레오 들리브 — 코펠리아 발레 모음곡 — 헤르베르트 폰 카라얀, 베를린 필하모닉, 1961 [비닐→24/192]

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Léo Delibes — Coppélia Ballet Suite — Herbert von Karajan, Berlin Philharmonic, 1961 [Vinyl→24/192]

https://youtu.be/C29SejbrlE8?si=rk5JhJOUdgzVsBtj

 

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Leo Delibes - Sylvia (Complete Ballet)

https://youtu.be/oLOgO3LghMk?si=DIKJl_9dIJHlicVj

 

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Léo Delibes : Le roi s’amuse, airs de danse et vieille chanson from the incidental music (1882)

I. Gaillarde 0:00 II. Pavane 'Belle qui tiens ma vie' 2:55 III. Scène du bouquet 5:30 IV. Lesquercarde 7:40 V. Madrigal 9:10 VI. Passepied 11:25 (insert) Vieille chanson (avec mandoline) 13:10 VIII. Final. Reprise de la gaillarde 16:00

https://youtu.be/t-JxNxG_0C0?si=54IE-AEZUIiMoLLz

 

레오 들리브

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클레망 필리베르 레오 들리브(프랑스어: [klemɑ̃ filibɛʁ leo dəlib]; 1836년 2월 21일 – 1891년 1월 16일)는 프랑스의 낭만주의 작곡가로, 발레와 오페라로 가장 잘 알려져 있다. 그의 작품으로는 발레 『코펠리아』(1870)와 『실비아』(1876), 그리고 유명한 『꽃 이중창』이 포함된 오페라 『락메』(1883)가 있다.

음악가 집안에서 태어난 들리브는 12살 때 프랑스 최고의 음악 아카데미인 파리 음악원에 입학하여 아돌프 아담을 포함한 여러 교수들에게 배웠다. 1850년대와 1860년대에 가벼운 희극 오페레트를 작곡하고 교회 오르간 연주자로도 활동한 후, 들리브는 1866년 발레 라 소스(La Source)의 음악으로 대중의 인정을 받았다. 그의 후기 발레 『코펠리아』와 『실비아』는 현대 발레 발전에 중요한 작품으로, 음악에 이전보다 훨씬 더 큰 중요성을 부여했다. 그는 소수의 멜로디를 작곡했으며, 그 중 일부는 지금도 자주 연주되고 있다.

들리브는 보다 진지한 오페라를 여러 차례 시도했으며, 1883년 라크메로 상당한 비평적·상업적 성공을 거두었다. 말년에는 음악원 교수진에 합류해 작곡을 가르쳤다. 그는 54세의 나이로 파리 자택에서 사망했다. 코펠리아와 실비아는 국제 발레 레퍼토리의 핵심 작품으로 남아 있으며, 라크메는 때때로 오페라 하우스에서 부활한다.

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생애와 경력

초기 생애

들리브는 1836년 2월 21일 생제르맹뒤발(현재 사르트 주 라 플레슈의 일부)에서 태어났다; [1] 그의 아버지는 프랑스 우체국에서 일했고, 어머니는 오페라 가수의 딸이자 오르간 연주자 에두아르 바티스트의 조카인 재능 있는 아마추어 음악가였다. [2] 들리브는 부부의 외동딸이었다. 그의 아버지는 1847년에 사망했고, 가족은 파리로 이사했으며, 그의 열두 번째 생일 직후 들리브는 파리 음악원에 입학했다. [3] 그는 처음에 앙투안-쥘 타리오(음악 이론)에게, 이후 펠릭스 르 쿠페(피아노), 프랑수아 베누아(오르간), 프랑수아 바쟁(화성), 그리고 18세 때는 아돌프 아담(작곡)에게 배웠다. [3][4]

어린 시절 들리브는 유난히 뛰어난 노래 실력을 가졌다; [3] 그는 라 마들렌 교회의 합창단원이었으며, 1849년 파리 오페라에서 마이어베어의 『예언자』 초연에 참여했다. [4] 학생 시절 들리브는 생 피에르 드 샤이요 오르간 연 주자이자 리릭 극장의 반주자가 되었다. [2][4] 후자에서는 극장 레퍼토리의 대부분 오페라 준비에 참여했는데, 여기에는 『피가로의 결혼』과 『피델리오』 같은 고전과 루이 클라피송의 『라 판쵐네트』, 빅토르 마세의 『라 레인 토파즈』, 구노의 『파우스트』 같은 신작들이 포함됩니다. [3][n 1] 그의 전기 작가 휴 맥도날드는 들리브가 1871년까지 교회 오르간 연주자로 남아 있었음에도 불구하고(그는 여러 직책을 맡았으며, 마지막 직책은 1862년부터 생장 생 프랑수아 교회에서), "분명히 연극에 더 끌렸으며, 에르베의 매우 성공적인 폴리 누벨에서 자신의 재능을 찾았다"고 썼다. [2]

작곡가

1856년 들리브의 첫 무대 작품은 폴리 누벨에서 초연되었다: 쥘 무아노의 대본에 따라 1막 희극인 '석탄 두 수 가치'였으며, '질식 서정'으로 묘사되었다. [8] 그 후 14년 동안 그는 연평균 약 한 편의 속도로 더 많은 희극 오페라를 제작했다. 많은 작품들이 자크 오펜바흐가 운영하는 부프-파리지앵 극단을 위해 작곡되었으며, 델리브의 두 번째 오페라 『두 명의 올드 가드』는 큰 성공을 거두었는데, 맥도날드는 작곡가의 '재치 있는 선율과 가벼운 터치'에 대한 재능 덕분이라고 본다. [2]

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작곡 외에도 들리브는 평론가로 생계를 유지했으며(1858년 잠시 활동), 학교 음악 감독관; 1862년 또는 1863년부터 오페라 오페라의 반주자이자 이후 합창 지휘자로 활동했다. [주註 2]. 오페라에서의 임명은 발레 음악 작곡가로서의 새로운 경력으로 이어졌다. 1866년 그는 라 소스의 두 막을 작곡하라는 의뢰를 받았으며, 나머지 두 막은 루트비히 밍쿠스가 썼다. [3] 음악학자이자 평론가인 아돌프 줄리앙의 견해에 따르면, 들리브는 "발레 음악 작곡가로서 너무나 풍부한 멜로디를 보여주었기에 밍쿠스는 "완전히 가려졌다"고 한다. [9] 들리브는 즉시 1867년 그의 전 스승 아담의 발레 『르 코르세르』에 도입될 왈츠 디베르티스망 '르 파 드 플뢰르'를 작곡해 달라는 초대를 받았다. [9] 이 곡은 이후 들리브의 라 소스 음악 부활 시 포함되었다. [10]

1869년 들리브는 마지막 오페레트인 『왕의 피토의 집』을 바리에테를 위해 작곡했다. [11] 이듬해에는 1870년 5월 오페라에서 초연된 발레 '코펠리아'의 악보로 더 넓은 대중의 주목을 받았다. 이 작품은 즉각적인 성공을 거두었으며, 고전 발레 레퍼토리에서 가장 인기 있는 작품 중 하나로 남아 있다. [2] 이듬해 그는 오페라 음악진에서 사임하고 전적으로 작곡에 전념했다. 그 해 그는 레옹틴 에스텔 드네인과 결혼했다. [12]

발레 작곡가로 고정되는 것을 원치 않던 들리브는 다음으로 멜로디로 방향을 전환했다. [9] 1872년에는 "미르토", "카디스의 소녀들", "봉주르 수종" 등의 노래를 포함한 시집을 출간했다. [13] 1873년 그는 오페라 코미크에서 3막으로 된 희극 오페라 『왕이 말했다』(Le Roi l'a dit)를 제작했다. 르 피가로는 대본이 약하다고 생각했지만, 들리브의 음악은 칭찬했다: "그의 선율적 맥락, 흠잡을 데 없는 취향, 무대 기교, 아름다운 유머가 그가 없었다면 주목받지 못했을 작품을 구했다"고 말했다. [3] 이 작품은 파리와 독일 오페라 극장에서 성공을 거두었으나, 국제 레퍼토리에 자리 잡지는 못했다. 영국(1894년)과 미국(2016년)에서의 첫 공연은 각각 왕립음악원과 맨해튼 음악원 학생들에 의해 이루어졌습니다. [14] 1876년 들리브는 신화적 발레 『실비아』를 들고 오페라에 돌아왔는데, 쥘리앙은 이 작품이 무용 음악에서 들리브의 우월함을 확인시켜 주었다. 언론과 대중으로부터 좋은 반응을 얻었다. 1877년 들리브는 레지옹 도뇌르 기사 훈장을 받았다. [3]

두 발레의 성공에도 불구하고, 들리브는 여전히 진지한 성악 작품을 쓰고자 열망했으며, 1878년 만국박람회 기간 중 트로카데로 콘서트에서 공연된 대작 '라 모르 도르페(La Mort d'Orphée)'를 작곡했다. [15] 그는 이어 1880년 오페라 코미크에서 초연된 중세 애국 로맨스인 진지한 오페라 『장 드 니벨』을 선보였다. 평론가들은 이 곡이 너무 단편적이라고 평가했지만, 작곡가의 선율이 "드물고 정밀한 품질"과 "섬세한 작곡 스타일"을 대중에게 칭찬했다. 『시대』의 파리 평론가는 이 작품을 "비제의 ... "카르멘"은 5년 전에 초연되었다. [16] 이 작품은 100회 이상 공연되었으며,[3] 1908년 파리에서 재공연되었으나, 2020년 현재까지는 그곳에서 공연되지 않았다. [17]

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말년

1881년 들리브는 나폴레옹 앙리 레베르의 뒤를 이어 음악원 작곡 교수로 임명되었으나, 자신은 푸가와 대위법을 전혀 모른다고 인정했다. [2] 그는 자신의 임무를 매우 진지하게 수행했다. 음악 평론가 샤를 다르쿠르는 들리브가 학생들을 걱정하며 프랑스에서 가장 권위 있는 음악상인 로마상에서 성공하기를 바랐던 모습을 회상했다. [3] 1882년 들리브는 코메디 프랑세즈에서 빅토르 위고의 희곡 『Le Roi s'amuse』 재공연을 위해 부수 음악을 작곡했는데, 이 곡은 오케스트라를 위한 중세 무용 모조곡("Six airs de danse dans le style ancien")과 만돌린 반주가 있는 노래("Quand Bourbon vit Marseille")로 구성되어 있다.

들리브의 오페라 '락메'는 1883년 4월 14일 오페라 코미크에서 초연되었다. 지휘자 레옹 카르발류는 공연에서 화려함으로 유명하지 않았지만, 이 오페라에서는 화려한 무대 연출로 관객들을 놀라게 했다. ] 맥도날드는 다음과 같이 썼다:

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그 성공은 오래가지 못했다; 동양풍의 색채, 주인공에 걸친 훌륭한 역할, 잘 짜인 대본, 그리고 음악의 진정한 매력이 모두 발레와 함께 들리브의 명성을 쌓은 작품에 기여했다.

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락메는 곧 유럽 전역의 오페라 극장에서 채택되었고, 런던(1885년)과 뉴욕(1886년)에서도 공연되었다. 미국 공연에 대한 평가는 매우 열정적이었으며; 영국 제작은 다소 그랬지만, 두 도시 모두에서 박스오피스에서 큰 성공을 거두었다. [20][21]

들리브의 마지막 몇 년은 재정적으로 안정적이고 사회적으로도 안정적이었다. 1884년에는 프랑스 연구소(Institut de France) 회원으로 선출되었다. 그의 마지막 작품은 사망 당시 미완성이었으며, 또 다른 오페라 『카샤』였다. 드리브는 한동안 간헐적으로 병을 앓았으며, 55번째 생일 직전 파리 자택에서 갑작스러운 쓰러짐으로 사망했다. 그는 파리의 몽마르트르 묘지에 묻혔다.

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음악

참고: 레오 들리브 작곡 목록

맥도날드의 관점에서 들리브의 초기 작품들은 분명히 부아디외, 에롤드, 그리고 음악원에서 그의 작곡 교사였던 아담의 영향을 받았고 그 전통에 계승되어 있으며, 그들로부터 "반짝이는 오페레타 스타일"의 본보기를 받았다. 이후에는 가벼운 대중 작품에서 더 고급스러운 장르로 나아가려는 의도적인 노력으로, 그의 작품들은 마이어베어와 구노, 그리고 약간 젊은 비제와 라로의 영향을 보여준다. 맥도날드는 들리브 초기 음악에 대한 언급에서 "재치, 매력, 우아함, 우아함, 색채, 가벼움"이라는 표현이 자주 반복된다고 지적한다. [2] 뮤지컬 월드는 그에 대해 "당대 최고의 프랑스 작곡가는 아니더라도, 들리브는 가장 프랑스적인 작곡가였으며, 그의 계열에서 동등한 뛰어난 후계자를 남기지 않는다고 말하기는 어렵다"고 평했다. [15]

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오페라

Le Roi l'a dit는 "정교한 성악 앙상블과 재치 있는 모방이 주요 역할을 한다"(맥도날드)라는 가벼운 오페라입니다. 더 진지한 작품 중 하나인 장 드 니벨은 마이어베어와 라로의 영향을 보여주며, 전반적으로 더 무게감 있는 음색을 띠며, 3막 연 "나야!"와 같은 곡들에서는 작곡가의 가벼운 스타일에서 다소 벗어나는 부분이 있다. "나는 배타유의 부호를 입었다". [2] 1막 피날레의 후렴구 "Nous sommes les reines d'un jour"는 계속 여러 차례 전환된다. 2

4 그리고 3

4 맥도날드가 "인상적인 독창성의 모달 멜로디"라고 부른 것. [2]

『락메』는 『그로브의 음악과 음악가사전』에서 들리브의 걸작으로 평가하며, 코펠리아와 실비아보다도 높은 작품으로 평가한다. 이 작품은 비제의 영향을 보여주며, 화성 기법과 오케스트레이션의 미묘함에서 카르멘과 『진주 손잡이들』의 메아리가 느껴진다. [2] 이 오페라는 때때로 스타 소프라노를 위한 작품으로 여겨지기도 하지만[n 3] 맥도날드는 두 주요 남성 인물인 닐라칸타와 제랄이 강하게 그려져 있으며, 음악이 "선율적이고 그림 같으며 연극적으로 강렬하다"고 썼다. 맥도날드는 극적 레치타티보가 관습적으로 치우친다고 판단해 우려를 표한다; [2] 이 작품은 원래 대사가 포함된 오페라 코미크로 구상되었으며, 레치타티보는 부수적인 부분이었다. 라크메는 오페라 레퍼토리의 주변부에 머물러 있다. 1995년 오페라 코미크에서 나탈리 데세이가 주연을 맡아 공연되었으나,1947년 이후 메트로폴리탄 오페라에서 공연된 적이 없으며,1910년 이후로는 로열 오페라 하우스에서 공연되지 않았다. [28] 오페라베이스와 레 아카이브 뒤 스펙터클은 유럽 및 기타 지역에서 간헐적으로 공연된 세부 사항을 기록하고 있다. 이 작품은 1967년 시애틀 오페라에서 조안 서덜랜드가 주연을 맡았고, 2000년에는 해롤린 블랙웰이 맡았으며[30] 1984년에는 뉴욕 시티 오페라에서 무대에 올랐다.

들리브 사망 당시 편곡을 제외한 완전한 『카샤』는 쥘 마스네가 편집 및 편곡했으며, 그의 뛰어난 연주는 평론가들로부터 찬사를 받았다. [32] 이 작품은 들리브 사후 2년 후에 초연되었고, 존경받는 반응을 받았으나, 일반적인 평가는 작곡가의 창의적 재능이 쇠퇴하는 모습을 보여준다는 것이었다. [32] 총 12회 공연되었다. [33] 맥도날드는 칭찬할 만한 점들을 발견한다: 음악의 동양풍 억양, 성악 작곡, 그리고 "3막 첫 장면의 훌륭한 마무리, 무대 위에 눈이 내리는 장면". [2]

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발레

아담의 영향을 받은 『코펠리아』는 캐릭터와 분위기를 위한 레이트모티프를 광범위하게 사용하며, 생생한 음악 장면 묘사도 포함되어 있다. 들리브는 아담의 절제된 주제 사용에 크게 확장되었다: 각 주인공은 그를 묘사하는 음악과 함께 연주된다; 노엘 굿윈은 그들을 이렇게 묘사한다: "스와닐다는 입구할 때 밝고 우아한 왈츠; 딱딱하고 건조한 대위법의 코펠리우스 박사, 그가 만든 인형 코펠리아에게도 기발하게 적용된 정식 장치; 프란츠는 두 개의 주제로 구성되어 있으며, 각각 첫 네 음의 선율 형태를 공유하지만, 두 번째 주제는 경쾌한 첫 번째 주제보다 더 감상적인 느낌을 준다"고 말했다.] 들리브는 볼레로, 차르다스, 지그, 마주르카 등 특유의 민족 무용을 광범위하게 사용했으며, 왈츠 리듬과 끊임없이 교차했다. 여러 평론가들의 의견에 따르면, 실비아의 악보는 코펠리아의 것보다 더 뛰어납니다. 차이콥스키는 이에 깊은 인상을 받으며 실비아에게 이렇게 말했다:

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음악이 주된 것이 아니라 유일한 관심사인 최초의 발레입니다. 얼마나 매력적인지, 우아함, 선율적이고 리듬적이며 화성적인 풍부함이었다. 부끄러웠어요. 만약 이 음악을 더 일찍 알았다면, 당연히 백조의 호수를 쓰지 않았을 거예요.

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칼 반 베흐텐은 차이콥스키와 마찬가지로 들리브가 발레 작곡에 혁명을 일으켰다고 보았다: "그가 발레를 작곡하기 전에는 춤을 위한 음악이 대부분 뚜렷한 리듬을 가진 맑은 선율로 구성되어 있었다." 반 베흐텐의 관점에서 들리브는 자신의 악보에 "교향적 요소, 풍부한 우아한 선율, 그리고 조성적 섬유의 풍부함을 도입하여 발레 음악을 혁신했다. 이는 일상에 대한 건강한 반감에 기반한 것임을 감수할 수 있다"고 한다. 반 베흐텐은 들리브의 악보를 드뷔시의 '쥬', 라벨의 '다프니와 클로에', 스트라빈스키의 '페트루슈카' 등 20세기 발레의 선구자로 본다.

실비아 이후 들리브의 유일한 무용 작품은 코메디 프랑세즈 공연의 『르 루아 사뮤즈』를 위한 여섯 개의 무용 모음곡이었다. 이 무용들은 고풍스러운 모방으로, 굿윈의 관점에서 시대적 특성의 미묘한 차이를 예리하게 포착한다. 이 무용들은 콘서트에서 자주 연주되지 않으며, 녹음에서 더 익숙하다.

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멜로디

피아니스트이자 음악 학자인 그레이엄 존슨은 음악학자 프리츠 노스케의 견해를 인용하며, 들리브의 노래가 샹소네트에서 유래했다고 말한다. 샹소네트는 "로맨스보다 더 가볍고 재미있으며, 독일식 리트의 영향에 덜 취약하다"고 한다. 그의 노래에서 들리브는 비제와 함께 "연극에 대한 자연스러운 감각과 지역적 색채를 해석하는 능력"을 공유하는데, 이는 그의 스페인 노래 "카딕스의 소녀들"에서 볼 수 있다. 초기 노래들에 대해 존슨은 "Eclogue"와 "Bonjour, Suzon"을 "소박한 즐거움과 섬세함, 그리고 절약된 수단으로 우리를 매료시켰다"고 묘사한다. "Avril", "Chanson de l'oiseleur", "Myrto" 등 16세기 시대 스타일을 떠올리게 하는 노래들도 있는데, 마지막 곡은 가브리엘 포레의 멜로디를 전조한 곡이다. 존슨은 들리브가 열정적인 감정보다는 반성적인 표현에 더 적합하다고 생각하며, 일반적으로 초기 노래들에서 더 나은 연주를 보인다. 그는 델리브를 동시대의 젊은 레이날도 한과 함께 작곡가로 묶는다. "둘 다 18세기식 음악의 역할, 즉 쾌락을 부끄러움 없이 주는 것에 대한 관점을 가진 매력적인 작가들"이다.

치니와 릴리 폰스 등 스타들을 위해 자주 공연되었다.