효과로 그를 능가하려고 노력했다"고 언급했다.
전체 발레 공연은 약 45분 동안 진행됩니다.
스트라빈스키는 이 오케스트라를 "낭비할 정도로 크다"고 묘사했지만, 화이트는 이 오케스트라가 림스키-코르사코프의 믈라다 부분(1872)에서 차용한 호른과 트롬본 글리산디를 포함한 다양한 효과를 사용할 수 있었다고 말했다.
구조
음악과 줄거리
불새는 코셰이의 마법에 걸린 정원을 묘사하는 느린 도입부로 시작하며, 불새의 릿 하모니의 기초를 제시하는 낮은 현으로 밑줄을 긋습니다.정원에는 코셰이의 적들이 석화되어 조각상으로 변해 있다. 현악기와 목관악기의 크레센도(Crescendo)와 감소(decrescendo) 프레이즈는 이반 왕자(Prince Ivan)가 쫓고 있는 불새(Firebird)의 진입을 나타냅니다. 이반이 불새를 사로잡는 장면은 호른의 스포르잔도 화음과 오보에, 잉글리시 호른, 비올라의 이국적인 멜로디가 그녀가 풀어주기를 간청하는 모습으로 묘사됩니다. 불새가 풀려난 후, 이반은 그녀의 깃털 중 하나를 가져갔고, 13명의 마법에 걸린 공주들(모두 코셰이의 포로들)이 정원에 들어와 잡기 놀이를 한다. 이반은 사랑에 빠진 막내 공주에게 자신을 소개하고, 그들은 느린 호로보드를 추운다. 호로보드의 멜로디는 림스키-코르사코프가 그의 《러시아 주제에 관한 신포니에타》(1879)에서 사용한 러시아 민요에서 따왔다. 무대 뒤에서 트럼펫이 공주들을 궁전으로 다시 불러들이지만, 이반이 그들을 쫓아가자 종이 울리고 팀파니와 베이스 드럼의 포효로 신호를 보내는 코셰이가 문 앞에 나타난다.
코셰이가 이반을 돌로 만들기 전에, 왕자는 깃털을 가진 불새를 소환하고, 그녀는 코셰이와 그의 신하들을 매혹시키고 그 유명한 "지옥의 춤"을 시작한다. 림스키-코르사코프의 또 다른 레퍼런스인 이 멜로디는 림스키-코르사코프의 믈라다 부분에서 차용한 것으로, 주제 전체에 당김음과 놀라운 타격을 더한다. 매우 큰 금관 악기 글리산도로 춤이 끝나갈 때, 코셰이와 그의 사람들은 지쳐서 잠이 든다. 바순은 불새의 고요한 자장가를 소개합니다. 이반은 코셰이의 영혼을 담고 있는 알을 파괴하라는 지시를 받는다. 음악이 이리저리 흔들리며 이반이 달걀을 손에서 손으로 던진다.
이반이 달걀을 깨뜨렸을 때, 코셰이는 죽고 장면은 "깊은 어둠"으로 뒤덮이고 그의 신하와 적들은 마법에서 풀려난다. 피날레는 림스키-코르사코프(Rimsky-Korsakov)의 또 다른 주제인 새벽의 시작을 알리는 솔로 호른으로 시작한다. 주제는 오케스트라에서 커지고, 자유의 대상자들 사이에서 승리의 축하 행사로 발전하고 금관악기 팡파르로 끝납니다.
스위트룸
〈불새〉가 완성된 직후, 스트라빈스키는 발레 전체를 피아노 독주로 축소한 곡을 썼다. 작곡가는 나중에 1911 년, 1919 년, 1945 년에 콘서트 공연을 위해 3 개의 모음곡을 편곡했습니다.
1911년 모음곡
- 소개 – Koschei의 마법의 정원 – 불새의 춤
- 불새의 간청
- 황금 사과를 곁들인 공주의 게임
- 공주의 호로보드
- 코셰이의 모든 주제의 지옥 무용
첫 번째 모음곡은 1911년에 작곡되어 이듬해 P. Jurgenson에 의해 출판되었다. 악기는 본질적으로 발레의 악기와 동일합니다. 악보는 같은 판에서 인쇄되었습니다. 무브먼트의 새로운 엔딩만 새로 새겨졌습니다. 1911년 모음곡의 공연은 약 21분 동안 지속됩니다.
1919년 모음곡
- 소개
- 불새와 그 춤
- 불새의 변형
- 공주의 호로보드 (론도)
- 카쉬체이 왕의 지옥무도(Infernal Dance of King Kashchei)
- 자장가
- 피날레
이 모음곡은 스위스 모르쥬에서 소규모 오케스트라를 위해 작곡되었다. 월시는 스트라빈스키가 원래 발레가 여전히 저작권이 있음에도 불구하고 그의 출판사 J. & W. 체스터에 새 모음곡을 판매했기 때문에 모음곡이 작품의 저작권을 다시 얻기 위해 작곡되었다고 주장했습니다. [121][122] 악보에는 오류가 많았다. 스트라빈스키는 1952년에 "1919년 판의 부분은 상태가 너무 좋지 않았고 오류로 가득 차 있었다"고 썼다. [123] 그럼에도 불구하고 1919 년 스위트는 오늘날 가장 인기가 있습니다. 1919년 모음곡의 공연은 약 26분 동안 지속된다. [120]
1945년 모음곡
- 소개 – 불새의 전주곡과 춤 – 변주곡 (불새)
- 판토마임 I
- Pas de deux: Firebird와 Ivan Tsarevich
- 판토마임 II
- 스케르초: 공주의 춤
- 판토마임 III
- 론도 (호로보드)
- 지옥의 춤
- 자장가(불새)
- 마지막 찬송가
1945년, 미국 시민권을 취득하기 직전, 스트라빈스키는 리즈 뮤직(Leeds Music)으로부터 그의 첫 발레 3편의 편곡을 수정하여 미국에서 저작권을 다시 부여하자는 제안을 받았다. 작곡가는 이에 동의하고 1919년 버전을 기반으로 한 새로운 모음곡을 만들었고, 여기에 추가하고 원래 악보에서 몇 분 동안의 무언극을 다시 편곡했습니다. 유일한 악기 변경은 스네어 드럼이 추가된 것입니다. 1945년 모음곡의 공연은 약 28분 동안 지속됩니다.