슈베르트: 아르페지오네 소나타 Daniel Shafran

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아르페지오네 소나타

A단조 아르페지오와 피아노를 위한 소나타 D. 821은 1824년 11월 빈에서 프란츠 슈베르트가 작곡했다. 이 소나타는 오늘날 현존하는 아르페지오네(본질적으로 활로 연주된 기타)를 위한 유일한 실질적인 작품이다. 이 소나타는 슈베르트가 첼리츠에서 두 번째 체류를 마치고 빈으로 돌아온 지 약 한 달 후인 1824년 11월에 작곡되었다. 특히 첼로를 비롯한 다른 현악기에도 각색되었다.

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역사

이 곡은 아마도 슈베르트의 친구 빈첸츠 슈스터가 의뢰한 것으로, 그는 전년도에 발명된 악기인 아르페지오네의 명인이었다. 소나타가 1871년에 사후에 출판될 무렵, 악기와 함께 아르페지오네의 새로움에 대한 열정은 이미 오래전에 사라졌다. [1]

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운동

이 작품은 세 개의 악장으로 구성되어 있습니다. 일반적인 공연 시간은 20분 조금 넘게 소요됩니다.

1. 알레그로 모데라토
2. E장조 아다지오
3. A장조 알레그레토

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공연 역사

오늘날 이 곡은 거의 전적으로 첼로와 피아노 또는 비올라와 피아노를 위한 편곡본으로만 들리며, 사후 출판 이후 편곡된 것들이지만, 바이올린, 더블 베이스, 플루트, 유포니움, 알토 색소폰과 클라리넷(아르페지오네, 기타나 하프 등 다른 악기들)을 대체한 버전들도 연주된다. 전사자들은 이러한 대안 악기들의 연주 범위가 아르페지오네에 비해 좁은 연주 범위와 그에 따른 조음 변화(4현 대 6현)에 대한 문제를 해결하려고 노력해 왔습니다.

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Sonata for Cello and Piano in A Minor, D. 821 "Arpeggione": I. Allegro moderato

Daniel Shafran · Franz Schubert · Lydia Pecherskaya

Cello: Daniel Shafran Piano: Lydia Pecherskaya Composer: Franz Schubert Producer: Peter Dellheim Recording Engineer: Robert Simpson

https://youtu.be/Zbrp5dzLbY0?si=wFApsDAJE8f9o-Ug

 

Sonata for Cello and Piano in A Minor, D. 821 "Arpeggione": II. Adagio

https://youtu.be/SeQwzjboUp4?si=3WETxKHnxxIDHb9n

 

Sonata for Cello and Piano in A Minor, D. 821 "Arpeggione": III. Allegretto

https://youtu.be/8kMUciE00_Q?si=noK2JAY2c-ipjCz8

 

다닐 샤프란

다닐 보리스소비치 샤프란(러시아어: Даниил Борисович Шафран, 1923년 1월 13일 – 1997년 2월 7일)은 소련 러시아의 첼리스트였다.

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약력

초기 생애

다닐 샤프란은 1923년 페트로그라드(후에 레닌그라드, 그리고 상트페테르부르크)에서 유대인 가정에서 태어났다. 태어나기 전부터 그는 음악에 둘러싸여 있었다. 그의 부모님은 그가 태어났을 때 음악을 전공하고 있었다. [1] 그의 아버지 보리스 샤프란은 레닌그라드 필하모닉 오케스트라의 수석 첼리스트가 되었고, 어머니 프리다 모이세예브나는 피아니스트였다. 그는 어머니가 진통을 시작하자 아버지가 리사이틀을 준비하며 하이든의 D장조 협주곡 구절을 연습하고 있었고, 어려운 기술적 구절을 익힐 때까지 병원에 가는 것을 꺼렸다고 회상했다. [1]

샤프란은 처음에 오랫동안 간청해온 아버지에게 배웠다. [2] 여덟 살 반 때, "아버지는 작은 첼로를 들고 나를 만났다.' 첼로를 사줬어'라고 그는 울었다. '앉아서 공부를 시작하자'". [1] 그의 아버지는 진지한 음악가이자 엄격한 교사였으며[1] 1년 반 동안 그의 지도 아래 샤프란은 평생 지켜온 많은 가치들, 즉 부지런하고 규칙적인 연습과 최고의 목표를 향해 나아가는 것의 중요성을 받아들였다. [3] 중요한 원칙은 기술적 장애물을 극복하고 작업의 요구를 훨씬 뛰어넘는 연주법을 배우는 것이었으며, 샤프란은 "연습할 때 나 자신에게 무자비하게 엄격해지는" 법을 배웠다. [1]

그가 열 살 때[1](다른 자료에서는 여덟 살[3]라고도 한다), 아버지는 그를 레닌그라드 음악원 교수였던 알렉산더 슈트리머(1888–1961)에게 데려가 수업을 받았다. 처음에는 슈트리머가 가르치는 어린이 특별 음악학교에서 시작했고, 이후 음악원 자체에서 샤프란이 10명의 재능 있는 아이들 중 한 명으로 선발되었습니다. [3] 샤프란은 10년 넘게(20대 초반까지) 스트리머와 함께 일했다. 아버지는 그의 진보에 대해 "교육 윤리"에 있어 올바르지 않을 만큼 적극적으로 관심을 기울였지만,[1] 그는 다른 스승을 받지 않았으며, "내 경험과 음악가 동료들과의 교류는 모두 나에게 '두 번째 스승'이었다"고 말했다. [1]

샤프란의 첫 공개 연주는 10세 때 음악원 콘서트 중 하나에서 열렸으며, 그곳에서 그는 데이비드 포퍼의 기술적으로 까다로운 두 곡인 '스피닝 송'과 '엘펜탄츠'를 연주했다. [3] 그의 오케스트라 데뷔는 11세 해로, 방문한 영국 지휘자 알버트 코츠가 지휘하는 레닌그라드 필하모닉 오케스트라와 함께 차이콥스키의 로코코 변주곡을 연주했을 때였다.

14세에 샤프란은 1937년 소련 전연합 바이올리니스트와 첼리스트 콩쿠르에 참가했으며, 이는 모든 소련 국가의 젊은 음악가들을 위한 것이었다. 비록 자격 연령 제한에 미치지 못했지만, 비공식 참가자로 참가할 수 있었고[3] 1등 상을 차지했다. 그의 나이, "섬세한 기교와 시적인 외모"는 어느 정도 센세이션을 일으켰으며[4] 샤프란은 전국적인 명성을 얻었다. [3] 샤프란은 또한 상의 일환으로 훌륭한 안토니오 아마티 첼로를 수상했다. [3]

레닌그라드의 음악 활동은 제2차 세계대전으로 큰 타격을 받았다. 러시아 내 여러 활동 중 하나로, 전연합 대회는 7년간 중단되었다. 러시아 전쟁이 끝난 1945년에야 다시 개최되었고, 이번에는 젊은 므스티슬라프 로스트로포비치가 우승했다. 1949년까지 "샤프란의 국가 최고의 젊은 첼리스트로서의 우위는 이제 그보다 4살 어린 로스트로포비치에게 도전받고 있었다." [4] 샤프란과 로스트로포비치는 1949년 부다페스트 민주청년 축제에 출전해 공동 1등을 차지했다. 대회 심사위원인 데이비드 오이스트라흐는 "두 첼리스트 모두 첼로 사운드의 완전한 대가입니다. 그들의 가벼운 기교와 우아한 기교는 많은 바이올리니스트들의 부러움을 사로잡아야 한다"고 말했다.

이듬해 샤프란과 로스트로포비치는 프라하에서 열린 비한 콩쿠르에서 다시 만났는데, 이 대회는 보헤미아 첼리스트 하누스 비한(1850–1920)의 탄생 100주년을 기념하는 행사였다. 하누스 비한은 칼 다비도프의 제자였다. 샤프란은 결승 라운드에서 로코코 변주곡을 연주했는데(본인이 인정한 바로는 성공하지 못했다), 그럼에도 불구하고 샤프란과 로스트로포비치가 공동 수상자였다.

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샤프란이 1950년 음악원을 졸업했을 때 그는 27세였고, 로스트로포비치는 23세였다. 거의 10년 동안 그들은 두 명의 뛰어난 젊은 러시아 첼리스트로 두각을 나타냈다. "두 사람 모두 이미 놀라운 예술성을 이루었지만, 성격적으로는 매우 달랐다. 샤프란의 세심한 표현은 그를 미니어처 형태에서 두드러지게 만들었으며, 그의 시적 감수성과 그가 사용할 수 있는 놀라운 색채 팔레트는 낭만주의와 인상주의적 레퍼토리에 잘 어울렸다." [4] 하지만 대형 작품에서도 음악가의 업적은 결코 그만하지 않았다.

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콘서트 경력

샤프란은 솔리스트로서 경력을 쌓으며 매우 폭넓게 녹음했다. 그의 레퍼토리는 주요 협주곡, 첼로와 피아노를 위한 음악, 그리고 첼로 독주 레퍼토리를 포함했다. 그의 놀라운 고음역 기법 덕분에 원음으로 다양한 바이올린 작품을 연주할 수 있었다. 그는 또한 첼로 레퍼토리를 풍부하게 하고, 다른 악기를 위한 작품을 편곡하고 연주했다. [5] 그러나 그는 소련과 동구권 밖 투어를 거의 하지 않았고, 거의 모든 녹음이 멜로디야 레이블에서 이루어져 국제적 명성은 매우 제한적이었다. [5]

1950년, 샤프란은 모스크바로 이주하여 오랫동안 의지해온 가족과 스승과 헤어졌다. 이 사건은 그에게 예술적 위기를 초래했다. 그의 초기 경력은 스스로 "꽤 힘들었다. 실수를 했지만, 이건 당연한 일이야." [1] 많은 신동들처럼 샤프란도 성숙한 예술가로 성장할 필요가 있었고, 그의 첫 번째 아내이자 리사이틀 파트너인 니나 무시니안은 이 점에서 큰 도움을 주었으며,[3] 과거와 결별하고 실험할 공간을 찾도록 격려했다.

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그의 초기 콘서트와 녹음들은 그의 위상을 보여줍니다. 그의 첫 녹음은 14세 때 로코코 변주곡이었다. 1946년에는 루마니아에서 조지 에네스쿠와 함께 피아노 연주를 했다. 1954년에는 작곡가 카발레프스키의 지휘 아래 첼로 협주곡 1번을 녹음했다. 카발레프스키는 깊은 인상을 받아 자신의 첼로 협주곡 2번을 샤프란에게 헌정했고, 샤프란이 초연을 하고 1965년에 첫 녹음을 했다. 1956년에는 작곡가가 피아노를 연주한 쇼스타코비치 첼로 소나타의 "전설적인 녹음"[5]을 남겼다. 그는 "내가 무엇을 요청하거나 제안하든 ... 쇼스타코비치는 한 마디 모두 귀 기울였다... 그리고 새로운 세부사항에도 동의했다... 심지어 악보의 원래 악보와 반대되는 곡들도 포함해서"[4] 쇼스타코비치의 성격뿐만 아니라 샤프란이 자신의 음악적 비전에 대한 자신감을 강조했다. 1962년에는 작곡가의 지휘 아래 하차투리안 첼로 협주곡을 연주했다.

샤프란은 첫 번째 아내이자 피아니스트인 니나 무시니안과 함께 여러 차례 콘서트 투어와 녹음을 진행했다. 이후 그는 피아니스트 안톤 긴즈버그와 오랜 기간 파트너십을 맺었다.

샤프란의 미국 데뷔는 1960년 카네기 홀에서 열렸으며, 그 자리에서 그는 스승의 형제인 오십 슈트리머를 만났다. [1] 그의 영국 초연은 1964년에야 위그모어 홀과 로열 페스티벌 홀에서 열린 콘서트였다. [2] 그는 일본을 여러 차례 방문했고, 호주를 순회했다. 베를린 장벽이 무너질 무렵, 샤프란의 콘서트 경력은 거의 끝나가고 있었다.

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해석과 기법

샤프란은 시적이고 진실된 음악 연주 방식을 지녔다. 그의 비브라토, 프레이징, 그리고 뛰어난 기교는 그의 독특하고 열정적인 연주에 더해졌다. 그의 스타일의 특징은 바로크 악기에서는 드문 독특한 풍부한 음색, 무한한 음악적 자유, 그리고 흠잡을 데 없는 기교 능력이었다.

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샤프란은 자신을 모스크바가 아닌 레닌그라드(레닌그라드) 전통의 산물로 보았으며, "기술적인 부분에 큰 중요성을 두었지만, 해석에 더 많은 주의를 기울여 작품의 양식적 다양성을 드러내고 제자의 예술적 성향을 발전시켰다"고 보았다. 체계적이고 규율 있는 연습이 그의 연주의 기초였다. "소수의 현악기 연주자들은 끊임없는 연습 없이도 해낼 수 있지만, 나는 그런 사람이 아니라고 인정한다"고 그는 말했다. 매일 약 15분간 느린 칸틸레나 곡으로 시작했는데, 이는 음색의 아름다움을 위한 "반사 신경을 새롭게 하기 위해" 했습니다. [1] 아버지에게서 곡을 두 배 속도로 연주하는 법을 배워 모든 기술적 도전을 충족시켰다. [1] "나는 멈추지 않고 일하고 인내해야 한다. 그리고 기구 조절의 어느 부분이 흐트러지는 느낌이 들면, 즉시 그 상황을 바로잡기 위한 운동을 시작합니다. 왼손은... 나는 모든 손가락으로 지판을 넘으며 정확한 음정과 순수한 음색을 추구한다." 음색 조절을 발전시키기 위해 그는 라흐마니노프의 '보컬라이즈' 같은 중간 난이도의 곡을 A현 대신 C현 높은 음으로 연주했다. [1]

뛰어난 기술적 숙련도를 지녔음에도 불구하고, 샤프란은 기술을 목적이 아닌 수단으로 보았다. 그는 데이비드 오이스트라흐의 조언을 따랐다. "일상 12곡에 명곡을 포함하라: 청중은 그것을 보상으로 좋아한다"고 했고, "첼로 기교의 정점에 도달하고자 하는 이들을 위한 옛 명작 연습을 강력히 권장한다"고 했지만, 자신에게는 무엇보다 자신의 음악이 진실되어야 한다고 느꼈으며, 큰 표현력을 지닌 '장조 음악'에 집중하고자 했다. [1] "나는 명백히 열등하거나 '싸구려'인 음악을 혐오하고 피한다. 즉각적으로 흥미를 느끼지 못하는 작품을 접할 때면, 저는 항상 그 페이지 속에 숨겨진 무언가를 발견하려고 합니다. 작품이 깊이나 표현력이 부족해 보일 때면, 저는 제 열정과 상상력으로 이를 보완하고, 음악의 전반적인 성격에 기반한 극작적 요소를 찾아냅니다.

샤프란은 자신과 파트너들에게 무자비하게 엄격했다: "첫 음부터 마지막 음까지, 나는 파트너의 연주가 내 의도를 방해하는 것을 허락할 수 없다"고 했지만, 독단적이지는 않았다: "아름답게 들리고, 예술적으로 정당화된다면 모든 것이 허용된다"고 했다. [

그는 손가락 사용이 엄격하거나 독단적이어서는 안 되며, 작품의 내용과 표현력을 끌어내는 데 종속되어야 한다고 생각했다. 연주자가 여러 운지 조합 중에서 선택할 수 있다는 점을 언급하며, "선택은 각자의 손 구조, 신축, 손가락 길이, 유연성 등에 맞춰져야 하며, 악기 자체도 고려해야 한다"고 말했습니다. 그는 자주 '혁명적인' 손가락 사용법을 사용했는데, 이는 '모든 손가락이 잘 훈련되고 순종적이었기 때문'이었다. [1]

그는 여러 독특한 기술적 특징을 개발했다. 그는 첼로 전반에 걸쳐 엄지와 네 번째 손가락을 광범위하게 사용했으며, 그의 큰 손과 항상 연주하던 작은 아마티 첼로를 결합해 엄지와 셋째 손가락, 그리고 첫 번째와 네 번째 손가락 사이에서 매우 큰 스트레칭과 옥타브를 연주할 수 있었습니다. [1] 그의 비브라토 음역은 매우 넓었으며, 섬세하고 바이올린 같은 소리부터 독특한 넓고 맥동하며 오페라틱한 맥박까지 다양했다. 그는 매우 가벼운 스타카토와 스피카토를 구현했고, 대부분의 첼리스트보다 팁의 활을 훨씬 더 많이 사용해 아름다운 은빛 소리를 냈으며, 머리카락을 느슨하게 하는 것을 좋아했다. [3] 그의 활 연주는 바이올리니스트처럼 매우 가볍고 노력 없이 매우 강렬하게 연주했다.

공연에서 그의 스타일은 개성적이었다. 그는 정복을 입고, 이례적으로 높은 의자 앞에 앉아 약간 높게 올라간 무대에 앉아 눈을 감고 연주했다. ] 그의 콘서트 준비 의식에는 이른 아침 연습, 식사, 휴식, 정신적 준비가 포함되었다. [1]

첼리스트 스티븐 이서리스는 "첼리스트이자 음악가로서 샤프란은 누구와도 달랐다."고 요약했다. 다양한 매체 덕분에 음악 스타일이 융합되는 시기에도, 샤프란의 목소리는 여전히 분리되어 있었다. 그의 비브라토, 프레이징, 리듬 모두 독특한 전체에 속했다; 그의 놀라운 기량은 위대한 러시아 민속 가수의 열정, 단순함, 시적 특성을 유지한 음악적 개성을 전달했다. 그는 한 음도 부정하게 연주할 수 없었으며; 그의 음악은 영혼에서 우러나온 말이었다." [6]

피아니스트 스비아토슬라프 리히터는 이렇게 말했다:[7]"첼리스트 다닐 샤프란과의 짧은 교류는 나에게 큰 즐거움을 주지 못했다. 그는 독특한 음색을 가진 훌륭한 첼리스트였지만, 연주할 때마다 항상 흥미로운 고음을 붙잡고 매력적인 소리를 낼 수 있는 순간만을 생각하는 인상을 받았다. 그는 또한 긴장감에 시달렸다. 나는 1951년에 그와 함께 연주를 중단했고, 그는 그리골리 긴즈부르크와 합류했다... 음악가로서, 첼리스트는 아니더라도 로스트로포비치는 비교할 수 없을 만큼 더 흥미로웠고, 훨씬 더 위상의 예술가였다. 그는 그를 완전히 압도했어."

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샤프란의 아마티 첼로

주요 첼리스트 치고는 드물게, 샤프란은 평생 같은 악기를 연주했다. 그는 14세 때 획득한 안토니오 아마티 첼로와 끊을 수 없는 유대감을 형성했고, 항상 그 첼로를 연주했다.

첼로는 1630년에 제작된 것으로 알려져 있습니다. 안토니오 아마티(안드레아 아마티의 아들이자 두 형제 중 장남)의 정확한 연대는 확실하지 않으며, 1540년부터 1607년, 1555년부터 1640년 사이에 다양하게 보고되었다. 코지오와 같은 자료에 따르면 안토니오 아마티의 전체 경력은 1588년부터 1628년까지였다. [8] 모든 평가에 따르면 이 악기는 훌륭한 악기이지만, 실제로는 다소 작다. "아무리 훌륭해도 아마티가 자신의 경력 정점에 있는 첼리스트로서 충분히 강력한지에 대한 의문이 제기되었다. 그 시기의 바로크 악기는 보통 후대의 거장의 힘을 갖지 못했다." [3] 하지만 샤프란의 녹음은 아마티가 힘이 부족하다는 암시를 전혀 제공하지 않는다. [3] 반면, 현재까지 남아 있는 아마티 악기는 넥이 더 높은 브릿지를 허용하도록 재조립되었으며, 이러한 변경은 악기에 더 큰 운반력과 원래 바로크 세팅보다 더 밝고 날카로운 소리를 부여할 것입니다. 금속 줄을 고장력으로 사용하면 더 밝은 소리를 낼 수 있습니다.

때때로 놀라울 정도로 개성 있는 운지로 알려진 샤프란은 이 손가락들이 자신의 손에만 적용된다고 부인했다: "일반적인 스트레칭을 가진 첼리스트라면 표준 크기 첼로에서 내 운지법을 사용할 수 있지만, 물론 손가락 스트레치가 작은 첼리스트에게는 더 어려울 것이다."

다닐 샤프란은 1997년 2월 7일 모스크바에서 74세의 나이로 사망했다. 1997년 9월, 그의 미망인 스베틀라나 샤프란이 아마티 첼로를 글린카 박물관에 기증했다.