아놀드 쇤베르크
아놀트 쇤베르크 (Arnold Schoenberg, 1874년 9월 13일 - 1951년 7월 13일) 는 오스트리아와 미국의 작곡가, 음악 이론가, 교사, 작가이다. 그는 20세기 고전 음악에서 화음의 실천을 변화시킨 최초의 모더니스트 중 한 명이며, 그의 음악의 핵심 요소는 일관성의 수단으로 동기를 사용하는 것이었습니다. 그는 변주곡의 발전, 불협화음의 해방, "음악 공간의 통일성"과 같은 개념을 제시했습니다.
쇤베르크의 초기 작품들, 예를 들어 《베르클라르테 나흐트(Verklärte Nacht)》(1899)는 그가 구축한 브람스-바그너주의적 종합을 대표한다. 안톤 베베른(Anton Webern)과 알반 베르크(Alban Berg)를 멘토링한 그는 제2비엔나학파의 중심 인물이 되었다. [나] 그들은 Der Blaue Reiter에 발표 된 시각 예술가들과 어울리고 무조의 표현주의 음악을 작곡하여 명성을 얻고 논쟁을 불러 일으켰습니다. 현악 사중주 2번(1907-1908), 에르바르퉁(1909), 피에로 루나에르(1912)에서 쇤베르크는 감정의 극치를 탐구했다. 자화상에서 그는 자신의 강렬한 시선을 강조했다. 쇤베르크는 《야콥스라이터(Die Jakobsleiter)》(1914년)와 《모세와 아론(Moses und Aron)》(1923년)을 작업하면서 유대교로 돌아감으로써 대중의 반유태주의에 맞섰고, 12음 기법을 실질적으로 발전시켰다. 그는 12음 음악에서 반음계의 모든 음을 체계적으로 상호 연관시켰으며, 종종 조합 헥사코드를 활용하고 때로는 음조 요소를 인정했습니다.
쇤베르크는 프로이센 예술 아카데미 (1926-1933)에서 사임하고 나치가 권력을 잡으면서 이민했다. 그들은 그의(그리고 그의 제자들 중 일부의) 음악을 금지하고 "퇴보적"이라고 불렀다. [1][2] 그는 University of California, Los Angeles (1936-1944)를 포함하여 미국에서 가르쳤으며, 그곳에는 그의 이름을 딴 시설이 있습니다. 그는 영화 음악 작곡을 탐구했고(1929-1930년 Begleitungsmusik zu einer Lichtspielscene에서 특이하게 그랬던 것처럼) 더 많은 음조의 음악을 썼으며 1939년 실내악 교향곡 2번을 완성했다. 시민권(1941)과 미국의 제2차 세계대전 참전을 계기로 그는 '나폴레옹에게 바치는 송가(Ode to Napoleon)'(1942, 바이런 이후)에서 파시스트 폭군을 풍자하고 베토벤의 운명 모티프와 마르세예즈를 도입했다. 전후 비엔나는 명예 시민권으로 손짓했지만, 쇤베르크는 그의 현악 삼중주(1946)에서 묘사되었듯이 병을 앓고 있었다. 전 세계가 홀로코스트에 대해 알게 되자, 그는 《바르샤바의 생존자(A Survivor from Warsaw)》(1947)에서 홀로코스트의 희생자들을 추모했다. 이스라엘 음악원과 음악 아카데미는 그를 명예 회장으로 선출했다(1951).
그의 혁신적인 음악은 20세기 클래식 음악에서 가장 영향력 있고 논쟁적인 음악 중 하나였습니다. 적어도 3대에 걸친 작곡가들이 이 원칙을 다소 형식적인 원칙으로 확장했다. 그의 미학적, 음악사적 관점은 음악학자 테오도르 W. 아도르노(Theodor W. Adorno)와 칼 달하우스(Carl Dahlhaus)에게 영향을 미쳤다. [씨] 아놀드 쇤베르크 센터(Arnold Schönberg Center)는 그의 아카이브 유산을 수집합니다.
약력
초기 생활
아놀드 쇤베르크(Arnold Schoenberg)는 비엔나의 레오폴드슈타트(Leopoldstadt) 지구(초기에는 유태인 게토)의 오베레 도나우스트라쎄(Obere Donaustraße) 5번지에서 중산층 유태인 가정에서 태어났다. 헝가리 세세니 출신인 그의 아버지 사무엘은 나중에 포초니(프레스부르크, 당시 헝가리 왕국의 일부, 현재 슬로바키아 브라티슬라바)로 이사한 후 비엔나로 이주하여 신발 가게 주인이 되었습니다. 그는 프라하 출신인 폴린 나코드(Pauline Nachod)와 결혼했는데, 그의 가족은 알트노이슐 회당에 속해 있다. [3] 아놀드는 대부분 독학으로 배웠다. 그는 훗날 그의 첫 처남이 될 작곡가 알렉산더 젬린스키(Alexander Zemlinsky)에게 대위법 레슨만 받았다. [4]
20대에 쇤베르크는 오페레타 오케스트라를 편곡하며 생계를 꾸렸고, 현악 육분의(Verklärte Nacht, "변형된 밤")(1899)와 같은 작품을 작곡했다. 그는 나중에 이것을 오케스트라 버전으로 만들었는데, 이 작품은 그의 가장 인기 있는 작품 중 하나가 되었습니다. 리하르트 슈트라우스(Richard Strauss)와 구스타프 말러(Gustav Mahler)는 모두 쇤베르크가 작곡가로서 갖는 중요성을 인정했다. 슈트라우스는 쇤베르크의 〈구레-리더〉를 접했고, 말러는 쇤베르크의 초기 작품 몇 편을 듣고 나서였다.
슈트라우스는 1909년 이후 자신의 작품에서 보다 보수적인 관용구로 돌아섰고, 그 시점에서 쇤베르크를 일축했다. 말러는 그를 제자로 받아들였고 쇤베르크의 스타일이 말러가 더 이상 이해할 수 없는 지점에 도달한 후에도 그를 계속 지원했다. 말러는 자신의 죽음 이후 누가 자신을 돌봐줄지 걱정했다. [5] 처음에는 말러의 음악을 경멸하고 조롱했던 쇤베르크는 말러의 교향곡 3번의 '벼락'에 의해 개종했고, 그는 이 작품을 천재의 작품으로 여겼다. 그 후 그는 "말러를 성인이라고 말했다". [6][7]
1898년 쇤베르크는 루터교 교회에서 기독교로 개종했다. 맥도널드(MacDonald, 2008, 93)에 따르면, 이는 부분적으로는 서유럽의 문화 전통에 대한 애착을 강화하기 위한 것이었고, 부분적으로는 "반유대주의가 부활하는 시기에" 자기 방어 수단이었다. 1933년, 오랜 명상 끝에 그는 "자신의 인종적, 종교적 유산은 피할 수 없는 것"이라는 것을 깨닫고 유대교로 돌아왔고, 나치즘에 반대하는 편에서 분명한 입장을 취했다. 그는 나중에 유대교의 일원으로 자신을 정체화했습니다. [8]
1901–1914: 무조의 실험
1901년 10월, 쇤베르크는 지휘자이자 작곡가인 알렉산더 폰 젬린스키의 여동생인 마틸드 젬린스키와 결혼했는데, 그는 쇤베르크가 1894년경부터 함께 공부해왔다. 쇤베르크와 마틸드는 게르트루드(1902-1947)와 게오르그(1906-1974)라는 두 자녀를 두었다. 게르트루드는 1921년 쇤베르크의 제자인 펠릭스 그라이슬레(Felix Greissle)와 결혼했다. [9]
1908년 여름, 쇤베르크의 아내 마틸드는 몇 달 동안 그를 떠나 젊은 오스트리아 화가 리하르트 게르스틀(Richard Gerstl)에게 맡겼다(그녀는 마틸드가 결혼 생활을 마치고 11월에 자살했다). 이 시기는 쇤베르크의 작품에 뚜렷한 변화를 가져왔다. 아내가 없는 동안 그는 독일의 신비주의 시인 슈테판 게오르게르의 동명 모음집을 바탕으로 한 Das Buch der Hängenden Gärten, Op. 15의 13번째 곡인 "You lean against a silver-willow"(독일어: Du lehnest wider eine Silberweide)를 작곡했다. 이것은 키에 대한 언급이 전혀 없는 첫 번째 작곡이었습니다. [10]
또한 이 해에 쇤베르크는 그의 가장 혁신적인 작품 중 하나인 현악 사중주 2번을 완성했다. 처음 두 악장은 색채가 반색적이지만 전통적인 조표를 사용합니다. 마지막 두 악장은 다시 조지의 시를 사용하여 소프라노 보컬 라인을 통합하여 이전의 현악 사중주 연습을 중단하고 전통적인 음조와의 연결을 과감하게 약화시킵니다. 두 악장 모두 토닉 코드로 끝나며, 작품은 완전히 무음조가 아니다.
1910년 여름, 쇤베르크는 그의 하모니엘레레(Harmonielehre, Theory of Harmony, Schoenberg 1922)를 썼는데, 이 책은 가장 영향력 있는 음악 이론 서적 중 하나로 남아 있다. 1911년경부터 쇤베르크는 레네 슈나이더-카이너(Lene Schneider-Kainer), 프란츠 베르펠(Franz Werfel), 헤르바르트 발덴(Herwarth Walden), 엘제 라스커-슐러(Else Lasker-Schüler) 등의 예술가와 지식인 모임에 속해 있었다.
1910년 그는 당시 독일에서 일하고 있던 영국의 음악 저널리스트 에드워드 클라크를 만났다. 클라크는 그의 유일한 영어 학생이 되었고, 나중에 BBC의 프로듀서로서 그는 쇤베르크의 많은 작품과 쇤베르크 자신을 영국(베베른, 베르크 등)에 소개하는 책임을 맡았다.
이 무조 또는 판토날 시대의 그의 가장 중요한 작품 중 하나는 1912 년 매우 영향력있는 Pierrot lunaire, Op. 21로, 벨기에 - 프랑스 시인 Albert Giraud의 시를 독일어로 번역 한 표현주의 노래의 소설 사이클입니다. Sprechstimme, 즉 멜로드라마적 낭송 기법을 활용한 이 작품은 여성 보컬리스트와 5명의 음악가로 구성된 소규모 앙상블을 짝지었습니다. 현재 흔히 피에로 앙상블이라고 불리는 앙상블은 플루트(피콜로 2배), 클라리넷(베이스 클라리넷 2배), 바이올린(비올라 2배), 첼로, 스피커, 피아노로 구성된다.
1907년부터 비엔나 음악원의 원장이었던 빌헬름 보프(Wilhelm Bopp)는 로버트 푹스(Robert Fuchs)와 헤르만 그라데너(Hermann Graedener)가 상징하는 진부한 환경에서 벗어나고 싶었다. 많은 후보자를 고려한 후, 그는 1912년 쇤베르크와 프란츠 슈레커에게 교수직을 제안했다. 당시 쇤베르크는 베를린에 살고 있었다. 그는 비엔나 음악원에서 완전히 단절된 것은 아니었고, 1년 전에 개인 이론 과정을 가르쳤기 때문이다. 그는 그 제안을 진지하게 고려해 보았지만 거절했다. 그 후 알반 베르크에게 보낸 편지에서 그는 "비엔나에 대한 혐오감"을 자신의 결정의 주된 이유로 꼽았으며, 재정적으로 잘못된 결정이었을지도 모른다고 생각했지만, 그 결정을 내린 후 만족감을 느꼈다. 몇 달 후 그는 슈레커에게 편지를 써서 자신도 교수직을 수락하는 것이 좋지 않은 생각이었을 것이라고 제안했습니다. [11]
제1차 세계 대전[편집]
제 1 차 세계 대전은 그의 성장에 위기를 가져 왔습니다. 군 복무는 42세의 나이에 군대에 입대했을 때 그의 인생을 혼란에 빠뜨렸습니다. 그는 결코 중단되지 않거나 일정 기간 동안 작업 할 수 없었고, 그 결과 그는 많은 미완성 작품과 개발되지 않은 "시작"을 남겼습니다.
한번은 상급자가 그가 "그렇다면 이 악명 높은 쇤베르크"가 맞는지 물었다. 쇤베르크는 대답했다: "예, 보고해 주십시오. 아무도 되고 싶어 하지 않았고, 누군가는 그래야만 했기 때문에 나는 내가 되도록 내버려 두었다." [12] 노먼 레브레히트(Norman Lebrecht)에 따르면, 이것은 쇤베르크가 "불협화음의 해방자"로서 보여준 명백한 "운명"에 대한 언급이다. [13]
쇤베르크는 프랑스에 대한 독일의 공격과 퇴폐적인 부르주아적 예술적 가치에 대한 독일의 공격을 비교했다. 1914년 8월, 그는 비제, 스트라빈스키, 라벨의 음악을 비난하면서 다음과 같이 썼다: "이제 심판이 시작된다! 이제 우리는 이 평범한 키치장수들을 노예로 던져 넣고, 그들에게 독일의 정신을 숭배하고 독일의 신을 숭배하도록 가르칠 것이다." 알렉스 로스(Alex Ross)는 이것을 "전쟁 정신병 행위"라고 묘사했다. [14]
동시대 작곡가들과 대중 사이의 관계가 악화되자 그는 1918년 비엔나에서 개인 음악 공연 협회(Verein für musikalische Privataufführungen)를 설립했다. 그는 현대 음악 작곡을 주의 깊게 준비하고 연습하며 유행의 지시와 상업의 압력으로부터 보호되는 조건 하에서 적절하게 연주할 수 있는 포럼을 제공하고자 했습니다.
창립 이래 오스트리아의 하이퍼인플레이션으로 해체될 때까지 이 협회는 유료 회원들에게 353회의 공연을 선보였으며 때로는 매주 공연을 선보였습니다. 처음 1년 반 동안 쇤베르크는 자신의 작품 중 어떤 것도 공연하지 못하게 했다. [15] 그 대신, 협회 음악회에 참석한 청중들은 스크랴뱅, 드뷔시, 말러, 베베른, 베르크, 레거 등 20세기 초 음악계의 주요 인물들의 어려운 현대 작곡을 들었다. [16]
12음 기법의 개발
나중에, 쇤베르크는 1947 년 르네 라이 보비 츠 (René Leibowitz)와 험프리 설 (Humphrey Searle)에 의해 프랑스어와 영어로 대체 이름 serialism이 주어진 dodecaphonic (12 음색이라고도 함) 작곡 방법의 가장 영향력있는 버전을 개발했습니다. 이 기술은 소위 제 2 비엔나 학교를 구성하는 많은 학생들에 의해 채택되었습니다. 안톤 베베른(Anton Webern), 알반 베르크(Alban Berg), 한스 아이슬러(Hanns Eisler) 등이 그 주인공들인데, 이들은 모두 쇤베르크의 영향을 많이 받았다. 그는 유명한 Harmonielehre (Theory of Harmony) 에서 Fundamentals of Musical Composition 에 이르기까지 많은 책을 출판했으며,[17] 그 중 많은 책이 여전히 인쇄되어 음악가와 개발 중인 작곡가에 의해 사용되고 있습니다.
쇤베르크는 자신의 발전을 자연스러운 진행으로 보았고, 연재주의에 뛰어들었을 때 그의 초기 작품들을 폄하하지 않았다. 1923년 그는 스위스의 자선가 베르너 라인하르트에게 다음과 같이 편지를 썼다.
현재로서는 사람들이 내 예전 작품들을 이해하느냐가 더 중요하다. 그것들은 내 후기 작품들의 자연스러운 선구자들이며, 그것들을 이해하고 이해하는 사람만이 유행하는 최소한의 것을 넘어서는 후기 작품에 대한 이해를 얻을 수 있을 것이다. 나는 음악적 허수아비가 되는 것보다는 제대로 이해된 오래된 전통을 자연스럽게 이어가는 사람이 되는 것을 중요하게 생각하지 않는다!
그의 첫 번째 부인은 1923년 10월에 사망했고, 이듬해 8월 쇤베르크는 그의 제자이자 바이올리니스트인 루돌프 콜리쉬의 여동생인 게르트루드 콜리쉬(Gertrud Kolisch, 1898-1967)와 결혼했다. [9][20] 그들은 누리아 도로테아(1932년생), 로널드 루돌프(1937년생), 로렌스 아담(1941년생)의 세 자녀를 두었다. 게르트루드 콜리쉬 쇤베르크는 쇤베르크의 단막 오페라 〈Von heute auf morgen〉의 대본을 막스 블론다(Max Blonda)라는 필명으로 썼다. 그녀의 요청으로 쇤베르크의 (최종적으로 미완성된) 작품 〈Die Jakobsleiter〉는 쇤베르크의 제자인 윈프리트 질리히(Winfried Zillig)의 공연을 위해 준비되었다. 1951년 남편이 사망한 후 그녀는 남편의 작품 출판을 전담하는 Belmont Music Publishers를 설립했습니다. [21][22] 아놀드는 "Gertrud Schoenberg"의 G와 E♭(독일어: Es, 즉 "S")를 모음곡, Op. 29(1925)로 사용했다. [23] (음악 암호 그래프 참조).
1924년 베를린의 프로이센 예술 아카데미에서 작곡 마스터 클래스 디렉터로 일하던 작곡가 페루치오 부소니가 사망한 후 쇤베르크는 이듬해 이 직책에 임명되었지만 건강 문제로 인해 1926년까지 그 직책을 맡을 수 없었습니다. 이 기간 동안 그의 주목할만한 학생 중에는 작곡가 로베르트 게르하르트, 니코스 스칼코타스, 요제프 루퍼가 있습니다.
1930년은 쇤베르크가 12음조로 돌아온 해로, 남성 합창을 위한 6곡 Op. 35 중 4번과 6번이 도데카포닉이다. [24]
나치 정권과 미국으로의 이민
쇤베르크는 1933년 나치가 권력을 장악할 때까지 그의 직책을 계속했다. 프랑스에서 휴가를 보내는 동안, 그는 독일로 돌아가는 것은 위험할 것이라는 경고를 받았다. 쇤베르크는 파리 유대교 회당에서 공식적으로 유대교 회원 자격을 되찾았고,[25] 그 후 가족과 함께 미국으로 이주했다. [26] 그 후 그는 영국이나 소련으로 다시 이주하는 것을 잠시 고려했다. [27]
미국에서의 첫 번째 교수직은 Malkin Conservatory(Boston University)였습니다. 그는 로스 앤젤레스로 이주하여 University of Southern California와 University of California, Los Angeles에서 가르쳤으며, 두 곳 모두 나중에 각 캠퍼스의 음악 건물을 Schoenberg Hall로 명명했습니다. 그는 1935년 로스앤젤레스 필하모닉 오케스트라의 음악 감독이자 지휘자인 오토 클렘페러의 추천으로 UCLA의 객원 교수로 임명되었다. 그리고 이듬해에는 연봉 5,100달러로 교수로 승진하여 1936년 5월이나 1937년에 UCLA 캠퍼스 근처 브렌트우드 파크의 노스 록킹햄 116번지에 있는 스페인 부흥 주택을 18,000달러에 구입할 수 있었습니다. 이 주소는 셜리 템플의 집 바로 건너편에 있었고, 그는 그곳에서 동료 작곡가이자 테니스 파트너인 조지 거슈윈과 친구가 되었습니다. 쇤베르크 부부는 집안일을 도울 수 있었고 일요일 오후에 모임을 갖기 시작했는데, 그곳은 훌륭한 커피와 비엔나 페이스트리로 유명했다. 오토 클렘페러(1936년 4월부터 쇤베르크와 함께 개인적으로 작곡을 공부했다), 에드가르트 바레제, 요제프 아크론, 루이 그루엔베르크, 에른스트 토흐, 그리고 하포 마르크스와 페터 로르와 같은 유명 배우들이 자주 초대되었다. 작곡가 레너드 로젠먼[37]과 조지 트렘블레이[38] 할리우드 오케스트라 연주자 에드워드 B. 파월(Edward B. Powell)은 이때 쇤베르크와 함께 공부했다. [39]
1933년 10월 31일 미국으로 이주하여 도착한 후,[40] 작곡가는 쇤베르크 대신 쇤베르크의 대체 철자를 사용했는데, 이는 그가 "미국 관행에 대한 존중"이라고 불렀지만,[41] 한 작가에 따르면 그는 1년 전에 처음으로 변경했다고 합니다. [42]
그는 그곳에서 여생을 살았지만, 처음에는 정착하지 않았다. 1934년, 그는 시드니에 있는 뉴사우스웨일즈 주립 음악원(New South Wales State Conservatorium)의 조화 및 이론 교사 자리에 지원했다. Vincent Plush는 1970년대에 그의 응용 프로그램을 발견했습니다. 그것은 서로 다른 필체로 두 개의 메모를 가지고 있었는데, 하나는 "유대인", 다른 하나는 "현대주의 사상과 위험한 경향"이라고 E.B. (Edgar Bainton)라고 표시되어 있습니다. [43] 쇤베르크는 또한 뉴질랜드 이민에 대한 아이디어를 탐구했다. 그의 비서이자 제자인 리하르트 호프만(Richard Hoffmann)은 쇤베르크의 장모 헨리에트 콜리쉬(Henriette Kolisch)의 조카로, 1935년부터 1947년까지 뉴질랜드에서 살았다. 쇤베르크는 어린 시절부터 섬들, 특히 뉴질랜드에 매료되었는데, 아마도 뉴질랜드의 우표 때문이었을 것이다. [44] 그는 1944년 건강이 악화되기 시작하자 뉴질랜드로 이주할 생각을 포기했다.
이 마지막 시기에 그는 어려운 바이올린 협주곡 Op. 36 (1934/36), 합창과 오케스트라를 위한 Kol Nidre Op. 39 (1938), 나폴레옹 부오나파르트 송가 Op. 41 (1942), 잊혀지지 않는 피아노 협주곡 Op. 42 (1942), 홀로코스트 희생자 추모, 바르샤바의 생존자, Op. 46 (1947) 등 몇 가지 주목할 만한 작품을 작곡했다. 그는 그의 오페라 Moses und Aron (1932/33)을 완성 할 수 없었는데, 이는 완전히 도데카포닉 작곡으로 쓰여진 장르의 첫 번째 작품 중 하나였습니다. 쇤베르크는 12음 음악과 함께 그의 마지막 시기에는 현을 위한 모음곡 G장조(1935), 실내악 교향곡 2번 E♭단조, Op. 38(1906년 초반, 1939년 완성), D단조 변주곡 Op. 40(1941) 등의 작품으로 음조를 되찾았다. 이 기간 동안 그의 주목할만한 제자로는 존 케이지와 루 해리슨이 있습니다.
1941년에 그는 미국 시민이 되었습니다. [46] 그는 캘리포니아 몬테시토에 있는 서부 여름 음악원의 음악 아카데미에 상주한 최초의 작곡가였다.
미신과 죽음
쇤베르크의 미신적인 성격이 그의 죽음을 촉발시켰을 수 있습니다. 작곡가는 트리스케이데카포비아를 앓고 있었고, 친구 카티아 만(Katia Mann)에 따르면 그는 13의 배수인 1년 동안 죽을 것을 두려워했다고 합니다. [48] 이것은 1908년 노래 사이클 Das Buch der Hängenden Gärten, Op. 15의 13번째 곡의 작곡으로 시작되었을 것입니다. [10] 그는 1939년 자신의 65세 생일을 너무 두려워했기 때문에 한 친구가 작곡가이자 점성가인 데인 루디야르에게 쇤베르크의 운세를 준비해 달라고 부탁했다. 루디야르는 이렇게 해서 쇤베르크에게 그 해는 위험하지만 치명적이지는 않다고 말했다.
그러나 1950년, 그의 76세 생일에 한 점성가가 쇤베르크에게 그 해가 7 + 6 = 13이라는 매우 중요한 해라고 경고하는 편지를 썼다. [49] 이 사실은 작곡가를 충격과 우울증에 빠뜨렸는데, 그때까지 그는 13의 배수만을 경계했을 뿐, 자신의 나이를 더할 생각은 한 번도 해본 적이 없었기 때문이다. 그는 1951년 7월 13일 금요일 자정 직전에 사망했습니다. 쇤베르크는 아프고, 불안하고, 우울한 상태로 하루 종일 침대에 누워 있었다. 그의 아내 게르트루드는 다음날 시누이 오틸리에에게 보낸 전보를 통해 아놀드가 자정 15분 전인 오후 11시 45분에 사망했다고 보고했다. [50] 1951년 8월 4일자로 오틸리에에게 보낸 편지에서 게르트루드는 "12시 15분쯤 지났을 때 나는 시계를 보며 '또 15분이면 최악의 상황은 끝났다'고 혼잣말을 했다. 그러자 의사가 저를 불렀습니다. 아놀드의 목구멍이 두 번 덜컹거렸고, 심장이 힘차게 뛰었고 그게 끝이었다." [51]
쇤베르크의 유골은 1974년 6월 6일 비엔나의 젠트랄프리드호프(Zentralfriedhof)에 안장되었다. [52]
음악
현대 예술 음악의 레퍼토리에서 쇤베르크의 중요한 작곡은 50년 이상의 기간에 걸쳐 확장됩니다. 전통적으로 그들은 세 시기로 나뉘지만, 이 시기의 음악이 상당히 다양하기 때문에 이 구분은 틀림없이 임의적입니다. 그의 12음 시기가 "스타일적으로 통일된 작품 본체를 나타낸다"는 생각은 음악적 증거에 의해 뒷받침되지 않으며,[55] 중요한 음악적 특성, 특히 동기 부여와 관련된 특성은 이러한 경계를 완전히 초월합니다.
이 기간 중 첫 번째 시기인 1894-1907년은 19세기 후반 고낭만주의 작곡가들의 유산과 시와 예술의 표현주의 운동에서 확인됩니다. 두 번째, 1908-1922 년은 주요 센터의 포기로 대표되는데, 이는 종종 (쇤베르크는 아니지만) "자유 무조"로 묘사되는 움직임입니다. 세 번째는 1923년 이후 쇤베르크가 도데카포닉 또는 "12음" 작곡 방법을 발명하면서 시작됩니다. 쇤베르크의 가장 잘 알려진 제자인 한스 아이슬러(Hanns Eisler), 알반 베르크(Alban Berg), 안톤 베베른(Anton Webern)은 상당한 실험과 다양한 접근 방식이 없었음에도 불구하고 이러한 지적, 미학적 전환 각각을 충실히 따랐다.
첫 번째 시기: 후기 낭만주의
세기가 바뀔 무렵에 작곡된 곡과 현악 사중주를 시작으로 쇤베르크는 작곡가로서 브람스와 바그너의 특징을 드러냈다는 점에서 동료들 사이에서 독보적인 위치를 차지하게 되었는데, 그의 작업 방식은 동시대 대부분의 청중에게 독일 음악의 유산에서 상호 배타적인 방향을 나타내는 정반대의 존재로 여겨졌다. 1903년 초연된 쇤베르크의 〈츠웨이 게셍게〉 작품 1번은 리드 장르의 한계를 넘나드는 표현적인 음악에 두 개의 현대시를 썼다. 예를 들어, 쇤베르크의 '여섯 곡, Op. 3'(1899-1903)은 브람스와 말러의 전형적인 보수적인 명료한 음조 구성을 보여주는데, 이는 균형 잡힌 프레이즈에 대한 관심과 주요 관계의 방해받지 않는 위계를 반영한다. 그러나 노래는 또한 비정상적으로 대담한 부수적 인 반음계를 탐구하고 동기 정체성에 대한 바그너의 "표상적"접근 방식을 열망하는 것처럼 보입니다.
이러한 접근법의 종합은 현악 섹스텟을 위한 프로그램적 작품인 Verklärte Nacht, Op. 4 (1899)에서 절정에 이르렀는데, 이 작품은 몇 가지 독특한 "라이트모티프(leitmotif)"와 같은 주제를 전개하며, 각 주제는 마지막 주제를 능가하고 종속시킨다. 작품 전반에 걸쳐 지속되는 유일한 동기 요소는 끊임없이 용해되고, 다양해지고, 다시 결합되는 요소들인데, 이는 주로 브람스의 음악에서 확인되는, 쇤베르크가 "변주를 발전시키는 것"이라고 불렀던 기법이다. 쇤베르크의 작품 절차는 두 가지 방식으로 동시에 구성되어 있다. 동시에 동기 부여 아이디어에 대한 바그너적 내러티브와 동기 발달 및 음조 응집력에 대한 브람스적 접근 방식을 제안합니다.
쇤베르크의 현악 사중주 1번, 작품 7번 (1904-1905)에 대한 베르크와 베베른의 말을 인용하면서,[56] 요제프 N. 스트라우스는 이 세 작품에서 "동기적 일관성"의 중요성을 보다 일반적으로 강조했다. [57][e] 베르크는 "프레이즈의 아주 작은 전환, 심지어 반주적인 형상조차도 중요하다"고 주장하면서 쇤베르크의 "바흐 이후 전례 없는 과잉"을 괄호 안에 찬양했다. 베베른은 "쇤베르크가 동기 입자로 반주 도형을 만들어낸다"는 사실에 감탄하며 "모든 것은 주제적이다! 있다... 단 하나의 메모도 ... 그것은 주제적 근거가 없습니다."
두 번째 기간: 자유 무조
음조 중심이나 전통적인 불협화음-화음 관계가 결여된 음악적 구성의 긴박감은 쇤베르크의 실내악 교향곡 1번 Op. 9(1906)까지 거슬러 올라갈 수 있다. 이 작품은 전체 음색과 사중주 화음의 음색 개발, 그리고 극적인 중단과 예측할 수 없는 악기 충성을 포함하는 역동적이고 특이한 앙상블 관계의 시작으로 인해 주목할 만합니다. 이러한 특징들 중 많은 것들은 다가오는 세기의 음색 중심의 실내악 미학을 대표할 것이다.
1908년부터 쇤베르크의 음악은 전통적인 건반이나 음조 중심의 부재를 다양한 방식으로 실험한다. 그의 첫 번째 명백한 무조 작품은 소프라노와 함께한 두 번째 현악 사중주 Op. 10이었다. 이 곡의 마지막 악장에는 조표가 없는데, 이는 쇤베르크가 온음계 화음과의 공식적인 이혼을 나타낸다. 이 시기의 다른 중요한 작품으로는 그의 가곡 'Das Buch der Hängenden Gärten, Op. 15 (1908-1909), 그의 오케스트라 작품 5곡 Op. 16 (1909), 영향력 있는 Pierrot lunaire Op. 21 (1912), 그리고 그의 극적인 Erwartung, Op. 17 (1909) 등이 있다. 베베른은 쇤베르크의 『찬반 10번』, 『15-16번』, 19번을 검토하면서 다음과 같이 주장했다: "그것은 완전히 새로운 표현 가치를 창조한다. 따라서 새로운 표현 수단도 필요합니다. 내용과 형식은 분리될 수 없다." [59]
분석가들(가장 두드러진 것은 알렌 포르테)은 쇤베르크(그리고 베르크와 베베른)의 "자유 무조" 음악에서 동기적 형태를 강조했기 때문에 벤자민 보레츠와 윌리엄 벤야민은 그것을 "모티브" 음악이라고 부르자고 제안했다. 쇤베르크 자신은 Four Orchestral Songs, Op. 22 (1913-1916)에서 "다양한 방식으로 다양하고 발전된" 동기 단위의 사용을 설명하면서 "절차의 예비 단계에 있었다"고 썼습니다. 모티프가 일정한 기반이 될 수 있도록 합니다." 슈트라우스는 "'모티빅' 음악"이라는 명칭이 12음 음악에 "수정된 방식으로" 더 일반적으로 적용될 수 있다고 생각했다. [56]
제3기: 12음과 음조 작품
제1차 세계대전의 여파로, 쇤베르크는 자신의 음악적 질감을 더 단순하고 명확하게 만들 수 있는 순서 원리를 찾았다. 그리하여 그는 "오직 서로 관련되어 있는 12개의 음색으로 작곡하는 방법"에 도달했다. [60] 옥타브의 12개 음정(일반적으로 구성적으로 실현되지 않음)은 모두 동일한 것으로 간주되며, 고전적 화음에서 차지하는 강조점만큼 어떤 음표나 음조도 주어지지 않습니다. 쇤베르크는 12음 체계를 알버트 아인슈타인의 물리학 발견과 같은 음악으로 간주했습니다. 쇤베르크는 요제프 루퍼(Josef Rufer)에게 "나는 향후 100년 동안 독일 음악의 우월성을 보장할 발견을 했다"고 말했다. [61]
쇤베르크의 12음 작품 중에는 오케스트라를 위한 변주곡, Op. 31(1928); Begleitungsmusik zu einer Lichtspielscene, Op. 34 (1930); 피아노 작품, opp. 33a & b (1931), 피아노 협주곡, Op. 42 (1942). 교리주의의 엄격함이라는 명성과는 달리, 쇤베르크의 테크닉은 각 작곡의 음악적 요구에 따라 다양했다. 따라서 그의 미완성 오페라 〈모세와 아론〉의 음악적 구조는 그의 〈바이올린과 피아노를 위한 환상곡〉 Op. 47 (1949)의 음악적 구조와는 근본적으로 다르다.
쇤베르크의 성숙한 12음 연습의 10가지 특징은 일반적으로 특징적이고, 상호 의존적이며, 상호 작용적이라고 에단 하이모(Ethan Haimo)는 말한다.
- Hexachordal 역전 조합성
- 집계
- 선형 집합 프레젠테이션
- 분할
- 동형 파티셔닝
- 고정
- 육각형 수준
- 조화, "참조 집합의 속성과 일치하고 파생됨"
- "음감-관계적 특성"을 통해 확립된 미터(Metre)
- 다차원 세트 프레젠테이션
반응과 유산
첫 작품
초기에 몇 가지 어려움을 겪은 후 쇤베르크는 1907년 베를린 공연에서 성조시 Pelleas und Melisande와 같은 작품으로 대중의 인정을 받기 시작했습니다. 1913년 구레-리더(Gurre-Lieder)의 비엔나 초연에서 그는 15분 동안 기립박수를 받았고, 쇤베르크에게 월계관을 수여하는 것으로 절정에 달했다.
그럼에도 불구하고 그의 작품 중 많은 부분은 좋은 평가를 받지 못했습니다. 그의 실내악 교향곡 1번은 1907년에 눈에 띄지 않게 초연되었다. 그러나 1913년 3월 31일 스칸달콘체르트에서 다시 연주되었을 때(베르크, 베베른, 젬린스키의 작품도 포함됨) "격렬한 박수 소리 사이에서 날카로운 문 열쇠 소리를 들을 수 있었고, 두 번째 갤러리에서 저녁의 첫 번째 싸움이 시작되었다." 음악회 후반부에 베르크가 알텐베르크 가곡을 연주하는 동안, 쇤베르크가 공연을 중단시키고 경찰이 말썽꾸러기를 제거하겠다고 위협하자 싸움이 벌어졌다.
12음 주기
에단 하이모(Ethan Haimo)에 따르면, 쇤베르크의 12음 작품에 대한 일반적인 이해는 그의 새로운 체계의 "진정으로 혁명적인 성격", "쇤베르크 음악의 가장 중요한 특징과 거의 관련이 없는" 체계의 "규칙"과 "예외"에 대해 일부 초기 작가들이 퍼뜨린 잘못된 정보, 작곡가의 비밀스러움, 1970년대 후반까지 그의 스케치와 원고를 널리 사용할 수 없었기 때문에 달성하기 어려웠다. 쇤베르크는 생애 동안 "돌이켜 보아도 충격적인 다양한 비판과 학대를 받았다"고 말했다.
쇤베르크는 이고르 스트라빈스키의 시 "Vielseitigkeit"(이 시에서 그는 신고전주의를 경멸하고 스트라빈스키를 "Der kleine Modernsky"라고 직설적으로 지칭함)에서 이고르 스트라빈스키의 새로운 신고전주의 경향을 비판했는데, 이 시는 그의 Drei Satiren, Op. 28의 두 번째 텍스트로 사용되었다. Drei Satiren의 세 번째 작품 인 "Der neue Klassizismus"는 일반적으로 신고전주의 풍 경향을 겨냥합니다.
쇤베르크의 12음표로 구성된 일련의 작곡 기법은 20세기 중반에서 후반에 걸쳐 미국과 유럽의 음악가들 사이에서 가장 중심적이고 논쟁적인 문제 중 하나가 되었다. 1940년대부터 현재까지 피에르 불레즈(Pierre Boulez), 칼하인츠 슈톡하우젠(Karlheinz Stockhausen), 루이지 노노(Luigi Nono), 밀튼 배빗(Milton Babbitt)과 같은 작곡가들은 쇤베르크의 유산을 점점 더 급진적인 방향으로 확장해 왔다. 미국의 주요 도시들(예: 로스앤젤레스, 뉴욕, 보스턴)에서는 뉴욕의 배빗(Babbitt)과 프랑스계 미국인 지휘자이자 피아니스트인 자크 루이 모노(Jacques-Louis Monod)와 같은 지지자들과 함께 쇤베르크의 음악이 역사적으로 중요한 공연을 가졌다. 쇤베르크의 학생들은 미국의 주요 대학에서 영향력 있는 교수들로 활동했다: USC, UCLA, CalArts의 레너드 스타인(Leonard Stein); Oberlin의 Richard Hoffmann; 컬럼비아의 패트리샤 카펜터; 그리고 하버드의 Leon Kirchner와 Earl Kim. 쇤베르크와 관련된 음악가들은 미국의 현대 음악 연주 연습에 지대한 영향을 미쳤습니다(예: 뉴잉글랜드 음악원의 Louis Krasner, Eugene Lehner, Rudolf Kolisch; 에두아르트 슈테우어만(Eduard Steuermann)과 펠릭스 갈리미르(Felix Galimir), 줄리어드 스쿨). 유럽에서는 한스 켈러(Hans Keller), 루이지 로그노니(Luigi Rognoni), 르네 라이보비츠(René Leibowitz)의 작품이 쇤베르크의 음악적 유산을 독일과 오스트리아 외부로 전파하는 데 큰 영향을 미쳤다. 그의 제자이자 조수였던 막스 도이치(Max Deutsch)는 나중에 음악대학 교수가 되었는데, 그는 지휘자이기도 했다. 2013년 말 사후 발매된 스위스 로망드 오케스트라와 함께 쇤베르크의 세 가지 "걸작"을 녹음했습니다. 이 녹음에는 각 곡에 대한 도이치의 짧은 강의가 포함되어 있습니다.
비판
1920년대에 에른스트 크레넥(Ernst Krenek)은 쇤베르크와 그의 제자들로 추정되는 무명의 현대 음악계를 "스튜디오에 앉아서 규칙을 발명하고 그에 따라 음표를 기록하는 개인의 자기 만족"이라고 비판했다. 쇤베르크는 이 말에 불쾌감을 느끼며 크레네크는 "창녀만 듣고 싶다"고 대답했다.
앨런 숀(Allen Shawn)은 쇤베르크의 생활 환경을 감안할 때 그의 작품은 대개 경청하기보다는 옹호되며, 이를 둘러싼 이데올로기를 떠나서 그것을 경험하는 것은 어렵다고 지적했다. 리처드 타루스킨(Richard Taruskin)은 쇤베르크가 이른바 '시적 오류(poietic fallacy)', 즉 예술 작품에서 가장 중요한 것(또는 가장 중요한 것)은 작품의 제작과 제작자의 입력이며, 듣는 사람의 즐거움이 작곡가의 주요 목표가 되어서는 안 된다는 확신을 범했다고 주장했다.] 타루스킨은 또한 작곡가로서 쇤베르크의 가치를 다른 예술가에 대한 그의 영향력, 기술적 혁신에 대한 과대평가, 구조와 기교에 대한 비판의 제한이라는 관점에서 측정하는 아이디어를 비판하면서 다른 접근 방식은 저속하다고 경멸한다.
일반 대중과의 관계
크리스토퍼 스몰(Christopher Small)은 1977년에 쓴 글에서 "오늘날에도 많은 음악 애호가들이 쇤베르크의 음악에 어려움을 느낀다"고 말했다. [75] 스몰은 작곡가가 죽은 지 25년 후에 그의 짧은 전기를 썼다. 니콜라스 쿡(Nicholas Cook)에 따르면, 《스몰》 이후 약 20년 후에 쓴 글에서 쇤베르크는 이러한 이해의 결핍이라고 생각했다.
음악의 역사는 청중이 항상 낯선 것에 저항하지만 시간이 지남에 따라 익숙해지고 그것을 감상하는 법을 배웠다는 것을 보여주었다고 그들은 말했다. 쇤베르크 자신도 그가 말했듯이 식료품 가게 아저씨들이 회진을 돌면서 연속적인 음악을 휘파람으로 불던 때를 고대했다. 만약 쇤베르크가 그의 말을 정말로 믿었다면(그리고 이것에 대해 확신하기는 어렵다), 그것은 음악사에서 가장 가슴 아픈 순간 중 하나라고 할 수 있다. 왜냐하면 연속주의는 인기를 얻지 못했기 때문이다. 그와 그의 동시대인들이 기다리고 있던 친숙함의 과정은 결코 일어나지 않았다.
벤 얼(Ben Earle, 2003)은 쇤베르크가 전문가들의 존경을 받고 학위 과정에서 "여러 세대의 학생들"에게 가르쳤지만 대중에게는 사랑받지 못했다는 것을 발견했다. 40년 이상의 지지와 "비전문가 청중에게 이 어려운 레퍼토리를 설명하는 데 전념하는 책"의 제작에도 불구하고, 특히 "이런 종류의 음악을 대중화하려는 영국의 시도는 ... 이제 실패했다고 안전하게 말할 수 있다"고 말했다.
스티븐 월시(Stephen Walsh)는 2018년에 출간된 쇤베르크의 동시대 작곡가 드뷔시(Debussy)의 전기에서 "창의적인 예술가가 급진적이면서 대중적일 수 없다"는 생각에 이의를 제기한다. 월시는 "쇤베르크는 그가 태어난 지 거의 한 세기 반이 지났는데도 음악이 레퍼토리에 들어가지 않은 현대사 최초의 '위대한' 작곡가일 수 있다"고 결론지었다.
토마스 만의 소설 닥터 파우스투스
토마스 만의 소설 《닥터 파우스투스》(1947)의 주인공 아드리안 레버쿤은 아놀드 쇤베르크의 혁신과 유사한 12음 기법을 사용하는 작곡가이다. 니체에 기반을 둔 레버쿤은 악마에게 영혼을 팔고 초인적인 재능을 보상으로 받습니다. 쇤베르크는 이에 불만을 느꼈고, 소설이 출간된 후 만과 편지를 교환하기 시작했다. 작가 숀 오브라이언(Sean O'Brien)은 "히틀러의 그늘 아래에서 쓰여진 독토르 파우스투스(Doktor Faustus)는 나치즘의 부상을 관찰하지만 정치사와의 관계는 비스듬히 모호하다"고 논평합니다. 토마스 만은 항상 클래식 음악에 관심이 많았으며, 이는 그의 많은 작품에도 중요한 역할을 했습니다. 그는 테오도르 W. 아도르노(Theodor W. Adorno)에게 쇤베르크의 새로운 음악의 기술적 작곡 세부 사항에 대한 조언을 구했고, 그는 그에 따라 장을 수정했다.
아카이브 파괴]
2025년, 2025년 1월 남부 캘리포니아 산불 중 하나인 팰리세이즈 화재로 수백 개의 쇤베르크의 악보가 소실되었습니다. 화재 당시 그들은 그의 아들 래리의 집에 보관되어 있었습니다. [82]
성격 및 음악 외적인 관심
쇤베르크는 상당한 능력을 가진 화가였으며, 그의 작품은 프란츠 마르크와 바실리 칸딘스키의 작품과 함께 전시할 만큼 훌륭하다고 여겨졌다. [83] 표현주의 그룹 Der Blaue Reiter의 동료 멤버로. [84] 1908년경부터 1910년까지, 그는 약 65점의 유화로 구성된 전체 작품의 약 3분의 2를 작품으로 작업했다.
그는 폴 뷜레(Paul Buhle)와 데이비드 와그너(David Wagner, 2002, v-vii)가 이 영화의 좌파 시나리오 작가들의 탓으로 돌린 호팔롱 캐시디(Hopalong Cassidy) 영화에 관심을 가졌는데, 이는 그가 "부르주아적" 군주제 주의자였다는 쇤베르크의 말에 비추어 볼 때 다소 이상한 주장이다.
