콘체르티 그로시, Op. 6 (헨델)
조지 프리드리히 헨델의 12개의 그랜드 콘체르토, Op. 6, HWV 319–330은 두 대의 바이올린과 첼로로 이루어진 콘서티노 3중주와 하프시코드 콘티누오가 있는 리피에노 4부 현악 오케스트라를 위한 콘체르티 그로시입니다. 1739년 런던에서 존 월시가 구독으로 처음 출판했으며, 2년 후 헨델의 Opus 6으로 2판이 되었다. 이 곡들은 요한 세바스티안 바흐가 선호한 후기 안토니오 비발디의 3악장 베네치아 협주곡 대신, 아르칸젤로 코렐리의 오래된 협주곡과 카메라 협주곡을 모델로 삼아 헨델의 오라토리오와 송가 공연 시 연주하도록 작곡되었다. 전통적인 모델에도 불구하고 헨델은 트리오 소나타, 오페라 아리아, 프랑스 서곡, 이탈리아 신포니아, 선곡, 푸가, 주제와 변주곡, 다양한 무곡 등 자신의 작곡 스타일 전반을 악장에 통합했다. 이 협주곡들은 주로 새로운 소재로 구성되었으며, 바로크 협주곡 그로소 장르에서 가장 뛰어난 예 중 하나이다.
이 협주곡의 뮈제트, 혹은 샤콘느는 작곡가 본인과 대중 모두에게 항상 호응을 얻었다; 헨델이 출판 전후로 오라토리오 파트 사이에 자주 이 노래를 도입했던 것을 잘 기억합니다. 사실 이 작품의 오랜 기간 참여하는 동안 제가 들은 어떤 기악곡도 이보다 더 감사하고 기쁜 주제로 느껴졌습니다.
— 찰스 버니, 헨델 기념식에서 제6번 그랜드 콘체르토 연주에 대해 글을 쓴 글[1]
역사와 기원
이 협주곡의 뮈제트, 혹은 샤콘느는 작곡가 본인과 대중 모두에게 항상 호응을 얻었다; 헨델이 출판 전후로 오라토리오 파트 사이에 자주 이 노래를 도입했던 것을 잘 기억합니다. 사실 이 작품의 오랜 기간 참여하는 동안 제가 들은 어떤 기악곡도 이보다 더 감사하고 기쁜 주제로 느껴졌습니다.
1735년 헨델은 오라토리오 공연에 오르간 협주곡을 포함시키기 시작했다. 작곡가이자 연주자로서 자신을 보여주면, 경쟁 단체인 오페라 오브 더 노빌리티의 이탈리아 카스트라티에 필적할 만한 매력을 제공할 수 있었다. 이 협주곡들은 1738년 존 월시가 출판한 헨델 오르간 협주곡 Op.4의 기초가 되었다.
이 여섯 개의 협주곡 중 첫 번째이자 마지막인 HWV 289와 HWV 294는 원래 1736년에 작곡되었으며, 헨델이 존 드라이든의 송가 알렉산더의 축제(알렉산더의 축제) 또는 음악의 힘에 맞춰 연주하기 위해 작곡되었다. 전자는 실내 오르간과 오케스트라를 위한 곡, 후자는 하프, 현악기, 콘티누오를 위한 곡이다. 또한 1736년 1월, 헨델은 C장조 현악을 위한 짧고 가벼운 협주곡 HWV 318을 작곡했는데, 전통적으로 '알렉산더 축제의 협주곡'으로 불리며, 송가의 두 막 사이에 연주되었다. 현악 오케스트라를 위해 작곡되었으며, 두 대의 바이올린과 첼로를 위한 솔로 파트가 포함되어 있으며, 네 악장으로 구성되어 1740년 월시의 선집 『셀렉트 하모니』에 수록되었다. 처음 세 악장(알레그로, 라르고, 알레그로)은 현대 이탈리아 협주곡 형식을 띠며, 솔로와 투티 구절이 번갈아 나오는 형태입니다. 덜 전통적인 4악장인 안단테, 논프레스토는 두 바이올린을 위한 우아한 변주를 가진 매력적이고 위엄 있는 가보트입니다. [2][3]
대중적 취향의 변화로 인해 1737년 시즌은 오페라 오페라 오브 더 노빌리티와 헨델 자신의 극단 모두에게 참담한 결과를 낳았으며, 그때는 헨델이 혼자 힘으로 운영하고 있었다. 시즌 말에 헨델은 신체적, 정신적 붕괴를 겪었고, 그 결과 한 손의 손가락이 마비되었다. 친구들의 설득으로 엑스라샤펠에서 양수를 하자고 했고, 그는 완전히 회복했다. 이후 그는 『조베 인 아르고』(1739), 『이메네오』(1740), 『데이다미아』(1741)를 제외하고, 이탈리아 오페라를 버리고 자신이 창조한 새로운 음악 장르인 영국 오라토리오로 전향했다. 1739년에는 그의 위대한 오라토리오 '사울'이 초연되었고, 존 드라이든의 성 세실리아의 날 송가가 작곡되었으며, 목가적인 영국 오페라 '아키스와 갈라테아'가 부활했다. 그 전년도에는 합창곡 『이집트의 이스라엘』을 제작했고, 1740년에는 존 밀턴의 시를 칸타타처럼 편곡한 『L'Allegro, il Penseroso ed il Moderato』를 작곡했다.
1739–1740년 링컨스 인 필즈 극장에서 열린 시즌을 위해 헨델은 관객을 끌어들이기 위한 특징으로 이 가면극과 오라토리오에서 연주될 12개의 그랜드 콘체르토를 작곡했다. 새로운 협주곡들의 공연은 런던 일간지에 광고되었다. 오르간 협주곡 Op.4의 성공 이후, 출판사 존 월시는 헨델에게 특별히 획득한 왕실 라이선스를 통해 구독으로 구매할 수 있는 새로운 협주곡 세트를 작곡하도록 권유했다. 구독자는 100명 조금 넘었는데, 왕실 가족, 친구, 후원자, 작곡가, 오르간 연주자, 극장 및 유흥정원 관리자 등이었으며, 일부는 대규모 오케스트라 부대를 위해 여러 세트를 구입했다. 헨델 자신의 연주에서는 보통 두 대의 콘티누오 악기, 즉 두 대의 하프시코드 또는 하프시코드와 실내 오르간을 사용했다; 일부 자필 원고에는 오라토리오 공연을 위한 추가 보보에의 파트가 추가로 붙어 있다. 월시 자신도 1715년에 자신의 판본인 코렐리의 유명한 12개의 콘체르티 그로시 Op. 6을 성공적으로 판매했으며, 이 판본은 1714년 암스테르담에서 사후에 처음 출판되었다. [5] 1741년 2판에서 같은 작품 번호, 협주곡 수, 음악 형식이 나중에 선택된 것은 전적으로 우연이 아니었다; 더 중요한 것은 헨델이 로마에서 초기 시절에 코렐리와 이탈리아 학파의 영향을 받고 접했다는 점이다. 12개의 협주곡은 1739년 9월 말과 10월 5주 동안 제작되었으며, 9번을 제외한 모든 곡에 완성 날짜가 기록되었다. 대부분 새로 작곡된 10개의 협주곡은 시즌 후반 오라토리오 공연 중 처음 연주되었다. 남은 두 개의 협주곡은 오르간 협주곡의 재구성으로, HWV 295 F장조(오르간 파트에서 새소리를 흉내 내어 '뻐꾸기와 나이팅게일'이라는 별명을 얻었다)와 HWV 296 A장조 협주곡으로, 두 곡 모두 1739년 초에 런던 관객들에게 이미 들렸다. 1740년 월시는 이 두 협주곡의 솔로 오르간을 위한 자신의 편곡과 Op. 6 콘체르티 그로시 중 네 개의 편곡(1, 4, 5, 10번)을 출판했다. [6]
그러나 콘체르티 그로시의 작곡은, 작곡에 전례 없는 시간이 주어졌기 때문에, 헨델이 대중 출판을 위한 오케스트라 '걸작' 세트를 의도적으로 제작하려는 의도적인 노력으로 보인다. 이는 코렐리의 인기 있는 협주곡에 대한 응답이자 헌사이며, 헨델 자신의 작곡 기량을 남기는 기록이기도 하다. [7] 코렐리안 모델의 전통에도 불구하고, 협주곡들은 매우 다양하며 부분적으로는 실험적이며, 가능한 모든 음악 장르에서 영감을 받고 유럽 전역의 음악 형식에 영향을 받았습니다.
새로 작곡된 10개의 협주곡(9번과 11번을 제외한 모든 곡)은 1739–1740년 겨울 시즌 오라토리오와 송가 공연 중에 초연되었으며, 이는 당시 런던 일간지 광고에서 확인할 수 있다. 두 작품은 11월 22일 성 세실리아의 날에 알렉산더의 축일과 성 세실리아의 날 송가 공연 중에 연주되었으며; 12월 13일에 두 척, 2월 14일에 네 척이 추가로 추가되었다. 2월 말 '알레그로, 일의 생각과 절제' 초연에서는 두 개의 협주곡이 연주되었다; 그리고 3월과 4월 초에는 이집트에서 사울과 이스라엘 부활 공연 중 두 차례 더 공연했다. 마지막 두 개의 협주곡은 공식 출판 이틀 후인 4월 23일 『L'Allegro』 공연 중 처음 연주되었다. [8]
운동
차용
- 1번 첫 악장은 1738년부터 1740년까지 오랜 기간에 걸쳐 작곡된 헨델의 마지막에서 두 번째 이탈리아 오페라 이메네오 서곡의 첫 초안을 완전히 재작업한 것이었다. 영향력 있는 연구에서 음악학자 알렉산더 실비거는 마지막 악장에서 "첫 구간부터 시작해 1738/39년 런던에서 출판된 도메니코 스카를라티의 『에세르치치 그라비셈발로』 소나타 2번에서 거의 문자 그대로 인용된 연속이 있다고 주장한다. [10]
- 2번 새로 작곡됨.
- 3번 새로 작곡한 거야.
- 4번 대부분 새로 작곡된 곡들입니다. 마지막 알레그로는 이메네오를 준비하기 위해 아리아 'È si vaga'를 재구성한 것이다.
- 5번 1, 2, vi 악장은 세실리아의 날 송가에서 가져온 것입니다. 첫 악장은 고틀리브 무파트의 하프시코드를 위한 『Componimenti Musicali』(1739)에서 유래했으며, 다섯 번째 악장은 도메니코 스카를라티의 『Essercizi Gravicembalo』(1738)의 23번 소나타에서 유래했다.
- 6번 새로 작곡한 거야.
- 7번 마지막으로 뮤팻의 『Componimenti Musicali』에서 파생된 혼파이프를 제외하고는 새로 작곡된 곡들입니다.
- 8번 알레만드는 헨델의 세 번째 하프시코드 모음곡 2악장(16번, HWV 452, G단조)을 재구성한 곡이다. 앤드류 만체는 이 곡의 첫 마디가 "요한 마테손의 피에스 드 클라베신 중 하나의 첫 마디를 직접 옮긴 것"이라고 언급하며, "아마도 오랜 친구이자 스승, 결투 파트너에게 바치는 경의일 것"이라고 추측한다[11] 3악장에 사용된 4음 음의 구형은 헨델 오페라 아그리피나의 4중주에서 유래한다. 4악장에서 헨델은 오페라 줄리오 체사레 3막의 클레오파트라 아리아 '피앙제로의 소르테 미아'의 오프닝 리토넬로를 인용한다. 5악장에서 헨델은 사울의 버려진 아리아 "그런 부모로부터 태어난 사랑"의 소재를 사용한다.
- 9번 첫 악장은 새로 작곡되었다. 두 번째와 세 번째 악장은 F장조 오르간 협주곡 HWV 295 "뻐꾸기와 나이팅게일"의 첫 두 악장을 재구성한 것입니다. 네 번째와 다섯 번째 악장은 이메네오 서곡에서 가져온 것이다. 지그의 주제는 "아르칸젤로 코렐리의 12번 협주곡 그로소 12번의 기가를 주제적으로 연상시키며" 헨델의 작품 6의 모델이 된 12개의 협주곡 그로소 중 하나이다. [12]
- 10번 새로 작곡한 거야.
- 11번 헨델의 A장조 오르간 협주곡을 재구성한 HWV 296. 헨델은 1696년에 처음 출판되었으나 1724년을 포함해 네 차례 재출판된 요한 쿠나우의 프리셰 클라비어 프뤼흐테 소나타 3번 서곡에서 3악장(안단테)의 선율 소재를 차용했다. [13]
- 12번 대부분 새로 작곡된 곡들입니다. 마지막 푸가의 주제는 헨델의 음악 스승인 프리드리히 빌헬름 자초우의 푸가에서 유래했다.
음악 구조
개별 악장 분석은 Sadie(1972), Abraham(1954), 그리고 한스 요아힘 마르크스가 트레버 피녹과 잉글리시 콘서트의 녹음에 반주한 노트에서 가져왔습니다.
1번, HWV 319
협주곡의 첫 번째 짧은 악장은 극적으로 엄숙하고 장엄하게 시작한다: 오케스트라는 점차 더 지속적인 구간으로 올라가며, 오르막의 각 계단마다 전체 오케스트라가 먼저 내려가는 한숨 소리가 이어지고, 솔로 바이올린이 이를 반영한다. 이 엄숙한 웅장함은 코렐리의 방식으로 콘서티노 현악 3중주가 바이올린의 모방과 3도 구절로 부드럽고 웅변적인 반응을 이끌어낸다. 오케스트라와 독주자들은 대화를 이어가다가 마지막 열 마디에서 도입 음악이 다시 나오는데, 이번에는 음소거되어 단조로 변하며, 고귀한 단순함의 놀라운 반음계 구간으로 마무리되어 마지막 처진 종지로 내려간다.
두 번째 악장은 생동감 있는 알레그로이다. 이 소재는 연속과 반응으로 등장하는 첫 두 마디와 반마디 구형에서 파생되었다. 고전 소나타 형식의 일부 요소를 보여주지만, 이 악장의 성공은 오케스트라와 독주자 간의 예측 불가능한 교대 덕분이다.
세 번째 악장은 위엄 있는 아다지오로, 첫 악장 첫 마디의 아나파에스트 음형과 유사한 아나파에스트 음형을 사용한다. 찰스 버니가 1785년에 쓴 바와 같이, "아다지오에서는 두 개의 트레블이 당시 성악 듀엣 스타일로 노래하는 반면, 이 파트들은 정규 푸가는 아니지만 푸가 유형의 모방이 풍부하다; 베이스는 헨델 특유의 대담함과 개성을 지니며, 두 개의 첫 마디의 주제(직접적이거나 역전)를 악장 전반에 걸쳐 명확하고 뚜렷하며 뚜렷하게 지지한다."
푸가 4악장은 독주자가 완전히 듣는 매력적인 주제를 가지고 있다. 푸가임에도 엄격한 대위 규칙을 따르지 않고, 대신 리피에노와 콘체르티노를 번갈아 오르는 기발한 에피소드들로 청자를 놀라게 한다; 주제를 대담하게 재진술할 것으로 예상되는 마무리에서 헨델은 두 마디의 피아니시모로 장난스럽게 악장을 축소한다.
마지막 협주곡 같은 악장은 두 부분으로 나뉜 에너지 넘치는 지그로, 솔리스트들은 전체 오케스트라에 대한 반응을 반향한다.
2번, HWV 320
이 4악장 협주곡은 소나타 다 키에사를 닮았습니다. 원래 서명에서 헨델은 협주곡에 두 개의 추가 악장을 계획했는데, 두 번째 악장은 단조의 푸가이고 마지막 지그가 포함되었으나; 이 악장들은 이후 세트의 다른 부분에서 사용되었습니다.
첫 안단테 라르게토는 고귀하고 넓으며 흐르는 듯하며, 풍부한 화음을 자랑합니다. 콘서티노 트리오의 반응은 오프닝 리토르넬로에서 비롯된다. 우아한 레가토와 더 단호한 점박이 리듬을 번갈아 가며 연주한다. 클로즈 직전 잠정으로 중단된 세 개의 특이한 아다지오 종지는 헨델이 각 솔리스트의 카덴차를 기대했음을 시사한다는 주장이 있으나, 현존하는 악보에는 이를 뒷받침하지 않는다.
두 번째 악장은 대위법 3중조 소나타 스타일의 D단조 알레그로입니다. 첫 마디의 생동감 있는 1분1 음표는 모방하거나 평행 3도로 연주되어, 일종의 모토 페페투오(moto perpetuo)로 연주됩니다.
3악장은 비전통적이다. 이 곡은 두 가지 다른 분위기를 오간다: 웅장한 라르고 구간에서는 전 오케스트라와 솔로 바이올린이 연속된 마디에서 날카로운 점점 리듬으로 반응한다; 라르게토, 즉 반복된 8분음표에서 약간 빠른 속도의 피아노는 부드럽고 신비롭고 화성의 복잡성을 지니며 내부 부분의 현수음으로 만들어진다.
네 번째 악장에서는 네 성부로 된 활기찬 푸가로 시작하며, 전통적인 방식으로 다뤄진 명백한 정통 교리로의 회귀가 보인다. 이 곡은 피아니시모로 표시된 대조적인 간주곡으로 중단되며, 반복되는 화음 위에서 솔로 현악기에서 느리게 움직이는 엄숙하고 서정적인 주제가 들린다. 이 두 번째 주제는 나중에 원래 푸가 주제에 대한 대위법임이 밝혀진다.
3번, HWV 321
E단조의 첫 라르게토에서는 전체 오케스트라가 세 번 리토르넬로(ritornello)를 연주하는데, 이는 진지한 무게를 지닌 사라반데입니다. 세 개의 콘서티노 응답은 장조로 향하지만, 이는 일시적인 것에 불과하다. 대화는 리토넬로의 음악과 독주 간주곡을 결합한 전체 오케스트라로 해결됩니다.
깊은 비극적 분위기는 다음 안단테에서 이어지는데, 이는 헨델의 가장 개인적인 발언 중 하나다. 이 악장은 인상적인 무조성 4음 주제인 B–G–D♯–C에 기반한 푸가로, 도메니코 스카를라티의 '캣 푸가'를 연상시킵니다. [15] 서스펜션과 내부 부분은 바흐의 대위법적 작곡을 떠올리게 합니다. 악장이 끝나갈 무렵, 4음 주제의 마지막 부분에 베이스의 뜻밖에 G♯음이 추가된다.
세 번째 악장은 알레그로이다. 모든 Op. 6 중에서 이 곡은 비발디의 협주곡 작곡에 가장 가깝다. 엄격한 도입부의 유니즌 리토넬로가 특징이다; 그러나 독주 바이올린 파트와 오케스트라 투티 사이의 질감 차이가 뚜렷함에도 불구하고, 헨델은 두 그룹이 자료를 공유함으로써 기존 틀에서 벗어난다.
G장조의 매력적이고 우아한 4악장은 폴로네즈로 묘사되지만, 18세기 인기 무곡 형태와 공통점은 거의 없습니다. 낮은 현악기는 드론을 모방해 목가적인 분위기를 자아내지만, 높은 현악기의 춤추는 작곡은 소박하기보다는 궁정에 가깝다.
마지막 짧은 알레그로, 마 논 트로포 인 6
8 시간이 흐르면서 협주곡은 다시 E단조로 돌아오고 더 진지한 분위기를 띠며, 반음계와 콘체르티노와 리피에노 사이의 대화에서 예상치 못한 조성 변화가 특징입니다.
4번, HWV 322
A단조 네 번째 협주곡은 네 악장으로 구성된 전통적인 오케스트라 협주곡으로, 솔로 현악기에는 거의 작곡이 없고, 두 번째와 마지막 악장에 짧은 구간이 있다.
첫 악장은 'larghetto affetuoso'로 표시되며, 헨델의 가장 뛰어난 악장 중 하나로 평가받으며, 넓고 엄숙하다. 멜로디는 제1바이올린이 유니즌으로 연주하며, 그들의 하부 아포지아투라 1분음표는 갈랑트 스타일을 반영한다. 그 아래에서는 베이스 파트가 8분음표로 꾸준히 움직이며, 안쪽 파트가 추가적인 화음을 제공합니다.
두 번째 알레그로는 에너지 넘치는 푸가로, 콘체르티노와 리피에노 사이의 짧은 교류는 이례적으로 긴 주제에서 엄격히 파생되었다. 악장의 엄숙함은 바이올린과 비올라의 가장 낮은 현의 마지막 종지로 강조된다.
F장조의 라르고 에 피아노는 헨델의 가장 숭고하고 단순한 느린 악장 중 하나로, 이탈리아 3중주 소나타 스타일의 사라반데입니다. 일정한 타선편 워킹 베이스 위에서, 두 바이올린 파트 사이에서 부드럽게 주제가 주고받으며, 모방과 서스펜션이 교차한다; 비올라 파트에는 화성 색채가 추가됩니다. 마지막 마디에서는 베이스의 크로chet 음색이 상위 현악기로 넘어가며 마지막 종지가 나옵니다.
마지막 악장인 A단조 알레그로는 헨델이 그의 마지막에서 두 번째 오페라 이메네오를 위해 준비하던 소프라노 아리아를 급진적으로 재구성한 것이다. 협주곡에서는 5음과 6음의 두 개의 단편적이고 리듬감 있는 구형에서 비롯된 두 개의 단편적인 리듬 구간에서 자료가 더 긴밀하게 논증된다. 상상력 넘치는 전개에는 분명한 재치 있는 요소가 있지만, 전반적인 분위기는 진지하다: 상위 현악기의 지속적인 멜로디 간주에는 예상치 못한 평평한 음들이 섞여 있다. 코다에서는 첫 번째 콘체르티노 바이올린이 주제를 다시 다루고, 두 마디 후에는 다른 솔로 바이올린이 3도 연주로, 마지막으로 리피에노에서 반복되는 지속 피아니시모 화음이 예상치 못한 조성을 통해 전조된다. 이 부분에 두 번 두 번의 포르테 유니즌 종지가 응답하며, 두 번째는 악장을 마무리합니다.
5번, HWV 323
이 곡의 도입부는 항상 헨델이나 다른 작곡가들이 루리의 오페라 서곡 모델을 따라 쓴 음악 중 가장 활기차고 독특한 작품이라는 생각에 깊은 인상을 받았다; 이는 격렬하고 신중하며 군사적인 기량을 요구하는 것으로 보인다... 이 협주곡의 피날레, 즉 미뉴에트는 헨델 학파의 영국 작곡가들에게 큰 찬사를 받아 자주 모방할 만한 가치가 있다고 여겨졌다.
1785
빛나는 조성 D장조의 다섯 번째 그랜드 협주곡은 6악장으로 구성된 에너지 넘치는 협주곡이다. 이 작품은 1, 2, 6악장에 헨델의 성 체실리아의 날 송가 HWV 76(Larghetto, e staccato – allegro – minuet)의 3악장 서곡을 재구성하여 포함하고 있는데, 이 서곡은 Op. 6 concerti grossi 직전에 작곡되었으며 고틀리브 무파트의 Componimenti musicali를 자유롭게 사용했다 (1739년) 그 주제 소재의 많은 부분에 대해. 미뉴에트는 나중에 협주곡 그로소에 추가되었는데, 아마도 균형을 맞추기 위해서일 것이다. 원본 원고에는 이 곡이 없으며; 서곡에서 거부된 3중주도 동시에 Op. 6 No. 3에 맞게 재작업되었다.
첫 악장은 프랑스 서곡 스타일로 점점 리듬과 음계 구간이 특징이며, 극적 효과를 위해 첫 번째 콘체르티노 바이올린을 위한 두 마디 구절이 서두를 수 있다는 참신한 특징을 가지고 있다.
알레그로는 힘차고 활기찬 푸가로, 송가와 거의 다르지 않으며, 마지막에 세 마디가 추가된 점을 제외하면 별다른 점이 없다. 이 작품은 쉽게 구분되는 구간으로 나뉘어 있으며, 대위법보다는 화성에 더 의존한다.
세 번째 악장은 경쾌한 프레스토 연주입니다 3
8 시간과 이진 형태. 분주한 1분1음표 음자가 춤추는 곡 전체를 관통하며, 단지 박자에 의해 중단된다.
라르고 3
2 시간은 코렐리가 설정한 패턴을 따른다. 콘서티노 파트가 악장을 지배하며, 두 개의 솔로 바이올린이 표현력 있는 대위법을 이룬다. 솔리스트를 위한 각 에피소드 후에는 투티 응답이 이어집니다.
즐거운 다섯 번째 알레그로는 전오케스트라를 위해 쓰여졌다. 경쾌한 첫 번째 주제는 도메니코 스카를라티의 1738년 『Essercizi Gravicembalo』 23번째 소나타에서 유래했다. 이어지는 반복되는 10분음표 파시지는 워킹 베이스 위에 오르고 있으며, 게오르크 필립 텔레만의 스타일을 연상시킨다. 그러나 헨델은 이 소재를 완전히 독창적으로 다룬다: 이 기교 악장은 목적 의식과 명확한 방향성을 지니고 있으며, 고음부 사이의 불협화음은 필연적으로 해결된다.
마지막 메끄러니트는 'un poco larghetto'로 표시되며, 송가 서곡의 미뉴에트를 보다 직접적으로 재구성한 것이다. 주제의 첫 번째 진술은 선율적으로 잘려 있어, 응답의 8분음표 부분이 변주곡의 인상을 준다. 이 따뜻하고 탄탄한 악장은 헨델이 나중에 추가했는데, 아마도 훌륭한 5악장보다 협주곡을 마무리하는 데 더 효과적인 방법을 제공했기 때문일 것이다.
6번, HWV 324
G단조 여섯 번째 협주곡은 원래 네 악장으로 구성될 예정이었다. 자필 원고에는 두 부분으로 나뉜 가보트 스케치가 포함되어 있는데, 이는 무제트의 길이와 다른 조성(E♭장조)으로 인한 불균형을 회복하기 위해 헨델이 포기하고 두 개의 짧은 알레그로 악장을 채택한 것으로 보인다. 따라서 무제트는 중심 악장이 되었고, 마지막 악장에서는 단조 조성으로 돌아갔다.
첫 악장은 'Larghetto e affetuoso'로 표시되었으며, 헨델이 쓴 작품 중 가장 어두운 편 중 하나로, 그의 오페라 세리아 중 가장 뛰어난 극적 아리아에 필적할 만한 비극적 연민을 지니고 있다. 코렐리 모델에서 영감을 받았지만, 리듬, 화성, 음악적 질감에서 훨씬 더 발전되고 혁신적입니다. 솔로 현악기를 위한 짧은 구간이 있어 전체 오케스트라에 표현적이고 꾸밈없는 반응을 보여준다. 상대 장조로의 변조가 잠시 암시되지만, 음악은 다시 G단조의 우울한 분위기로 내려간다; 침울한 마무리에서 현악기는 음역의 가장 낮은 부분으로 내려간다.
두 번째 악장은 간결한 반음계 푸가로, 엄격하고 각져 있으며 끈질기게 느껴지며, 헨델의 일반적인 정통 성향을 전혀 드러내지 않는다.
E♭장조의 애가 무제트는 협주곡의 정점으로, 당시 평론가 찰스 버니가 헨델이 오라토리오 중 별도의 곡으로 연주하곤 했다고 칭찬했다. 이 매우 독창적인 라르게토에서 헨델은 약 163마디의 길고 몽환적인 목가곡을 만들어낸다. 헨델의 오페라 『포로 레 델 인디』(1731) 3막의 아리아 'Son confusa pastorella'처럼, 이 곡은 텔레만의 'Harmonischer Gottes Dienst'에서 영감을 받았다. [17] 뮤제트는 거칠고 아름다운 주제로 시작한다: 헨델은 백파이프의 드론에서 유래한 전통적인 반주 드론 베이스 위에 저음역 현악기의 독특한 어두운 질감을 창조한다. 이 침울한 주제는 고음 현악기에서 대조되는 활기찬 에피소드들과 번갈아 나옵니다. 이 악장은 네 부분으로 나뉘는데, 먼저 전체 오케스트라가 주제를 선언하는 부분; 그 후 이 자료를 콘체르티노와 리피에노 현악기 간의 대화로 이어가고 확장하며, 뮤제트의 전형적인 점점 리듬을 사용했다; 그 다음에는 C 단조 전체 오케스트라를 위한 부분과 바이올린을 위한 1분음표 파사지 작업이 원래 주제의 리듬을 저음 현악기로 연주한다; 마지막으로 두 번째 부분의 대화 축약본이 작품을 마무리한다.
다음 알레그로는 비발디 스타일의 에너지 넘치는 이탈리아풍 악장으로, 리토넬로 구간과 뛰어난 바이올린 솔로가 번갈아 나옵니다. 이 곡은 D단조 중심 오케스트라 에피소드 이후 독주와 투티 구간을 자유롭게 섞어 전개하는 점에서 기존 모델에서 벗어난다.
마지막 악장은 전체 오케스트라를 위한 짧고 춤추는 알레그로입니다. 3
8 시간과 이진 형식으로, 도메니코 스카를라티의 건반 소나타를 연상시킵니다.
7번, HWV 325
7번 협주곡은 전체 오케스트라를 위한 유일한 협주곡으로, 독주 에피소드가 없으며 모든 악장이 짧다.
첫 악장은 10마디 길이의 라르고로, 서곡처럼 한 음으로 알레그로 푸가로 이어지는데, 이는 헨델 같은 위상의 작곡가만이 감히 시도했을 수 있는 부분이다. 푸가의 주제는 같은 음을 세 마디(두 개의 미니음, 네 개의 크로촐트, 여덟 개의 8분음표)로 이어지며, 이어서 1마디의 8위음표 음표로 구성되어 있으며, 약간의 변형을 거치며 이 악장은 주로 리듬에 의존하는 주제 소재로 사용된다.
G단조의 중앙 표현 라르고와 3
4 바흐의 스타일을 연상시키는 박자는 화성적으로 복잡하며, 반음계 주제와 촘촘하게 엮인 4성부 글씨를 특징으로 한다.
마지막 두 악장은 반복되는 리토르넬로가 있는 안정적인 안단테와 예상치 못한 당김음이 가득한 활기찬 혼파이프이다
8번, HWV 326
C단조 여덟 번째 협주곡은 헨델의 이전 작품들에서 많은 영감을 받았다. 부분적으로 실험적인 형식은 이탈리아의 콘체르토 다 카메라(콘체르토 다 카메라)와 비슷한데, 이는 무용 모음곡이다. 여섯 개의 매우 다양한 운동이 있습니다.
전체 오케스트라를 위한 첫 알르망드는 헨델의 세 번째 세트(16번) HWV 452, G단조 하프시코드 모음곡 2악장 1악장을 재구성한 것이다.
F단조의 짧은 무덤은 두 번째 부분에서 예상치 못한 전조가 어우러져 침울하고 극적이다. 이 악장은 진정한 협주곡 악장으로, 독주자와 오케스트라 간의 교류가 있습니다.
세 번째 안단테 알레그로는 독창적이고 실험적이며, 헨델의 오페라 아그리피나에서 짧은 4음 구형을 중심 모티프로 삼았다. 이 구절과 반복되는 8분음표 구간은 독주자와 리피에노 사이에서 자유롭게 전달되며, 음악적 질감에 의존하는 악장이다.
이어지는 짧은 아다지오는 우울하고 표현력이 풍부하며, 헨델의 관객들은 즉시 클레오파트라의 인기 오페라 『줄리오 체사레』(1724) 3막 아리아 '피앙제로의 소르테 미아'에서 직접 인용한 것으로 인식했을 것이다.
시칠리아나 악기는 헨델이 오페라를 위해 쓴 곡들과 스타일이 비슷하며, 항상 비극적인 비극의 순간을 표시한다; 유명한 예로는 줄리오 체사레 1막 말에 세스토와 코르넬리아를 위한 소프라노-알토 듀엣 'Son nata a lagrimar'가 있다. 이 주제는 이미 미할의 오라토리오 사울(Saul)의 아리아 "Love from a Parent born"(결국 헨델에 의해 버림)에 사용되었으며, 이메네오의 소프라노와 두 명의 알토 리코더를 위한 아리아 "Se d'amore amanti siete"에서도 반복적으로 사용되었으며, 모두 같은 C단조 조성으로 사용된다. [18] 이 악장은 독주자와 전체 오케스트라를 위한 구절을 번갈아 가며 진행합니다. 후기 주제 소재의 일부는 헨델이 이후 메시아에서 목가적 교향곡과 "그는 양 떼를 먹일 것이다"에서 사용한 것의 전신처럼 보인다. 마지막에는 두 바이올린 독주가 전체 오케스트라에서 주제 선언 위에 정교한 대위법을 펼치는 구절 이후, 헨델은 영감을 받아 콘체르티노에서 주제를 단순하게 피아노로 재해석하고, 두 마디의 빈정거리는 뮤트 튜티 화음으로 이어지며, 마지막으로 전체 오케스트라가 주제를 다시 연주한다.
마지막 알레그로는 전체 오케스트라를 위한 이진 형태의 폴로네즈 곡이다. 그 투명성과 선명함은 부분적으로 두 번째 바이올린과 비올라 파트가 하나의 독립적인 음색으로 합쳐진 데서 비롯됩니다.
9번, HWV 327
아홉 번째 협주곡 그로소는 원고에 날짜가 없는 유일한 곡이다. 1악장과 마지막 악장을 제외하면, 모든 협주곡 중 신작곡 곡이 가장 적은 수량이다.
첫 라르고는 전체 오케스트라를 위한 28마디의 맨 화음으로 구성되며, 화성 진행과 다이내믹 표지의 변화가 흥미를 더합니다. 스탠리 세이디는 이 운동이 실패한 실험이라고 선언했지만, 다른 이들은 그 냉정함에도 불구하고 청취자의 관심을 끈다고 지적했다. 이전 평론가들은 헨델이 추가로 즉흥 연주를 의도했을 가능성이 있다고 제안했으나, 솔리스트에게 이런 요구는 일반적인 바로크 관행을 넘어섰을 것이다.
두 번째와 세 번째 악장은 헨델의 F장조 오르간 협주곡 HWV 295 첫 두 곡을 재구성한 것으로, 새소리를 흉내 내어 "뻐꾸기와 나이팅게일"로 알려져 있다.
알레그로는 원곡보다 더 규율 있고 넓은 악장으로 변모하면서도 혁신적인 정신을 유지한다. 원곡의 솔로와 오케스트라 파트는 콘체르티노와 리피에노 사이에서 새로운 방식으로 섞이고 재분배된다. 뻐꾸기 효과는 반복 음으로 변하며, 추가 구절로 보완되어 독주와 투티 연주자의 대조된 음색을 활용한다. 나이팅게일 효과는 리토넬로와 변형된 뻐꾸기 재현으로 대체되었다. 마지막 오르간 독주였던 부분은 부분적으로 자발적으로 사용되었으나, 명교적인 1분1음표 구절로 변모하고, 마지막 투티 전에 반복되는 음표 추가 구간이 추가된다.
부드러운 시칠리아나 곡인 라르게토도 마찬가지로 변형되었다. 처음 40마디는 같은 소재를 사용하지만, 헨델은 짧게 오프닝 테마로 돌아가면서 더 강렬한 결말을 만든다.
네 번째와 다섯 번째 악장에서는 헨델이 아직 완성되지 않은 오페라 이메네오의 서곡 두 번째 버전의 두 번째와 세 번째 부분을 사용했다. 두 악장 모두 G에서 F로 옮겨졌다. 알레그로는 생동감 있으면서도 정통적인 푸가이다; 미뉴에트는 이례적으로 단조로 시작하지만, 8마디 코다에서 장조로 이동한다.
마지막 기그는 이진법 형태로 된 것으로, 헨델이 마지막 악장을 재구성한 후 Op. 6, No. 2에서 남겨진 것이다.
10번, HWV 328
D단조 10번 그랜드 콘체르토는 프랑스 서곡으로 도입된 바로크 무용 모음곡 형식을 가지고 있는데, 이것이 협주곡의 구조와 느린 악장이 단 한 악장뿐인 이유를 설명한다.
첫 악장은 우베르튀르 – 알레그로 – 렌테망(lentement)으로 표시되며, 형식은 프랑스식 서곡이다. 느린 첫 부분의 점박이 박힌 리듬은 헨델이 오페라 서곡에서 사용한 것과 유사하다. 알레그로 푸가의 주제 6
8 두 마디의 리듬이 10분음표로 이어지는 4마디의 리듬 마디는 그가 모든 재진술을 극적으로 들리게 했다. 푸가는 짧은 마무리 장면으로 이어지는데, 이는 처음부터 소재의 변형이다.
The Air, lentement는 고귀하고 장엄한 단순함을 지닌 사라반드와 유사한 무용 동작으로, 고풍스러운 양식 화음의 암시로 고풍이 더해진다.
다음 두 알레그로는 알레망드와 쿠란테를 느슨하게 기반으로 한다. 첫 번째 알레그로의 이진 형식의 편곡은 바로크 건반 모음곡의 알레만데스와 스타일이 유사하다. 두 번째 알레그로는 이탈리아 협주곡 스타일로 기발하게 작곡된 더 길고 기발한 악장이다. 리토르넬로는 없습니다; 대신 첫 마디와 베이스 라인의 첫 부분에서 리드미컬한 소재가 대위법으로 사용되어 리듬의 방향성을 느끼게 하며, 즐거움과 놀라움이 가득하다.
D장조의 마지막 알레그로 모데라토는 원래 헨델이 D장조와 B단조를 실험하던 12번 협주곡을 위해 의도된 곡이었다. 쾌활한 가보트 스타일의 악장으로, 이진법 형태로, 변주(또는 더블)에서는 상하현에서 반복되는 1분분음표와 1분음표가 특징이다.
11번, HWV 329
이 곡의 도입부는 항상 헨델이나 다른 작곡가들이 루리의 오페라 서곡 모델을 따라 쓴 음악 중 가장 활기차고 독특한 작품이라는 생각에 깊은 인상을 받았다; 이는 격렬하고 신중하며 군사적인 기량을 요구하는 것으로 보인다... 이 협주곡의 피날레, 즉 미뉴에트는 헨델 학파의 영국 작곡가들에게 큰 찬사를 받아 자주 모방할 만한 가치가 있다고 여겨졌다.
찰스 버니, 1785
열한 번째 협주곡은 아마도 자필 원고에 기록된 날짜에 따라 완성된 마지막 작품일 것이다. 헨델은 이 협주곡을 최근 작곡했으나 아직 출판되지 않은 A장조 오르간 협주곡 HWV 296의 각색으로 만들기로 선택했다. 어느 형태든 이 협주곡은 헨델의 협주곡 중 가장 뛰어난 작품 중 하나로 평가받으며, 바질 람에 따르면 "정신과 감각의 기념비"라고 평가받았다. [20] 협주곡 그로소는 독립적인 비올라 파트와 현악 솔리스트들을 수용하기 위한 수정으로 더 정교하게 구성되어 있다. 오르간을 위한 자기 연주된 부분은 독주 바이올린을 위한 반주 구절로 대체되었다. 3악장과 4악장의 순서가 뒤바뀌어 긴 안단테가 협주곡 그로소의 중심 악장이 되었다.
처음 두 악장은 프랑스 서곡의 형식을 가지고 있다. 안단테 라르게토, 에스타카토에서는 점이 박힌 리토넬로스가 상위 현악기와 솔로 제1바이올린의 화려한 구절과 교대로 이어집니다. 다음 알레그로는 짧은 4부 푸가로, 푸가 주제가 원래 주제의 첫 두 마디를 정교하게 15분음표로 대체하며 마무리됩니다. 헨델은 자신의 오르간 협주곡 첫 번째 작품 7 D단조 자필 악보에서 이 악장의 버전을 오르간과 현악기에서 공유하여 반음 위로 B장조로♭ 옮겨야 한다고 언급했다.
네 번째 악장에 앞서 6마디 라르고가 도입부로 이어지는데, 이 장은 이탈리아 협주곡 형식의 긴 안단테로, 협주곡의 중심을 이룬다. 리토르넬로 주제는 속임수 같은 단순함과 본질적으로 헨델풍을 띤으며, 솔로 현악기를 위한 기교 같은 구절과 번갈아 나오며, 각 리토르넬로는 미묘하게 변형되었지만 여전히 알아볼 수 있다.
마지막 알레그로는 다 카포 아리아의 기발한 기악 버전으로, 중간 부분은 상대단조인 F♯단조로 구성되어 있다. 이 곡은 베네치아 협주곡의 특징을 포함하고 있는데, 뛰어난 기교적 에피소드나 솔로 바이올린과 4마디 오케스트라 리토넬로가 번갈아 이어지며, 헨델은 각 리프라이즈마다 이를 변주한다.
12번, HWV 330
여기서 이탈리아의 영원한 영감은 젊음의 신선함과 세월의 무게와 무게를 더해 모든 수준의 음악 경험을 담아내는 곡을 만들어낸다. 헨델의 지성과 마음의 위대함에 대해 이보다 더 설득력 있는 증언은 없을 것이다.
바질 람, 마지막 그랜드 콘체르토 3악장 작곡
첫 라르고의 강렬한 점점 리듬은 프랑스 서곡의 극적인 스타일을 떠올리게 하지만, 이 악장은 전체 오케스트라와 조용한 리피에노 현악기의 대조를 이루는 역할도 한다.
다음으로 매우 창의적인 악장은 빛나고 생동감 넘치는 알레그로, 즉 '모토 페페푸오'입니다. 주제 내 분주한 1분음표 음법은 오케스트라의 여러 파트와 솔리스트 사이에서 끊임없이 오가며, 전체적인 리듬과 화성 방향성을 더욱 돋보이게 한다. 겉보기에는 협주곡 형식이지만, 이 악장의 성공은 아마도 헨델이 관습에서 벗어난 결과일 것이다.
중앙 3악장인 'Larghetto e piano'는 헨델이 쓴 가장 아름다운 선율 중 하나를 담고 있다. 조용한 무게감을 지닌 이 곡은 오페라 베레니체 서곡의 안단테 라르게토(때때로 '미뉴엣'이라고도 불림)와 유사하며, 찰스 버니는 이를 "지금까지 작곡된 것 중 가장 우아하고 기분 좋은 악장 중 하나"라고 묘사했다. 멜로디는 3
4 박자와 E장조는 단순하고 규칙적이며 넓은 음역대와 샤콘느 같은 베이스를 특징으로 한다. 선언 후에는 두 번 변주되는데, 처음에는 쿼버 워킹 베이스로, 그 다음에는 멜로디 자체가 쿼터로 연주됩니다.
네 번째 악장은 짧은 라르고로, 반주 레치타티보처럼 마지막 알레그로 푸가로 이어진다. 이 악장의 기그(gigue) 같은 주제는 할레에서 헨델의 어린 시절 스승이었던 프리드리히 빌헬름 자호의 푸가에서 유래했으며, 이 악장은 아마도 그에게 대한 어떤 형태의 경의일 수 있다.
평가와 영향
만약 '그랜드'라는 별칭이 보통 많은 파트나 대규모 밴드나 오케스트라가 필요한 협주곡을 암시하는 대신, 숭고함과 위엄을 표현하기 위해 의도되었다면, 최대한 적절하게 사용되었을지도 모른다; 이보다 더 고귀하고 고귀한 움직임은 기억나지 않는다; 또는 투티의 고음과 베이스, 즉 전체 부분이 뚜렷하고 뚜렷한 성격을 가진 경우; 두 부분은 대담하고 대조적이며, 서로뿐 아니라 우아하고 찬트한 솔로 파트와도 대조를 이룬다. 이렇게 짧은 시간에 그런 일이 이루어진 것도 본 적이 없었다; 그 악장은 겨우 34마디에 불과하지만, 말하지 않은 것이 없어 보인다; 처음에는 자부심과 거만함으로 시작했지만, 마침내 부드러움으로 녹아들고; 그리고 단조로 변조되는 부분에서는 피로, 나른함, 기절을 표현하는 듯하다.
— 찰스 버니, 1785년, Op. 6 1번의 첫 악장 작곡.
헨델의 12개의 그랜드 협주곡은 이미 1740년 월시의 네 편곡 독주 오르간 편곡과 헨델 생전에 제작된 다양한 판본 Opus 6를 통해 대중에게 공개되었다. 헨델 사망 25년 후인 1784년, 조지 3세가 런던에서 헨델 기념 행사를 시작했으며, 웨스트민스터 사원과 판테온에서 다섯 차례의 연주회가 열렸다. 이 콘서트들은 이후 몇 년간 반복되었고, 19세기 이후 헨델 축제의 영국 전통을 확립했으며, 대규모 합창단과 악기 연주가 참여해 헨델이 가진 범위를 훨씬 뛰어넘었다. 색버트와 트롬본 외에도 수도원에는 키보드를 옮긴 특수 오르간이 설치되었다. 그럼에도 불구하고, 바로크 실내 오케스트라를 위해 원래 구상된 그의 네 개의 대협주곡(1, 5, 6, 11번)의 발췌곡이 첫 기념식에서 연주되었다; Op. 6, No. 1은 웨스트민스터 사원에서 열린 네 번째 콘서트에서 전곡이 연주되었다. 이 작품들은 1785년 동시대의 음악학자이자 해설가인 찰스 버니에 의해 상세히 기술되었다. [25][26] 3년 후 볼프강 아마데우스 모차르트는 Op. 6, No. 6의 뮤제트와 Op. 6, No. 7의 짧은 라르고를 자신의 아키스와 갈라테아 K 566 재편곡에 포함시켰다.
헨델의 오르간 협주곡들처럼, 19세기에 그의 협주곡 그로시 Op. 6은 피아노 독주, 피아노 듀엣, 두 대의 피아노를 위한 버전으로 널리 구할 수 있었다. 브라이트코프와 헤르텔은 구스타프 크루그(1803–1873)의 협주곡 네 곡을 피아노 편곡 두 편으로 출판했다. 아우구스트 혼(1839–1893), 살라몬 야다손(1831–1902), 빌헬름 켐프프, 리하르트 클라인미켈(1846–1941), 에른스트 나우만(1832–1910), 아돌프 루트하르트(1849–1934), F. L. 슈베르트(1804–1868), 루트비히 스타크(1831–1884)의 피아노 듀엣 버전도 있다. 또한 구스타프 프리드리히 코겔(1849–1921), 주세페 마르투치(1856–1909), 오토 싱어(1833–1894), 아우구스트 스트라델(1860–1930) 등 여러 작곡가들이 피아노 솔로를 위한 여러 곡을 편곡했으며, 이들이 전체 세트를 편곡했다.
20세기에 헨델에 공개적으로 반대했지만 음악 경력의 전환점에 있던 작곡가 아놀드 쇤베르크는 현악 사중주와 오케스트라를 위한 협주곡 작품 6번(1933)에서 작품 6번 7번을 "자유롭게 편곡"했다. 쇤베르크의 작곡 과정은 아우너(1996)에 의해 자세히 논의되었으며, 그는 쇤베르크가 심하게 주석을 단 원본 악보의 복사본도 제공한다.
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