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스타바트 마테르
스타밧 마테르
무료 백과사전인 Wikipedia에서 발췌
Stabat Mater는 성모 마리아에 대한 13 세기 기독교 찬송가로, 아들 예수 그리스도가 십자가에 못 박히는 동안 어머니로서의 고통을 묘사합니다. 이 책의 저자는 프란체스코 수사 야코포네 다 토디 (Jacopone da Todi) 또는 교황 인노첸시오 3 세 (Pope Innocent III) 일 수 있습니다.] 제목은 "슬픔에 잠긴 어머니가 서 있었다"를 의미하는 첫 번째 줄인 "Stabat Mater dolorosa"에서 유래했습니다.
이 찬송가는 슬픔의 성모 기념 전례에서 불립니다. Stabat Mater는 많은 서양 작곡가들에 의해 음악으로 설정되었습니다.
날짜
Stabat Mater는 종종 Jacopone da Todi (ca. 1230-1306)에 기인하지만, 볼로냐의 도미니카 수녀 (Museo Civico Medievale MS 518, fo. 200v-04r).
Stabat Mater는 14 세기 말까지 잘 알려졌으며 Georgius Stella는 1388 년에 그 사용에 대해 썼으며 다른 역사가들은 같은 세기 후반에 그 사용에 주목합니다. 프로방스 (Provence)에서는 1399 년경에 9 일간의 행렬 중에 사용되었습니다.
전례 순서로서, Stabat Mater는 트리엔트 공의회에 의해 수백 개의 다른 순서와 함께 억압되었지만, 1727 년 교황 베네딕토 13 세에 의해 축복받은 동정 마리아의 일곱 돌루 축일을 위해 미사경본으로 복원되었습니다.
텍스트 및 번역
Stabat Mater (Canto Llano) (Remastered)
Giovanni Battista Pergolesi
Stabat Mater (Stabat Mater Dolorosa) (Remastered)
Stabat Mater (Cuius Animam Gementem) (Remastered)
Stabat Mater (O Quam Tristis et Afflicta) (Remastered)
Stabat Mater (Quae Moerebat et Dolebat) (Remastered)
Stabat Mater (Quis Est Homo) (Remastered)
Stabat Mater (Vidit Suum Dulcem Natum) (Remastered)
Stabat Mater (Eia Mater, Fons Amoris) (Remastered)
Stabat Mater (Fac, Ut Ardeat Cor Meum) (Remastered)
Stabat Mater (Sancta Mater, Istud Agas) (Remastered)
Stabat Mater (Fac, Ut Portem Christi Mortem) (Remastered)
Stabat Mater (Inflammatus et Accensus) (Remastered)
Stabat Mater (Quando Corpus Morietur) (Remastered)
Stabat Mater (Stabat Mater, Intonation) (Remastered)
Stabat Mater (Stabat Mater,Three voices) (Remastered)
조반니 바티스타 페르골레시
조반니 바티스타 페르골레시(이탈리아어: Giovanni Battista Pergolesi, 1710년 1월 4일 ~ 1736년 3월 16일)은 이탈리아의 작곡가이자 바이올린 연주자, 오르간 연주자였다. 그는 장중한 바로크 음악양식으로부터 명쾌한 고전파양식으로 전환하는 시기에 활약하고 26세의 나이로 단명한 천재적 작곡가로 오페라 부파 초기의 중요한 작곡가 중 한 사람으로 평가된다.
생애
중부 이탈리아 출신으로 소년 시대에 현저한 재능을 보였기 때문에 영주의 경제적 원조를 얻어 나폴리에서 본격적으로 음악을 배웠다. 그는 바이올린에 뛰어났으며 특히 교사들이 감탄해 마지않는 즉흥 연주 솜씨를 지니고 있었다. 1731년 21세로 음악원을 졸업하였다. 오페라 및 종교음악의 작곡가로서 데뷔했으나 그 뒤 불과 5년간 작곡가로 활약한 데 지나지 않았다. 한동안 나폴리 귀족의 악장으로 일했으나 그 동안 나폴리의 오페라 극장에도 진출하여 1733년에 발표한 막간극(幕間劇) <마님이 된 하녀>의 성공으로 페르골레시의 이름은 곧 전 유럽에 알려지게 되었다. 그가 죽은 후 파리에서 상연된 <마님이 된 하녀>가 루소를 중심으로 이른바 '부퐁 논쟁'을 야기시킨 일은 유명하다. 1734년 2월, 24세의 젊은 나이로 나폴리시의 예배당 악장 대리에 취임했다. 그러나 1735년경부터 지병(持病)인 폐병이 악화되어 다음해 2월 의사의 권유로 전지요양을 떠났으나 3월 16일 26세라는 젊은 나이에 세상을 떠났다. 그의 작풍은 장대한 구성력이 부족다는 평이 있지만 멜로디의 매끄러움, 신선한 아름다움과 풍부한 화성의 뉘앙스, 그리고 섬세함으로 걸출하다. 특히 성악의 텍스처(書法)는 광채를 느낄 수 있다.
그의 일생일대의 걸작일 뿐만 아니라 18세기 후반에 볼 수 있는 오페라 부파의 전성 계기를 만든 역사적 작품이다. 등장 인물은 불과 세 사람이고 게다가 한 사람은 벙어리여서 전혀 노래를 하지 못한다. 오케스트라도 현악기만으로 된 소규모이다. 전부가 2막으로 되었다. 나폴리의 부호 우베르트는 하녀인 세르피나가 너무나 횡포를 부려, 결혼하여 세르피나를 내보내려고 결혼상대를 구해 오라고 세르피나에게 명령한다. 세르피나는 한 계략을 생각하여, 벙어리 하인 베스포네의 힘을 빌려 멋지게 우베르트의 부인으로 들어앉는다는 줄거리이다.
작품
실내악
| 조반니 바티스타 페르골레시 : 살베 레지나 C단조 (2) | 2025.03.08 |
|---|---|
| 조반니 바티스타 페르골레시 : Stabat Mater 스타밧 마테르(성모의 슬픔) (1) | 2025.03.07 |
| 클라라 슈만: 피아노 작품 전곡 (3) | 2025.03.05 |
| 슈만 : 피아노 협주곡, 소개 및 알레그로 Appassionato, 그리고 Waldszenen (8) | 2025.03.04 |
| 클라라 슈만 : 3 로맨스, Op.22 (슈만, 클라라) (0) | 2025.03.03 |
3 Romances, Op. 11: No. 2, Andante - Allegro passionato
3 Romances, Op. 11: No. 3, Moderato - Animato
4 Pièces fugitives, Op. 15: No. 1, Larghetto
4 Pièces fugitives, Op. 15: No. 2, Un poco agitato
4 Pièces fugitives, Op. 15: No. 3, Andante espressivo
4 Pièces fugitives, Op. 15: No. 4, Scherzo
3 Romances, Op. 21: No. 1, Andante
3 Romances, Op. 21: No. 2, Allegretto
3 Romances, Op. 21: No. 3, Agitato
Impromptu in E Major
Prelude & Fugue in F-Sharp Minor
Scherzo No. 2 in C Minor, Op. 14
Souvenir de Vienne, Op. 9
Valses romantiques, Op. 4
Variations on a Theme by Robert Schumann, Op. 20
클라라 슈만
클라라 조세핀 슈만 (독일어 : [ˈklaːʁa ˈʃuːman], née Wieck, 1819 년 9 월 13 일 - 1896 년 5 월 20 일)은 독일의 피아니스트, 작곡가, 피아노 교사였습니다. 낭만주의 시대의 가장 저명한 피아니스트 중 한 명으로 꼽히는 그녀는 61년의 연주 경력 동안 영향력을 발휘하여 순수 기교 작품의 중요성을 줄임으로써 피아노 리사이틀의 형식과 레퍼토리를 변경했습니다. 그녀는 또한 피아노 독주곡, 피아노 협주곡, 실내악, 합창곡 및 노래를 작곡했습니다.
그녀는 라이프치히에서 자랐는데, 아버지 프리드리히 비크와 어머니 마리안느는 피아니스트이자 피아노 교사였다. 게다가 그녀의 어머니는 가수였다. 클라라는 어린 시절 신동이었고 아버지에게 훈련을 받았습니다. 그녀는 11 세에 투어를 시작했으며 파리와 비엔나 등 여러 도시에서 성공했습니다. 그녀는 1840년 9월 12일 작곡가 로베르트 슈만과 결혼하여 8명의 자녀를 두었다. 그들은 함께 요하네스 브람스를 격려하고 그와 친밀한 관계를 유지했습니다. 그녀는 남편과 브람스의 많은 작품을 공개 초연했습니다.
로베르트 슈만이 일찍 세상을 떠난 후, 그녀는 바이올리니스트 요제프 요아힘(Joseph Joachim)과 다른 실내악 연주자들과 함께 수십 년 동안 유럽에서 콘서트 투어를 계속했다. 1878년부터 그녀는 프랑크푸르트의 Dr. Hoch's Konservatorium에서 영향력 있는 피아노 교육자로 활동하며 유학생들을 끌어들였습니다. 그녀는 남편의 작품 출판을 편집했습니다. 슈만은 프랑크푸르트에서 죽었지만 남편 곁에 본에 묻혔다.
여러 영화가 슈만의 삶에 초점을 맞췄는데, 가장 초기의 영화는 1944년 작 '꿈꾸는(Träumerei)'이다. 2008년 영화 Geliebte Clara (Beloved Clara)는 헬마 샌더스 브람스가 감독했습니다. 안드레아스 스타우브(Andreas Staub)의 1835년 석판화에 등장하는 클라라 슈만의 이미지는 1989년부터 2002년까지 100 도이치 마르크 지폐에 등장했습니다. 그녀의 작품에 대한 관심은 20세기 후반에 되살아나기 시작했고, 2019년 그녀의 200주년을 맞아 새로운 책과 전시회가 열렸습니다.
생활
유년기
가족
클라라 조세핀 비크는 1819년 9월 13일 라이프치히에서 프리드리히 비크와 그의 아내 마리안느 사이에서 태어났다. 그녀의 어머니는 라이프치히의 유명한 가수였으며 게반트하우스에서 매주 피아노와 소프라노 솔로를 연주했다. 클라라의 부모는 화해할 수 없는 차이점을 가지고 있었는데, 그 이유 중 하나는 클라라의 완고한 성격 때문이었다. 그녀의 어머니와 아버지의 친구인 아돌프 바르지엘 사이의 불륜으로 촉발되어, 윅스 부부는 1825년에 이혼했고, 마리안은 나중에 바르기엘과 결혼했다. 다섯 살의 클라라는 아버지와 함께 살았고, 마리안느와 바르지엘은 결국 베를린으로 이사하여 클라라와 어머니 사이의 연락은 편지 쓰기와 이따금의 방문으로 제한되었다.
신동
클라라의 아버지는 어릴 때부터 클라라의 진로와 인생을 아주 세세한 부분까지 계획했습니다. 그녀는 4살 때부터 어머니로부터 기본적인 피아노 교육을 받기 시작했다. 어머니가 이사를 간 후, 그녀는 아버지로부터 매일 1시간씩 수업을 받기 시작했다. 그 과목에는 피아노, 바이올린, 노래, 이론, 화음, 작곡, 대위법과 같은 과목이 포함되었습니다. 그런 다음 매일 두 시간씩 연습해야 했습니다. 그녀의 아버지는 자신의 저서 Wiecks pianistische Erziehung zum schönen Anschlag und zum singenden Ton("섬세한 터치와 노래하는 소리를 위한 Wieck의 피아노 교육")에 나오는 방법을 따랐습니다. 그녀의 음악 공부는 아버지의 가족 통제 하에 종교와 언어를 공부했지만 그녀의 광범위한 일반 교육을 주로 희생했습니다.
클라라 비크는 1828년 10월 28일 9세의 나이로 라이프치히의 게반트하우스에서 공식 데뷔했다. 같은 해, 그녀는 콜디츠 성의 정신 병원 원장인 에른스트 카루스의 라이프치히 자택에서 공연했다. 그곳에서 그녀는 음악의 밤 모임에 초대받은 또 다른 재능 있는 젊은 피아니스트 로베르트 슈만을 만났는데, 그는 아홉 살 위였다. 슈만은 클라라의 연주에 너무나 감탄한 나머지 그에게 그다지 흥미를 느끼지 못했던 법학 공부를 그만두고 클라라의 아버지에게 음악 수업을 받을 수 있도록 어머니에게 허락을 구했다. 레슨을 받는 동안, 그는 비에크 집의 방을 빌려서 약 1년 동안 머물렀다.
1831년 9월부터 1832년 4월까지 클라라는 아버지와 함께 파리와 다른 유럽 도시들을 여행했다.] 바이마르에서 그녀는 괴테를 위해 앙리 헤르츠(Henri Herz)의 브라부라 작품을 공연했고, 괴테는 그녀에게 그의 초상화와 함께 "재능 있는 예술가 클라라 비크를 위해"라는 메모가 적힌 메달을 선물했습니다. 그 투어 중에 파리에 있던 바이올리니스트 니콜로 파가니니(Niccolò Paganini)가 그녀와 함께 출연하겠다고 제의했다. 그녀의 파리 리사이틀은 콜레라의 발병으로 인해 많은 사람들이 도시를 떠났기 때문에 참석률이 저조했습니다. 이 투어는 그녀가 신동에서 젊은 여성 연기자로 변모하는 계기가 되었습니다.
비엔나에서의 성공
1837 년 12 월부터 1838 년 4 월까지 18 세의 나이에 Wieck은 비엔나에서 일련의 독주회를 가졌습니다. 오스트리아를 대표하는 극 시인인 프란츠 그릴파르처는 이 리사이틀 중 하나에서 그녀가 베토벤의 Appassionata 소나타를 연주하는 것을 들은 후 "Clara Wieck and Beethoven"이라는 제목의 시를 썼습니다. 그녀는 매진 관중과 칭찬하는 비평가들의 평론을 위해 공연했습니다. 프란츠 슈베르트의 친구인 베네딕트 란다르팅거(Benedict Randhartinger)는 그녀에게 슈베르트의 '에를쾨니히(Erlkönig)'의 친필 사인본을 주면서 "유명한 예술가 클라라 비크에게"라고 새겼다. 쇼팽은 비크의 연주회를 들으러 온 프란츠 리스트에게 자신의 연주를 설명했고, 이후 파리지앵 레뷔 에 가제트 뮤지컬(Parisian Revue et Gazette Musicale)에 실린 편지에서 그녀를 극찬했고, 이후 라이프치히 저널 Neue Zeitschrift für Musik에 번역으로 실렸다. 3월 15일, 그녀는 오스트리아 최고의 음악적 영예인 Königliche und Kaiserliche Österreichische Kammer-virtuosin ("Royal and Imperial Austrian Chamber Virtuoso")로 선정되었다.
익명의 한 음악 평론가는 그녀의 비엔나 리사이틀에 대해 "이 아티스트의 등장은 획기적인 것으로 간주될 수 있다. 그녀의 창조적인 손에서 가장 평범한 대목, 가장 일상적인 동기는 가장 완벽한 예술성을 가진 사람들만이 줄 수 있는 중요한 의미, 색깔을 획득한다."
지속적인 관계
로베르트 슈만
로베르트 슈만(Robert Schumann)은 비크보다 아홉 살이 조금 더 많았다. 1837년, 그녀가 18살이 되었을 때, 그는 그녀에게 청혼했고 그녀는 받아들였다. 그런 다음 로버트는 아버지에게 결혼을 허락해 달라고 부탁했습니다. 프리드리히는 결혼을 강하게 반대했고, 그의 허락을 거부했다. 로버트와 클라라는 법원에 가서 그를 고소하기로 결정했다. 판사는 1840년 9월 12일 클라라의 21번째 생일 전날인 1840년 9월 12일 쇤펠트 교회에서 성년이 된 결혼식을 허락했다. 그때부터 부부는 함께 생활한 음악에 대한 개인 일기를 공동으로 썼다.
1854년 2월, 로베르트 슈만은 정신이 쇠약해져 자살을 기도했고, 그의 요청에 따라 본 근교의 엔데니히 마을에 있는 요양원에 입원하여 생의 마지막 2년 동안 그곳에서 지냈다. 1854년 3월, 브람스, 요아힘, 알베르트 디트리히, 율리우스 오토 그림은 클라라 슈만과 함께 시간을 보내며 그녀를 위해 음악을 연주했고, 그녀와 함께 비극에서 마음을 돌리기 위해 그녀와 함께 음악을 연주했다. 브람스는 그녀를 위로하기 위해 개인 피아노 곡 몇 곡을 작곡했는데, 네 개의 피아노 곡과 로베르트 슈만의 주제에 대한 변주곡 세트로, 그녀가 1년 전에 Op. 20으로 변주곡을 썼던 곡이다. 브람스의 음악은 출판을 위한 것이 아니라 그녀만을 위한 것이었다. 브람스는 나중에 이 곡들을 익명으로 출판하려 했으나 결국 이 곡들은 그의 네 개의 발라드 작품 10번과 로베르트 슈만의 주제에 의한 변주곡 작품 9번으로 발표되었다. 브람스는 이 변주곡을 두 슈만 모두에게 헌정하면서 로베르트가 곧 석방되어 그의 가족과 재회하기를 바랐다]
로베르트 슈만이 이 학교에 머무는 2년 동안 그의 아내는 그를 방문하는 것이 허락되지 않았지만, 브람스는 정기적으로 그를 방문했다. 로버트가 거의 죽을 지경에 이르렀다는 것이 명백해지자, 그녀는 마침내 그를 만나도 좋다는 허락을 받았다. 그는 그녀를 알아보는 것 같았지만, 몇 마디 말밖에 할 수 없었다. 로베르트 슈만은 이틀 후인 1856년 7월 29일 사망했다.
요제프 요아킴
슈만 부부는 바이올리니스트 요제프 요아힘(Joseph Joachim)이 14살이던 1844년 11월에 처음 만났다. 1년 후, 클라라 슈만은 1845년 11월 11일 연주회에서 "어린 요아킴을 매우 좋아했다. 그는 펠릭스 멘델스존의 새로운 바이올린 협주곡을 연주했는데, 이 곡은 훌륭하다고 합니다." 1853년 5월, 그들은 요아킴이 베토벤의 바이올린 협주곡에서 독주하는 것을 들었다. 그녀는 그가 "피니시, 시적인 감정의 깊이, 모든 음에 영혼을 다해 연주했기 때문에 이상적으로, 나는 그와 같은 바이올린 연주를 들어본 적이 없으며, 어떤 거장으로부터도 그토록 지울 수 없는 인상을 받은 적이 없다고 진정으로 말할 수 있다"고 썼다. 클라라와 요셉 사이에는 변치 않는 우정이 싹텄고, 40년이 넘도록 그 우정은 크든 작든 결코 클라라를 실망시키지 않았으며, 그 충성심은 결코 흔들리지 않았다.
그녀의 경력 동안 슈만은 독일과 영국에서 요아힘과 함께 238회 이상의 콘서트를 가졌는데, 이는 다른 어떤 예술가와도 함께한 것보다 많은 횟수입니다.두 사람은 특히 베토벤의 바이올린 소나타 연주로 유명했다.
요하네스 브람스
1853년 초, 당시 무명이었던 20세의 요하네스 브람스는 요아킴을 만나 매우 호의적인 인상을 남겼다. 브람스는 그로부터 로베르트 슈만을 소개하는 편지를 받았고, 뒤셀도르프에 있는 슈만 가족의 집을 방문했다. 브람스는 슈만을 위해 피아노 독주곡 중 일부를 연주했고, 그들은 깊은 감명을 받았다. 로버트는 브람스를 극찬하는 글을 썼고, 클라라는 일기에 브람스가 "마치 신이 보낸 것 같다"고 썼다.
정신병원에 갇혀 있던 로베르트 슈만의 말년 동안 브람스는 슈만 가문의 존재감이 컸다. 그의 편지에는 클라라에 대한 그의 강한 감정이 담겨 있습니다. 그들의 관계는 우정과 사랑 사이의 어딘가로 해석되었으며 브람스는 여성이자 재능 있는 음악가로서 항상 그녀를 최대한 존경했다.
브람스는 초연 전에 그녀를 위해 교향곡 1번을 연주했다. 그녀는 아다지오에 대한 몇 가지 조언을 해줬고, 그는 그 조언을 마음에 새겼다. 그녀는 교향곡 전체에 대한 감사를 표했지만, 3악장과 4악장의 결말에 대한 불만을 언급했다. 그녀는 1861년 브람스가 작곡한 피아노 독주 작품인 헨델의 변주곡과 주제에 따른 푸가를 포함하여 그의 많은 작품을 대중 앞에서 연주한 최초의 사람이었습니다.
콘서트 투어
클라라 슈만(Clara Schumann)은 1856년 4월에 처음으로 영국을 여행했는데, 당시 남편은 아직 살아 있었지만 여행할 수 없었다. 그녀는 로버트의 절친한 친구인 지휘자 윌리엄 스턴데일 베넷의 런던 필하모닉 소사이어티 연주회에 초대되었다. 그녀는 리허설에 소요되는 시간이 거의 없는 것에 대해 불만을 나타냈다: "여기서는 한 곡이 연주되면 리허설이라고 부른다." 그는 영국의 음악 "예술가들"이 "열등한 사람으로 취급받는 것을 허용한다"고 썼다. 하지만 그녀는 첼리스트 알프레도 피아티(Alfredo Piatti)가 "전에는 듣지 못했던 음색, 대담함, 확신"으로 연주하는 것을 듣고 행복해했다. 1856년 5월, 그녀는 윌드 박사가 지휘하는 뉴 필하모닉 소사이어티 ]에서 로베르트 슈만의 피아노 협주곡 A단조를 연주했는데, 그녀의 말에 따르면 윌드는 "끔찍한 리허설을 이끌었고" "마지막 악장의 리듬을 이해할 수 없었다"고 말했다. 그럼에도 불구하고 그녀는 다음 해에 런던으로 돌아와 그 후 15 년 동안 영국에서 공연을 계속했습니다.
1857년 10월에서 11월 사이, 슈만과 요아힘은 드레스덴과 라이프치히로 리사이틀 투어를 떠났다. 1858년에 문을 연 런던의 세인트 제임스 홀은 실내악의 "대중 콘서트" 시리즈를 개최했습니다. 요아킴은 1866년부터 매년 런던을 방문했다. 슈만은 또한 요아킴과 유명한 이탈리아 첼리스트 카를로 알프레도 피아티와 함께 런던에서 파퓰러 콘서트에 참여하며 수년을 보냈다. 제2바이올리니스트 루이 리스(작곡가 페르디난트 리스의 조카)와 비올리스트 J. B. 제르비니는 보통 같은 연주회 프로그램에서 연주했다. 저명한 극작가이자 음악 평론가인 조지 버나드 쇼(George Bernard Shaw)는 대중 콘서트가 영국의 음악 취향을 전파하고 계몽하는 데 크게 도움이 되었다고 썼습니다.
1867년 1월, 슈만은 요아힘, 피아티, 리스, 제르비니와 함께 에든버러와 스코틀랜드 글래스고를 여행했다. 영국의 한 오페라 극단의 가수이자 매니저인 루이자 파인과 수잔나 파인이라는 두 자매와 손더스라는 남자가 모든 준비를 했습니다. 그녀는 큰딸 마리와 동행했는데, 마리는 맨체스터에서 친구 로잘리 레저에게 보낸 편지에서 에든버러에서 피아니스트가 "폭풍 같은 박수갈채를 받았고 앙코르를 해야 했으며, 요아힘도 마찬가지였다"고 썼다. 피아티 역시 항상 엄청난 사랑을 받고 있다"고 말했다. 마리는 또한 이렇게 썼다: "더 긴 여행을 위해 우리는 안락의자와 소파가 편안하게 비치된 세단[자동차]을 가지고 있었다. 여행 ... 매우 편안했습니다." 이 경우 음악가들은 "열등한 사람으로 취급"되지 않았습니다.
후기 생애
콘서트
슈만은 1870년대와 1880년대에도 여전히 활발하게 연주했다. 그녀는 이 수십 년 동안 독일 전역에서 광범위하고 정기적으로 공연을 했으며 오스트리아, 헝가리, 벨기에, 네덜란드, 스위스에서 계약을 맺었습니다. 스위스 바젤에 있을 때는 종종 폰 데어 뮐 가족과 함께 지냈다. 그녀는 1865 년에서 1888 년 사이에 16 회를 공연했으며 종종 바이올리니스트 요아힘과 함께 영국에서의 겨울 및 봄 콘서트 투어를 계속했습니다.
그녀는 1874 년 1 월부터 콘서트 공연을 쉬었고 팔 부상으로 인해 평소 영국 투어를 취소했습니다. 7월에 그녀는 의사와 상담했고, 의사는 팔을 마사지한 후 하루에 한 시간만 연습하라고 조언했습니다. ] 그녀는 1875 년 3 월에 콘서트 무대로 돌아 오기 전에 그 해의 나머지 기간 동안 휴식을 취했습니다. 그녀는 완전히 회복되지 않았고 5월에 다시 팔에 신경통을 겪으며 "팔 때문에 글을 쓸 수 없다"고 보고했습니다.] 1875년 10월, 그녀는 독일에서 또 다른 여행을 시작할 수 있을 만큼 회복되었다.
피아노 독주회, 실내악, 반주 성악 외에도 수녀는 계속해서 오케스트라와 자주 협연했다. 1877년 베를린에서 베토벤 피아노 협주곡 5번을 볼데마르 바르지엘이 지휘하고 어머니의 두 번째 결혼으로 이복동생이 지휘하는 가운데 연주하여 큰 성공을 거두었다.] 1883년, 그녀는 새로 결성된 베를린 필하모닉과 함께 베토벤의 합창 환상곡을 연주했고, 전날 계단에서 넘어져 큰 고통 속에서 다친 손으로 연주했음에도 불구하고 열렬한 찬사를 받았다. 그해 말에 그녀는 요아힘과 함께 베토벤 피아노 협주곡 4번(자신의 카덴차와 함께)을 연주하여 다시 한 번 큰 찬사를 받았습니다.
1885년, 슈만은 다시 한 번 요아힘과 함께 모차르트의 피아노 협주곡 D단조를 지휘하며 자신의 카덴차를 연주했다. 다음 날, 그녀는 바르지엘의 지휘로 남편의 피아노 협주곡을 연주했다. 그녀는 브람스에게 "나는 그 어느 때보다 신선한 연주를 했다고 생각한다"며 "이번 연주회에서 가장 마음에 들었던 것은 수년 동안 그런 기회를 갈망해온 볼데마르에게 연주의 방향을 제시할 수 있었다는 것"이라고 썼다.
그녀는 1891 년 3 월 12 일 프랑크푸르트에서 마지막 공개 연주회를 가졌습니다. 그녀가 연주한 마지막 작품은 하이든의 브람스의 주제에 의한 변주곡으로, 제임스 콰스트와 함께 두 대의 피아노를 위한 버전이었다.
교육
1878년, 슈만은 프랑크푸르트에 새로 생긴 호흐 음악원의 첫 번째 피아노 교사로 임명되었다. 그녀는 슈투트가르트, 하노버, 베를린의 제안 중에서 프랑크푸르트를 선택했는데, 감독인 요아힘 라프가 그녀의 조건을 받아들였기 때문이었다: 그녀는 하루에 1-1/2시간 이상 가르칠 수 없고, 집에서 자유롭게 가르칠 수 있으며, 4개월의 휴가와 겨울에 짧은 투어를 할 수 있는 시간을 가질 수 있었다. 그녀는 딸 Marie와 Eugenie를 염두에 두고 두 명의 조수를 요구했습니다.
그녀는 교수진에서 유일한 여성이었다.] 그녀의 명성은 영국과 미국을 포함한 해외의 학생들을 매료시켰습니다. 그녀는 주로 젊은 여성들로 구성된 고급 학생들만 훈련시켰고, 그녀의 두 딸은 초보자들에게 수업을 가르쳤습니다. 음악 경력을 쌓은 68 명의 알려진 학생들 중에는 Natalia Janotha, Fanny Davies, Nanette Falk, Amina Goodwin, Carl Friedberg, Leonard Borwick, Ilona Eibenschütz, Adelina de Lara, Mary Wurm,] Marie Olson 등이 있습니다그리고 Jane Roeckel. 콘서바토리움은 1878년 그녀의 무대 50주년과 10년 후 60주년을 기념하는 행사를 열었다. 그녀는 1892년까지 교직을 맡았으며 현대 피아노 연주 기술의 향상에 크게 기여했습니다.
죽음
클라라 슈만은 1896년 3월 26일 뇌졸중으로 쓰러졌고, 5월 20일 76세의 나이로 사망했다. 그녀는 자신의 소원에 따라 남편 옆의 Alter Friedhof에있는 Bonn에 묻혔습니다.
가족 생활
로베르트 슈만(Robert Schumann)은 결혼식 날 아내에게 일기장을 주었다. 그의 첫 번째 항목은 가족의 개인 생활, 특히 부부의 자서전, 그리고 예술에 대한 그들의 욕망과 성취에 대한 자서전으로 작용해야 함을 나타냅니다. 그것은 또한 그들의 예술적 노력과 성장의 기록으로 기능했습니다. 수녀는 여러 차례의 일기에서 알 수 있듯이 공동 일기의 배치를 온전히 받아들였다. 이는 남편에 대한 그녀의 충실한 사랑을 보여주며, 비록 이 평생의 목표에는 위험이 따랐지만 예술적으로 두 개의 삶을 하나로 결합하려는 열망이 담겨 있습니다.
부부는 가정 생활과 직업 모두에서 공동 파트너로 남았습니다. 그녀는 피아노 독주곡부터 그의 오케스트라 작품의 피아노 버전에 이르기까지 그의 많은 작품을 초연했습니다.
수녀는 종종 재정과 전반적인 집안 일을 담당했다. 그녀의 책임 중 일부는 콘서트를 열어 돈을 버는 것을 포함했지만, 그녀는 수입뿐만 아니라 훈련과 천성적으로 예술가였기 때문에 평생 동안 연주를 계속했습니다. 가족의 의무에 대한 부담은 시간이 지남에 따라 증가했고 예술가로서의 능력을 좁혔습니다. 번창하는 작곡가의 아내로서 그녀는 자신의 탐구에 한계가 있었습니다.
그녀는 가족의 주요 생계부양자였으며 남편이 병원에 입원한 후 사망한 후 유일한 생계를 책임졌습니다. 수녀는 연주회를 열고 가르쳤으며, 자신의 연주회 순회공연을 조직하는 대부분의 일을 도맡아 했다. 그녀는 가정부와 요리사를 고용하여 그녀가 장기 여행으로 집을 비우는 동안 집을 지켰습니다.
클라라와 로베르트 슈만은 여덟 명의 자녀를 두었다:
그녀의 삶은 비극으로 점철되어 있었다. 그녀의 남편은 정신적 붕괴 후 영구적으로 시설에 수용되었다. 그녀의 장남 루드비히는 아버지처럼 정신 질환을 앓았고, 그녀의 말에 따르면 결국 시설에 "생매장"되어야 했다. 그녀는 나중에 청각 장애인이 되어 종종 휠체어가 필요하게 되었습니다. 그녀의 남편뿐만 아니라 네 명의 자녀도 그녀를 죽였습니다. 그들의 첫째 아들 에밀은 1847년에 겨우 1살의 나이로 사망했다. 그들의 딸 줄리는 1872년에 죽었고, 겨우 2살과 7살의 두 어린 자녀를 남겨두고 할머니가 키웠다. 1879년, 아들 펠릭스가 24세의 나이로 사망했다. 1891년, 아들 페르디난트가 41세의 나이로 사망하자 자녀들은 그녀에게 맡겨졌다.
그들의 맏이인 마리는 가정의 요리사 일을 맡아 어머니에게 큰 도움과 지원을 아끼지 않았다. 마리는 또한 브람스로부터 받은 편지를 계속 불태우는 것을 어머니가 말리게 했다. 아버지가 죽었을 때 너무 어려서 아버지를 기억하지 못했던 또 다른 딸 유제니는 1925년에 출간된 회고록(Erinnerungen)이라는 책을 써서 부모님과 브람스를 망라했다.
슈만은 1849년 드레스덴에서 일어난 5월 항쟁에서 아이들을 폭력으로부터 구한 것으로 유명하다. 5월 3일 저녁, 로베르트와 클라라는 작센의 왕 프리드리히 아우구스투스 2세가 "독일 연방을 위한 헌법"을 받아들이지 않았다는 이유로 저항하는 혁명이 드레스덴에 도착했다는 소식을 들었다. 대부분의 가족들은 그곳을 떠나 "동네 보안 여단"에 숨었지만, 5월 7일, 그녀는 하녀와 함께 남겨진 세 자녀를 구하기 위해 용감하게 드레스덴으로 돌아갔고, 그녀와 대치한 무장 괴한들을 물리치고 다시 위험 지역을 통해 도시를 빠져나갔다.
음악
공연 레퍼토리
생전에 슈만은 국제적으로 유명한 콘서트 피아니스트였습니다. 1831 년에서 1889 년 사이에 유럽 전역에서 공연 한 1,300 개 이상의 콘서트 프로그램이 보존되어 있습니다. 그녀는 남편과 브람스, 쇼팽, 멘델스존과 같은 다른 동시대 예술가들의 작품을 옹호했습니다.
슈만 부부는 쇼팽의 팬이었으며, 특히 쇼팽의 변주곡 "Là ci darem la mano"를 좋아했고, 쇼팽이 직접 이 곡을 연주했다. 그녀가 14살, 미래의 남편이 23살이 되었을 때, 그는 그녀에게 편지를 썼다.
내일 정확히 11시에 나는 쇼팽의 변주곡 중 아다지오를 연주할 것이고, 동시에 나는 너를 아주 열심히, 오로지 너만을 생각할 것이다. 이제 제가 요청하고자 하는 것은 여러분도 그렇게 하여 우리가 영으로 서로를 보고 만날 수 있도록 하는 것입니다.
- 로베르트 슈만(Robert Schumann)
어린 시절 그녀의 레퍼토리는 아버지가 선택한 프리드리히 칼크브레너, 아돌프 폰 헨젤트, 지기스몬드 탈베르크, 앙리 헤르츠, 요한 페터 픽시스, 칼 체르니의 작품과 그녀의 자작곡으로 화려하고 당시에 흔한 스타일이었습니다. 그녀는 도메니코 스카를라티와 요한 제바스티안 바흐와 같은 바로크 작곡가들의 작곡을 포함시켰지만, 특히 쇼팽, 멘델스존, 그리고 그녀의 남편의 현대 음악을 연주했는데, 그들의 음악은 1850년대까지 인기를 얻지 못했다.
1835년, 그녀는 멘델스존이 지휘하는 라이프치히 게반트하우스 오케스트라와 함께 피아노 협주곡 A단조를 연주했다. 1845년 12월 4일, 그녀는 드레스덴에서 로베르트 슈만의 피아노 협주곡을 초연했다.] 브람스의 조언에 따라 그녀는 하노버 궁정과 라이프치히에서 모차르트의 피아노 협주곡 C단조를 연주했다.
아라벨라 고다드와 함께 그녀는 베토벤의 함머클라비어 소나타를 대중 앞에서 연주한 최초의 여성 피아니스트 중 한 명으로, 1856년 이전에 두 차례에 걸쳐 연주했다. [69] 연기자로서 가장 바쁜 시기는 남편이 사망한 후인 1856년에서 1873년 사이였다. [65] 이 기간 동안 그녀는 영국에서 연주자로서 성공을 거두었으며, 1865년 베토벤의 피아노 협주곡 G 장조를 연주하여 엄청난 박수를 받았습니다. 실내악 연주자로서 그녀는 종종 바이올리니스트 요아힘과 함께 연주회를 열었다. 그녀의 후기 경력에서 그녀는 리사이틀에서 거짓말쟁이 가수들과 자주 동행했습니다.
작곡
더 보기: 클라라 슈만의 작곡 목록
아버지가 그녀에게 준 광범위한 음악 교육의 일환으로 클라라 윅은 작곡을 배웠고, 어린 시절부터 중년에 이르기까지 훌륭한 작품을 만들었습니다. 클라라는 "작곡은 나에게 큰 기쁨을 준다"고 썼다. 창조의 기쁨을 능가하는 것은 아무것도 없는데, 그 이유는 그것을 통해 소리의 세계에 살 때 자기 망각의 시간을 얻기 때문입니다." 그녀의 Op. 1은 1831년에 작곡된 Quatre Polonaises pour le pianoforte와 1836년에 작곡된 Op. 5 4 Pièces caractéristiques로, 모두 그녀의 리사이틀을 위한 피아노 곡입니다. 그녀는 14세에 미래의 남편의 도움을 받아 피아노 협주곡 A단조를 썼다. 그녀는 두 번째 피아노 협주곡을 계획했지만, 1847년에 작곡된 콘체르차츠 F단조만이 살아남았다.
결혼 후 그녀는 가곡과 합창 작품으로 눈을 돌렸다. 이 부부는 1841년 프리드리히 뤼케르트(Friedrich Rückert)의 시집 '사랑의 봄(Liebesfrühling)'을 작곡하고 발표했는데, 이 작품은 프리드리히 뤼케르트의 작품 12번과 작품 37번을 배경으로 한다. [6] 그녀의 실내악 작품으로는 남편의 생일에서 영감을 받은 피아노 트리오 G단조, Op. 17(1846)과 바이올린과 피아노를 위한 세 개의 로맨스, Op. 22(1853) 등이 있다. 그들은 하노버의 조지 5 세를 위해 공연 한 요아킴에게 헌정되었으며, 그는 그것들을 "놀랍고 천상의 즐거움"이라고 선언했습니다.
나이가 들면서 그녀는 인생의 다른 책임에 더 몰두하게 되었고 규칙적으로 작곡하는 것이 어렵다는 것을 알게 되어 "나는 한때 나에게 창의적인 재능이 있다고 믿었지만 이 생각을 포기했습니다. 여성은 작곡을 갈망해서는 안 된다 – 아직까지 작곡을 할 수 있는 여성은 없었다. 내가 그 사람이 될 것을 기대해야 하는가?" 그녀의 남편 역시 그녀의 작곡 결과물에 미치는 영향에 대해 우려를 표명했다.
클라라는 일련의 작은 작품들을 작곡했는데, 이 작품들은 그녀가 이전에 결코 도달하지 못했던 음악적이고 부드러운 독창성을 보여줍니다. 하지만 아이를 낳고, 늘 상상의 영역에서 살아가는 남편을 둔 것은 작곡과 어울리지 않는다. 그녀는 정기적으로 그 일을 할 수 없으며, 나는 그녀가 그것들을 해결하지 못하기 때문에 얼마나 많은 심오한 아이디어들을 잃어버리는지 생각하면 종종 혼란스럽다.
- 로베르트 슈만(Robert Schumann)
그녀는 11살 때부터 매년 1곡에서 8곡까지 작곡을 했는데, 1848년에 작품 제작이 중단되어 그해 남편의 생일을 위해 합창곡만 제작하고 두 번째 피아노 협주곡은 미완성으로 남겼습니다. [31] 이 두 작품은 그녀의 작품 18과 19를 위해 예약되었지만 출판되지 않았습니다. 그러나 5년 후인 1853년 34세가 되던 해, 브람스를 만난 해에 그녀는 열띤 작곡에 몰두했고, 그 해 남편의 "Album Leaf"(Op. 99 No. 4)의 피아노 변주곡 모음곡, 피아노 독주와 바이올린과 피아노를 위한 8개의 "로맨스", 그리고 7곡 등 16곡을 완성했다. 이 작품들은 로버트가 수감된 지 1년 후, 그녀의 Op. 20-23으로 출판되었다.
그 후 43년 동안 그녀는 남편과 브람스의 작품을 피아노로 녹음한 것만을 작곡했는데, 그 중에는 로베르트 슈만의 '거짓말쟁이'(1872년 출판사 의뢰)와 1879년 친구의 결혼 기념일을 위해 작곡한 짧은 피아노 듀엣 등이 있었다. 생의 마지막 해에 그녀는 피아노 학생들을 위해 고안된 피아노 전주곡을 위한 몇 가지 스케치를 남겼고, 베토벤과 모차르트 피아노 협주곡 연주를 위한 카덴차도 출판했습니다.
클라라 슈만의 음악은 대부분 다른 사람이 연주한 적이 없으며 1970년대에 관심이 되살아날 때까지 대부분 잊혀졌습니다. 오늘날 그녀의 작곡은 점점 더 많이 연주되고 녹음되고 있습니다.
편집자
슈만은 브람스와 다른 사람들의 도움을 받아 브라이트코프 & 헤르텔(Breitkopf & Härtel) 출판사에서 남편의 작품을 편집하는 권위 있는 편집자였다. 그녀는 또한 1885년 도메니코 스카를라티의 소나타 20곡, 남편의 편지(Jugendbriefe)를 편집했으며, 1886년에는 그의 피아노가 운지법과 기타 지시(Fingersatz und Vortragsbezeichnungen)와 함께 작동한다.
"낭만주의자들의 전쟁"
1840년대 초반에 슈만 가문은 프란츠 리스트와 그의 젊은 작곡가 친구들의 작품에 관심을 가졌는데, 이들은 훗날 신 독일 학파로 알려지게 되었지만 1840년대 후반에 두 사람 모두 음악적으로 보수적인 관점과 신념 때문에 리스트에게 공개적으로 적대적이 되었다 클라라는 로버트보다 더 그랬는데, 그녀는 오랫동안 슈만의 결혼 생활에서 더 보수적인 탐미주의자였기 때문이다. 1850년대 중반, 로버트가 쇠퇴한 후, 젊은 브람스가 이 운동에 동참했고 그녀의 이상을 홍보하고 남편의 신념에 대한 공격으로 간주되는 것을 보호하기 위해 그녀와 브람스, 요제프 요아힘은 보수적인 음악가 그룹을 결성했다 로베르트 슈만 (Robert Schumann)의 음악의 유산과 존경에 대한 비판적 이상을 옹호했으며, 그 절정은 베토벤이었습니다.
리스트와 리하르트 바그너가 이끄는 일단의 급진적 진보주의자들(대부분 바이마르 출신)은 이 "낭만주의 전쟁"의 반대편에 서서 베토벤의 그늘 아래 있는 작곡에서 벗어나고자 했지만, 음악이 무엇이었는지에 대한 낡은 형식과 관념을 초월하고 대신 미래를 위한 음악이 무엇인지를 창조하기를 원했다. 바이마르 학파는 프로그램 음악의 아이디어를 장려했지만, 이프치히/베를린 학파의 슈만과 브람스는 음악이 절대적인 음악이어야 하고 오직 절대적인 음악일 수 있다는 입장에 엄격했다. 바그너가 조롱하듯 만든 용어.
클라라 슈만이 리스트를 대할 때 겪었던 어려움 중 하나는 연주 연습에서의 철학적 차이에서 비롯되었다. 그는 예술가가 육체적, 정서적 행위를 통해 관객을 위해 음악을 해석한다고 믿었습니다. 리스트는 공연을 할 때 팔을 휘두르고, 머리를 흔들고, 입술을 오므렸는데,[90] 유럽 전역의 리스트 마니아(Lisztomania)를 불러일으켰고, 이는 100년이 지난 후 비틀즈의 여성 팬들의 비틀매니아(Beatlemania)와 비교되었다. ] 이와는 대조적으로, 클라라는 작곡가의 비전이 청중에게 분명하게 드러날 수 있도록 음악가의 개성을 억제해야 한다고 믿게 되었습니다.
빨치산들은 콘서트에서 공개 시위를 벌이거나, 언론에 명성을 폄하하는 글을 발표하거나, 적들을 당황하게 하기 위해 고안된 기타 공개적인 경멸을 통해 적극적인 캠페인을 이끌었다. 브람스는 1861년 5월 4일 클라라 슈만, 요아힘, 알베르트 디트리히, 볼데마르 바르지엘 등 20명이 서명한 "진지한 음악" 측을 위한 선언문을 발표했는데,[94] 이 선언문은 "미래의 음악"의 공급자들을 "음악의 가장 깊은 정신에 위배되며, 강력히 개탄하고 규탄해야 한다"고 비난했다. 리스트를 중심으로하는 공식 결사체인 뉴 바이마르 클럽은 로베르트 슈만이 창간한 잡지 '음악의 신(Neue Zeitschrift für Musik)'을 기념하는 행사를 그의 출생지인 츠비카우에서 열었고, 그의 미망인 클라라를 포함한 반대 정당의 의원들을 초대하는 것을 눈에 띄게 소홀히 했다. 클라라 슈만은 리스트의 작품 중 어떤 작품도 연주하지 않았고, 리스트의 전집을 출간할 때 리스트의 환상곡 C장조를 연주하는 남편의 헌신을 억눌렀다. 리스트와 리하르트 바그너가 1870년 비엔나에서 열리는 베토벤 100주년 기념 축제에 참가한다는 소식을 들었을 때, 그녀는 참석을 거부했다.
클라라 슈만은 특히 바그너를 신랄하게 비판했는데, 바그너의 탄호이저에 대해 "잔혹 행위에 지쳤다"고 썼고, 로엔그린을 "끔찍하다"고 묘사했으며, 트리스탄과 이졸데를 "내 평생 보거나 들은 것 중 가장 혐오스러운 것"이라고 언급했다. 그녀는 또한 바그너가 남편 멘델스존과 브람스에 대해 "경멸적인" 방식으로 말했다고 불평했다. 바그너는 에세이에서 음악적 보수주의자들을 조롱하면서 그들을 메시아를 기다리는 "음악적 절제 사회"로 묘사했다. 그녀는 안톤 브루크너의 교향곡 7번을 매우 낮게 평가했고, 브람스에게 편지를 써서 "끔찍한 작품"이라고 묘사했다. 브루크너의 교향곡은 고급 화음, 대규모 관현악 및 확장된 시간 규모로 인해 새로운 음악을 대표하는 것으로 여겨졌습니다. 그러나 슈만은 리하르트 슈트라우스의 초기 교향곡 1번 F단조에 더 깊은 인상을 받았다. ] 이것은 슈트라우스가 나중에 유명해진 매우 프로그램적인 음악을 작곡하기 시작하기 전이었습니다.
브람스는 비밀리에 바그너의 음악을 높이 평가했고 나중에는 리스트의 작품도 공개적으로 칭찬했다. 요아킴을 포함한 이 선언문의 지지자들과 서명자들 중 몇몇은 마음을 누그러뜨리고 "반대편"에 합류했다. 논란은 결국 잦아들었지만, 클라라 슈만은 신 독일 학파의 음악에 대한 반대 입장을 굽히지 않았다.
유산
그녀의 생애 동안의 영향
슈만은 사후 수년 동안 작곡가로서 널리 인정받지 못했지만 피아니스트로서 지속적인 영향을 미쳤습니다. 그녀의 아버지로부터 귀로 연주하고 암기하는 훈련을 받은 그녀는 13세 초반부터 기억에 남는 공연을 선보였는데, 그녀의 평론가들은 이 사실을 예외적이라고 지적했다. 그녀는 기억에 남는 연주를 한 최초의 피아니스트 중 한 명으로, 콘서트의 표준이 되었습니다. 그녀는 또한 콘서트 피아니스트에게 기대되는 프로그램의 종류를 바꾸는 데 중요한 역할을 했습니다. 결혼 전의 경력 초기에 그녀는 예술가의 기술을 보여주기 위해 고안된 관습적인 브라부라 곡을 연주했으며, 종종 Thalberg, Herz 또는 Henselt와 같은 거장이 쓴 오페라의 인기있는 주제에 대한 편곡 또는 변형의 형태로 연주했습니다. 자신이 작곡한 곡을 연주하는 것이 관례였기 때문에, 그녀는 벨리니의 주제에 의한 변주곡(Op. 8)과 유명한 스케르초(Op. 10)와 같은 모든 프로그램에 자신의 작품 중 적어도 하나를 포함시켰다. 그러나 그녀가 보다 독립적인 예술가가 되면서 그녀의 레퍼토리는 주로 주요 작곡가의 음악으로 구성되었습니다.
슈만은 표현력과 노래하는 음색을 강조하고 테크닉을 작곡가의 의도에 종속시키는 가르침을 통해 피아니스트들에게 영향을 미쳤습니다. 그녀의 제자 중 한 명인 마틸드 베른(Mathilde Verne)은 그녀의 가르침을 영국으로 옮겨 그곳에서 솔로몬을 가르쳤다. 그녀의 또 다른 제자인 칼 프리드버그(Carl Friedberg)는 이 전통을 미국의 줄리어드 학교로 옮겼는데, 그의 제자로는 니나 시몬(Nina Simone), 말콤 프레이저(Malcolm Frager), 브루스 헝거포드(Bruce Hungerford)가 있었습니다. ]
그녀는 또한 로베르트 슈만 (Robert Schumann)의 작품을 인정받고 감상하며 레퍼토리에 추가하는 데 중요한 역할을했습니다. 그녀는 평생 동안 지칠 줄 모르고 그의 작품을 홍보했습니다.
영화
참고: 영화에 묘사된 작곡가 목록
클라라 슈만(Clara Schumann)은 스크린에서 여러 번 묘사되었습니다. 슈만 영화로 알려진 가장 오래된 작품인 Träumerei(꿈꾸기)는 1944년 5월 3일 츠비카우에서 초연되었습니다. 아마도 가장 잘 알려진 영화는 캐서린 헵번이 클라라 역, 폴 헨레이드가 로버트 역, 로버트 워커가 브람스 역으로 출연한 사랑의 노래(1947)일 것입니다.
1954년, 로레타 영은 시즌 1, 에피소드 26: 클라라 슈만 이야기(1954년 3월 21일 첫 방영)에서 로레타 영 쇼에서 그녀를 연기했으며, 그녀는 셸리 파바레스와 칼턴 G. 영과 함께 조지 네이더가 연기한 남편의 작곡 경력을 지원했습니다.
가장 최근의 독일 영화로는 나스타샤 킨스키가 클라라 역을 맡은 《프륄링신포니》(1983)가 있고.08년작 헬마 샌더스-브람스 감독의 영화 《사랑하는 클라라》(마르티나 게덱이 그녀를 연기한 《사랑하는 클라라》)가 있다.
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Have I Got Blues for You
Snowy White · The White Flames
Headful of Blues
Snowy White & The White Flames - I've Heard It All Before
Where Will You Belong
I Know Our Time Ain't Long
Long Time No C
Emptyhanded
In California
Time to Start Living
Snowy White,백설 공주
테렌스 찰스 "Snowy" White (1948년 3월 3일 출생)는 Thin Lizzy (1980년부터 1982년까지 영구 멤버)와 핑크 플로이드 (1977년부터 1980년까지 백 기타리스트)와 함께 연주한 것으로 알려진 영국의 기타리스트입니다. [1] 그는 또한 1983년 싱글 "Bird of Paradise"로 유명하며, 이 싱글은 영국 싱글 차트 톱 10 히트 싱글이 되었습니다. [2]
초기 생활
테렌스 찰스 화이트는 1948년 3월 3일 영국 데본에서 태어났습니다. 그는 와이트 섬에서 자랐으며 10살 때 부모님으로부터 첫 기타를 받은 후 기타리스트로서 독학했습니다. 그는 1965년 17세의 나이로 스톡홀름으로 이주하여 1년 넘게 트레인이라는 트리오에서 연주했습니다. 1968년에 그는 그의 시그니처 기타인 Gibson Les Paul Goldtop을 구입했습니다.
경력
화이트는 1970년에 런던으로 건너가 세션 연주자와 헤비 하트의 멤버로 일했다. 이 기간 동안 그는 피터 그린을 만났고 두 사람은 평생의 우정을 시작했습니다(그는 나중에 그린의 앨범 In the Skies에 출연했습니다).
화이트는 케이트 부시의 전 매니저 힐러리 워커에 의해 핑크 플로이드에게 추천되었는데, 1977년 《In the Flesh》 투어에서 애니멀스 음반을 홍보하기 위해 라이브 밴드의 추가 기타리스트를 찾고 있었기 때문이었다. 화이트의 〈Pigs on the Wing〉(8트랙 버전만)의 솔로는 밴드에서 처음 연주한 것이었다. 투어 중 화이트는 〈Sheep〉에서 베이스 기타를 연주하며 공연을 시작했고, 〈Have a Cigar〉와 〈Shine on You Crazy Diamond Part VIII〉에서 솔로를 불렀다. 1977년 7월에 끝난 투어가 끝난 후, 화이트는 1978년 1월부터 2월까지 녹음되어 1978년 9월에 발매된 핑크 플로이드의 키보디스트 리처드 라이트의 데뷔 솔로 앨범 《Wet Dream》에서 기타를 연주했다.
1979년 씬 리지의 기타리스트 스콧 고햄은 애니멀스 투어 중 화이트가 뉴욕에서 핑크 플로이드와 함께 연주하는 것을 보고 씬 리지에 합류하는 것에 대해 그에게 접근했다.
이 두 밴드와의 협업은 매우 복잡했습니다. 핑크 플로이드를 위한 더 월(The Wall for Pink Floyd)의 라이브 공연 리허설 초대는 그가 씬 리지(Thin Lizzy)의 정규 멤버가 되어 차이나타운(Chinatown)과 레니게이드(Renegade) 앨범을 녹음/공동 작곡한 것과 동시에 이루어졌다. [1] 화이트는 1982년 8월 씬 리지를 떠났다.
화이트와 핑크 플로이드의 관계는 이후 수십 년 동안 계속되었습니다. 화이트는 1990년 베를린 장벽의 폐허에서 열린 더 월 콘서트(The Wall Concert)에서 핑크 플로이드의 전 베이시스트 로저 워터스(Roger Waters)의 초청을 받아 다른 아티스트들과 함께 공연했다. [1] 워터스는 1991년 세비야에서 열린 "Guitar Legends" 콘서트를 위해 화이트를 부르기도 했다. [1] 데이비드 길모어는 화이트의 1994년 음반 《Highway to the Sun》에 게스트로 참여하여 〈Love, Pain and Sorrow〉 트랙에 참여했으며, 길모어는 길모어의 하우스보트 스튜디오인 아스토리아에서 녹음된 디지테크 왐미 페달로 강화된 펜더 스트라토캐스터를 연주했다.
크리스 레아(Chris Rea), 데이비드 길모어(David Gilmour), 게리 무어(Gary Moore)가 게스트로 참여한 것 외에도 이 앨범에는 두 명의 새로운 네덜란드-인도네시아 뮤지션인 Juan van Emmerloot(드럼)와 Walter Latupeirissa(베이스 및 리듬 기타)가 소개되었습니다. [1] 하라다 쿠마는 베이스와 리듬 기타도 연주했다.
화이트의 다음 앨범 프로젝트는 그의 Gibson Les Paul Goldtop Standard 기타의 이름을 딴 Goldtop이라는 제목이 붙었습니다. 1974년부터 1994년까지 화이트가 참여한 곡들,[1] 〈Thin Lizzy〉의 두 곡, 피터 그린 인 더 스카이즈 세션의 잼, 핑크 플로이드의 곡 〈Pigs on the Wing〉의 확장된 8트랙 테이프 버전, 두 파트 사이에 화이트의 기타 브리지가 수록되어 있다.
화이트는 자신의 화이트 플레임스 밴드와 함께 5장의 앨범을 녹음했다. 처음 세 개는 1996년 No Faith Required, 1998년 Little Wing, 1999년 Keep Out: We Are Toxic입니다.
1999년 화이트는 워터스와 함께 그의 밴드 인 더 플레시 미국 투어에 합류했고, 2000년 워터스는 다시 미국 투어를 했는데, 이번에는 라이브 앨범을 녹음하고 쇼를 영상으로 만들었다. 다시 2002년 2월부터 7월까지 화이트는 로저 워터스와 함께 세계 순회공연을 했다.
2002년 5월에는 White Flames의 또 다른 앨범 《Restless》가 발매되었다. 2005년 봄에는 리처드 베일리(드럼/퍼커션), 월터 라투페이리사(베이스), 맥스 미들턴(키보드)으로 구성된 기본 4인조 의상이 포함된 The Way It Is라는 제목의 새로운 White Flames 앨범이 출시되었습니다. DVD, 있는 그대로... Live!가 완성되어 발행되었습니다.
화이트는 2006년 6월부터 워터스와 함께 더 다크 사이드 오브 더 문 라이브 투어를 진행했으며, 유럽, 북미, 호주, 아시아, 남미에서 공연했다. 그는 또한 Live Earth에서 Waters와 함께 공연했습니다.
화이트는 2008년 스노위 화이트 블루스 프로젝트(Snowy White Blues Project)라는 새로운 밴드를 결성했다. In Our Time of Living은 2009년 4월에 발매되었습니다. Matt Taylor: 기타/보컬, Ruud Weber: 베이스/보컬, Juan van Emmerloot: 드럼, Snowy White: 기타/보컬로 구성되었습니다.
2010년 화이트는 로저 워터스(Roger Waters)와 함께 더 월 라이브(The Wall Live)에서 다시 투어를 했다.
2016년 화이트의 〈Midnight Blues〉는 래퍼 믹 밀의 트랙 〈Blue Notes〉에 샘플링되었다.
건강 문제로 인해 그는 2019년 라이브 연주 은퇴를 발표했습니다.
음반
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|---|---|
| STAN GETZ: The Complete 1 / 59 (1) (0) | 2025.03.13 |
| Paris Concert : Keith Jarrett (1) | 2025.02.25 |
| Ornette Coleman And Charlie Haden – Soapsuds, Soapsuds (1979 - Album)오넷 콜먼 그리고 찰리 헤이든 – 비누 거품 (2) | 2025.02.25 |
| Deep Purple : The Battle Rages On & Deep Purple : Perfect Strangers (0) | 2025.02.10 |
Schumann: Piano Concerto; Introduction & Allegro appassionato; Waldszenen
Schumann: Piano Concerto in A Minor, Op. 54: I. Allegro affettuoso
Sviatoslav Richter · Warsaw National Philharmonic Orchestra · Witold Rowicki
Schumann: Piano Concerto in A Minor, Op. 54: II. Intermezzo (Andantino grazioso)
Schumann: Piano Concerto in A Minor, Op. 54: III. Allegro vivace
Schumann: Introduction & Allegro Appassionato for Piano & Orchestra, Op. 92
Schumann: Noveletten, Op. 21: No. 1 in F (Markiert und kräftig)
Schumann: Toccata in C Major, Op. 7: Allegro
Schumann: Waldszenen, Op. 82: I. Eintritt
Schumann: Waldszenen, Op. 82: II. Jäger auf der Lauer
Schumann: Waldszenen, Op. 82: III. Einsame Blumen
Schumann: Waldszenen, Op. 82: IV. Verrufene Stelle
Schumann: Waldszenen, Op. 82: V. Freundliche Landschaft
Schumann: Waldszenen, Op. 82: VI. Herberge
Schumann: Waldszenen, Op. 82: VII. Vogel als Prophet
Schumann: Waldszenen, Op. 82: VIII. Jagdlied
Schumann: Waldszenen, Op. 82: IX. Abschied
스비아토슬라프 리히터
스비아토슬라프 테오필로비치 리히터(Sviatoslav Teofilovich Richter (3월 20일 [O.S. 1915년 3월 7일 - 1997년 8월 1일)은 소련과 러시아의 클래식 피아니스트이다. 그는 역사상 가장 위대한 피아니스트 중 한 명으로 간주되며] "그의 해석의 깊이, 그의 기교 테크닉, 그의 방대한 레퍼토리"로 찬사를 받았습니다.
약력[
리히터는 러시아 제국(오늘날의 우크라이나)에 있는 볼히니안 주의 지토미르에서 태어났으며, 그의 고향은 그의 부모였다. 그의 아버지 테오필 다닐로비치 리히터(1872-1941)는 1893년부터 1900년까지 비엔나 음악원에서 공부한 독일 국외 거주자의 아들로 태어난 피아니스트, 오르간 연주자, 작곡가였다. 그의 어머니 안나 파블로브나 리히터(본명 모스칼레바, 1893-1963)는 러시아의 명문 지주 가문 출신으로, 한때 미래의 남편 밑에서 공부했다. ] 1918년, 리히터의 부모가 오데사에 있을 때 내전으로 인해 아들과 헤어졌고 리히터는 이모 타마라와 함께 이사했다. 그는 1918 년부터 1921 년까지 그녀와 함께 살았고, 그때 예술에 대한 그의 관심이 처음으로 나타났습니다.
1921년에 가족은 재결합하였고, 리히터 부부는 오데사로 이사하였으며, 그곳에서 테오필은 오데사 음악원에서 교편을 잡았으며, 잠시 동안 루터교 교회의 오르간 연주자로 일하였다. 1920년대 초에 리히터는 음악(영화, 문학, 연극과 같은 다른 예술 형식)에 관심을 갖게 되었고 피아노를 공부하기 시작했습니다. 특이하게도, 그는 대부분 독학으로 공부했다. 그의 아버지는 그에게 음악에 대한 기초 교육만을 가르쳤고, 아버지의 제자 중 한 명인 체코 하프 연주자도 마찬가지였다.
리히터는 어린 나이에도 뛰어난 시력을 발휘하여 지역 오페라단과 발레단에서 정기적으로 연습을 했다. 그는 오페라, 성악, 실내악에 대한 평생의 열정을 키웠고, 그 열정은 프랑스의 라 그랑주 드 메슬레이(La Grange de Meslay)와 모스크바의 푸쉬킨 박물관(Pushkin Museum)에서 열린 페스티벌에서 완전히 표현되었습니다. 15 세에 그는 오데사 오페라 (Odessa Opera)에서 일하기 시작하여 리허설을 함께했습니다.
초기 경력
1934 년 3 월 19 일 리히터는 오데사의 엔지니어 클럽에서 첫 번째 독주회를했습니다. 그러나 그는 3년 후 모스크바 음악원에서 피아니스트이자 피아노 교사인 하인리히 노이하우스를 찾기로 결심할 때까지 공식적으로 피아노를 배우기 시작하지 않았습니다. 리히터가 노이하우스 오디션을 보러 갔을 때(쇼팽의 발라드 4번을 연주했을 때), 노이하우스는 동료 학생에게 "이 사람은 천재야"라고 속삭였다고 한다. 노이하우스는 에밀 길렐스(Emil Gilels)와 라두 루푸(Radu Lupu)를 포함한 많은 피아니스트들을 가르쳤지만, 그는 리히터를 "평생 기다려온 천재적인 제자"로 여겼다고 하며, 리히터에게 "거의 아무것도 가르치지 않았다"고 인정했다.
리히터는 그의 경력 초기에 작곡도 시도했는데, 심지어 그가 노이하우스 오디션에서 그의 작품 중 일부를 연주한 것으로 보인다. 그는 모스크바로 이사한 직후 작곡을 포기했다. 몇 년 후, 리히터는 이 결정을 다음과 같이 설명했다: "아마도 내가 말할 수 있는 가장 좋은 방법은 세상의 모든 나쁜 음악에 덧붙일 필요가 없다고 본다는 것이다."
제2차 세계대전이 발발할 무렵, 리히터의 부모님의 결혼 생활은 파탄에 이르렀고, 어머니는 다른 남자와 사랑에 빠졌다. 리히터의 아버지는 독일인이었기 때문에 당국의 의심을 받았고, 가족들은 독일을 떠날 계획을 세웠다. 그녀의 낭만적 인 관계로 인해 그의 어머니는 떠나고 싶지 않았기 때문에 그들은 오데사에 남았습니다. 1941년 8월, 그의 아버지는 체포되어 간첩 혐의로 유죄 판결을 받고 1941년 10월 6일에 사형을 선고받았다. 리히터는 거의 20년 후 어머니가 사망하기 직전까지 그의 첫 번째 미국 투어와 관련하여 어머니와 다시 대화를 나누지 않았다.
1943년 리히터는 오페라 소프라노인 니나 도를리악(1908-1998)을 만났다. 그는 블라디미르 네미로비치-단첸코(Vladimir Nemirovich-Danchenko)의 추도식에서 도를리악을 발견하고 거리에서 그녀를 만나 리사이틀에 동행할 것을 제안했다. 이 무렵에 결혼했다는 주장이 종종 나오지만, 사실 도를리악은 1997년 리히터가 사망한 지 몇 달 후에야 결혼 증명서를 받았다. 그들은 1945 년경부터 리히터가 사망 할 때까지 살아있는 동반자로 남았습니다. 그들에게는 자식이 없었다. 도를리악은 리히터의 복잡한 사생활과 커리어에 동행했다. 어머니는 아버지의 마지막 병을 돌보았고, 1년도 채 지나지 않은 1998년 5월 17일에 스스로 목숨을 끊었다.
그의 죽음 이후 리히터는 동성애자였으며 여성 동반자가 있으면 그의 진정한 성적 취향에 대한 사회적 전선을 제공했다는 제안이 제기되었는데, 이는 당시 동성애가 널리 금기시되었고 법적 영향을 미칠 수 있었기 때문입니다.] 리히터는 지극히 사적인 사람이었고 평소 조용하고 내성적이었으며 인터뷰를 거부했다. 그는 생의 마지막 해에 영화 제작자 브루노 몬세인전(Bruno Monsaingeon)이 다큐멘터리를 위해 그를 인터뷰하도록 설득할 때까지 자신의 사생활에 대해 공개적으로 이야기한 적이 없습니다.
국제적 명성으로 부상
1949년 리히터는 스탈린상을 수상했고, 이는 러시아, 동유럽, 중국에서 광범위한 콘서트 투어로 이어졌다. 그는 1950년 소련을 벗어나 체코슬로바키아에서 첫 콘서트를 가졌다. 1952년, 리히터는 미하일 글린카의 삶을 바탕으로 한 영화 '작곡가 글린카'(1946년 영화 '글린카'의 리메이크)에서 프란츠 리스트 역을 맡아달라는 요청을 받았다. 타이틀 롤은 보리스 스미르노프가 맡았다.
1952년 2월 18일, 리히터는 프로코피예프의 첼로와 오케스트라를 위한 교향곡 협주곡 E단조의 세계 초연에서 지휘자로서 유일하게 모습을 드러냈고, 므스티슬라프 로스트로포비치가 솔리스트로 참여했다.
1958년 4월, 리히터는 모스크바에서 열린 제1회 차이콥스키 콩쿠르의 심사위원이었다. 반 클라이번의 라흐마니노프 협주곡 3번 연주를 본 리히터는 기쁨의 눈물을 흘렸다. 그는 클라이번에게 25점, 만점을 주었다.
1960년, 리히터는 정치에 "무관심"하다는 평판이 있었지만 보리스 파스테르나크의 장례식에서 공연을 하면서 당국에 저항했다.
스탈린상과 레닌상을 수상하고 RSFSR의 인민 예술가가 된 그는 1960년 미국에서, 1961년 영국과 프랑스에서 첫 순회 연주회를 가졌다.
투어링 및 녹음
1948년 리히터와 도를리악은 루마니아 부쿠레슈티에서 독주회를 가졌고, 1950년에는 체코슬로바키아의 프라하와 브라티슬라바에서 연주했다. 1954년 리히터는 헝가리 부다페스트에서 독주회를 가졌다. 1956년에 그는 다시 체코슬로바키아를 순회했고, 1957년에는 중국을 순회했으며, 그 후 프라하, 소피아, 바르샤바에서 다시 공연했다. 1958년, 리히터는 비톨트 로비키의 지휘 아래 바르샤바 필하모닉 오케스트라와 함께 프로코피예프의 피아노 협주곡 5번을 녹음했는데, 이 녹음은 리히터를 미국에 알렸습니다. 1959년, 리히터는 라흐마니노프의 피아노 협주곡 2번을 바르샤바 필하모닉과 함께 도이치 그라모폰 레이블에서 다시 한 번 성공적으로 녹음했다. 이처럼 서구는 1950년대에 녹음된 음반을 통해 리히터를 처음 알게 되었다. 서구에서 리히터의 첫 번째 옹호자 중 한 명은 에밀 길렐스(Emil Gilels)였는데, 그는 첫 번째 미국 여행에서 비평가들(길렐스에 대해 극찬을 하던 사람들)은 "리히터의 말을 들을 때까지 기다려야 한다"고 말했다.
1960년 5월에는 핀란드에서 연주가 허락되어 서양에서 첫 연주회를 가졌고, 1960년 10월 15일에는 시카고에서 시카고 심포니 오케스트라와 에리히 라인스도르프와 함께 브람스 피아노 협주곡 2번을 연주하여 센세이션을 일으켰다. 시카고 트리뷴의 음악평론가 클라우디아 캐시디(Claudia Cassidy)는 기성 아티스트에 대한 냉담한 평론으로 유명한 한 평론에서 리히터가 처음에는 연약해 보이며 머저리며 무대에 올랐지만(마치 "잡아먹히려고" 하는 것처럼) 피아노 앞에 앉아 "일생일대의 공연"을 보냈다고 회상했다. 리히터의 1960년 미국 순회공연은 카네기홀에서 열린 일련의 콘서트로 절정을 이뤘다.
리히터는 미국에서 공연하는 것을 싫어했다. [24] 1970년 뉴욕 카네기홀에서 다비드 오이스트라흐와 함께한 리히터의 공연이 반소련 시위로 인해 중단된 사건 이후, 리히터는 다시는 돌아오지 않겠다고 맹세했다. 카네기 홀로의 복귀 계획에 대한 소문은 리히터의 생애 마지막 몇 년 동안 표면화되었지만, 그 뒤에 진실이 있었는지는 명확하지 않습니다.
1961년, 리히터는 런던에서 처음으로 연주를 했다. 하이든과 프로코피예프의 작품을 짝을 이룬 그의 첫 번째 리사이틀은 영국 비평가들로부터 적대적인 반응을 얻었다. 네빌 카더스(Neville Cardus)는 리히터의 연주가 "지방적"이라고 결론을 내렸고, 런던에는 많은 "2류" 피아니스트가 있다는 점을 감안할 때 리히터가 런던에서 연주하도록 초대된 이유를 궁금해했다. 1961년 7월 18일 음악회에서 리히터가 리스트의 피아노 협주곡 두 곡을 연주하자 비평가들은 입장을 바꿨다.
1963년, 리히터는 프랑스 루아르 계곡에서 음악 축제에 적합한 장소를 물색한 후 투르에서 북쪽으로 수 킬로미터 떨어진 메슬레이의 라 그랑주 드 메슬레이(La Grange de Meslay)를 발견했습니다. 이 축제는 리히터에 의해 설립되어 연례 행사가되었습니다.
1970년, 리히터는 비행을 싫어했던 탓에 철도와 배를 타고 시베리아를 횡단하며 처음으로 일본을 방문했다. 그는 베토벤, 슈만, 무소륵스키, 프로코피예프, 바르톡, 라흐마니노프는 물론 모차르트와 베토벤의 작품을 일본 오케스트라와 협연했다. 그는 일본을 여덟 번이나 방문했다.
말년
리히터는 관객 앞에서 연주하는 것을 매우 즐겼지만, 몇 년 전에 연주회를 계획하는 것을 싫어했고, 말년에는 작고 대부분 어두운 홀에서 작은 램프만 악보를 밝히는 아주 짧은 시간에 연주하기 시작했습니다. Richter는 이러한 설정이 관객이 연주자의 찡그린 얼굴과 몸짓과 같은 무관하고 관련이 없는 문제보다는 연주되는 음악에 집중하는 데 도움이 되었다고 말했습니다. [27]
죽음
리히터는 1997년 8월 1일 모스크바의 중앙임상병원에서 82세의 나이로 심장마비로 사망했다. 그는 청력의 변화로 인해 음높이에 대한 인식이 바뀌어 공연을 할 수 없어 우울증을 앓고 있었습니다.
경력
1981년 리히터는 푸쉬킨 박물관에서 열린 국제 12월의 밤 음악 축제를 시작했고, 1997년 그가 사망한 후 이 축제는 스비아토슬라프 리히터의 12월의 밤으로 이름이 바뀌었다.
1986년, 리히터는 그가 사랑하는 야마하 피아노와 함께 6개월간의 시베리아 투어를 떠나 150여 차례의 리사이틀을 가졌으며, 때로는 콘서트 홀조차 없는 작은 마을에서 공연을 하기도 했습니다. 한 번은 그러한 연주회가 끝나자, 클래식 음악이 연주되는 것을 한 번도 들어 본 적이 없는 관객들이 공연장 중앙에 모여 좌우로 몸을 흔들며 연주자를 축하하기 시작했다고 합니다. [29]
그의 마지막 몇 년 동안, 리히터는 학생들을 위해 몇 차례 무료 연주회를 열었다(1990년 2월 14일: 스페인 무르시아 로메아 극장, 1990년 3월 1일: 스페인 지로나 테아트레 시립에서 열린 마티네 연주회).
한 가지 일화가 리히터의 생애 마지막 10년 동안 공연에 대한 접근 방식을 보여줍니다. 샤를마뉴 대제의 전기를 읽은 후(그는 열렬한 독서가였다), 리히터는 비서에게 샤를마뉴 대제가 가장 좋아하는 거주 도시이자 그의 매장지인 아헨의 극장 감독에게 전보를 보내어 "마에스트로는 샤를마뉴의 전기를 읽었으며 아퀴스그라나(아헨)에서 공연하고 싶어한다"고 말했다. 공연은 그 직후에 열렸습니다.
1995년까지만 해도 리히터는 라벨의 미루아 사이클, 프로코피예프의 소나타 2번과 쇼팽의 에튀드, 발라드 4번, 슈만의 토카타 등 피아니즘 레퍼토리에서 가장 까다로운 곡들을 계속 연주했다.
리히터의 마지막 오케스트라 연주는 1994년 그의 오랜 친구 루돌프 바르샤이가 지휘한 일본 신세이 심포니 오케스트라와 함께한 모차르트 협주곡 3곡이었다.
리히터의 마지막 독주회는 1995년 3월 30일 독일 뤼베크에서 열린 개인 모임이었다. 프로그램은 하이든 소나타 2곡과 레거의 변주곡, 베토벤의 주제에 의한 푸가, 두 대의 피아노를 위한 곡으로 구성되었으며, 리히터는 피아니스트 안드레아스 뤼체비츠와 함께 연주했다.
사망 당시 그는 슈베르트의 'Fünf Klavierstücke, D. 459'를 리허설하고 있었다.
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바이올린과 피아노를 위한 세 가지 로맨스집]
1853년 뒤셀도르프로 이주한 클라라 슈만은 세 편의 로맨스를 포함한 여러 작품을 제작했다. [1] 이 로맨스는 바이올리니스트 요제프 요아힘에게 헌정되었고, 슈만과 요아힘은 그들과 함께 투어를 떠났다. 그 가운데는 하노버의 왕 조지 5세 앞에서 이 곡을 연주하는 것이 포함되었는데, 그는 "그 곡들을 '경이롭고 천상의 즐거움'이라고 선언"하였습니다. 노이에 베를린 음악협회(Neue Berliner Musikzeitung)의 한 비평가는 "세 작품 모두 참으로 진지한 태도로 구상되고 섬세하고 향기로운 손길로 쓰여진 개별적인 성격을 보여준다"고 극찬했다. 「타임스」지의 스티븐 페티트는 "무성하고 신랄한 이 작품들은 클라라의 작곡가로서의 경력이 남편의 경력에 종속된 것을 후회하게 만든다"고 썼다.
구조
바이올린과 피아노를 위한 로망스는 3악장으로 쓰여져 있다.
첫 번째 로맨스는 서정적인 멜로디 속에 로마니에서 영감을 받은 파토스가 있습니다. 마지막 부분에서 슈만은 남편 로베르트 슈만의 바이올린 소나타 1번에서 주요 주제를 언급한다. 두 번째 로맨스는 많은 장식으로 더 싱코페이션이 있습니다. 때로는 에너지 넘치는 도약과 아르페지오, 두 번째 주제, 첫 번째 주제로 돌아가는 세 가지 모두를 대표하는 것으로 간주됩니다. 마지막 악장은 첫 번째 악장과 구조가 비슷하고 처음 두 악장과 거의 같은 길이로, 복잡한 피아노 반주와 함께 긴 관용적 멜로디가 특징입니다.
평균 공연 시간은 약 10분입니다.
각주
3 Romances, Op. 22
Céline Moinet & Florian Uhlig
3 Romances, Op. 22: Allegretto. Mit zartem Vortrage
3 Romances, Op. 22: Leidenschaftlich Schnell
6 Gedichte von Nikolaus Lenau und Requiem, Op. 90: II. Meine Rose
Minnespiel, Op. 101: IV. Mein schöner Stern
12 Klavierstücke für kleine und große Kinder, Op. 85: XII. Abendlied
5 Stücke im Volkston, Op. 102: II. Langsam
5 Stücke im Volkston, Op. 102: III. Nicht schnell, mit viel Ton zu Spielen
5 Stücke im Volkston, Op. 102: IV. Nicht zu Rasch
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이 새로운 피닉스 에디션 녹음에 수록된 두 작품은 모두 세자르 프랑크의 작곡 후기에 녹음된 것이다. 피아노 오중주 F단조는 베토벤의 사중주 세리오소 F단조 op. 95에 형식적으로 편곡된 것으로, 표현력과 드라마, 교향곡적 구조로 프랑스 실내악의 새로운 차원을 예고했다. 고도로 기교적인 피아노 파트와 함께 웅장한 교향곡과 장엄한 사운드는 작품을 실내악과 오케스트라 사이의 경계로 밀어 올립니다.
1890년에 완성된 현악 사중주단은 그가 베토벤의 후기 작품에 점점 더 몰두하고 있음을 증명한다. 뱅상 당디(Vincent d'Indy)는 이 곡을 "소나타 순환(sonate cyclique)"이라고 묘사했는데, 이는 작곡가 자신의 악센트로 소나타 형식을 복원한 것으로, 형식 구조의 단순성과 복잡성 사이의 균형을 잡는 행위이다.
용감하게 표현하는 음색의 미학과 해석으로 수년 동안 찬사를 받아온 페테르센 콰르텟은 까다로운 피아노 파트에서 모든 "기념비적인 교향곡"을 이끌어내는 방법을 알고 있는 똑같이 거장 아르투르 피사로(Artur Pizarro)가 이 녹음을 뒷받침합니다.
아르투르 피사로(Artur Pizarro)는 하이페리온(Hyperion), 낙소스(Naxos), 하모니아 문디(Harmonia Mundi), 콜린스 클래식스(Collins Classics) 등 다양한 유명 레이블에서 광범위한 레퍼토리를 보유하고 있어 비평가들의 찬사를 받은 피아니스트입니다. 그는 이제 자신의 레퍼토리를 포레의 피아노 음악으로 확장하며 Phoenix Edition에 처음으로 출연합니다.
피아노 오중주 (프랑크)
출처: Wikipedia, the free encyclopedia
세자르 프랑크의 피아노 오중주 F단조는 피아노, 2대의 바이올린, 비올라, 첼로를 위한 오중주이다. 이 작품은 1879년에 작곡되었으며 교향곡 D단조, 교향곡 변주곡, 현악 사중주, 바이올린 소나타와 같은 다른 후기 작품과 함께 프랑크의 주요 업적 중 하나로 묘사됩니다.
이 작품은 Marsick Quartet에 의해 초연되었으며, Camille Saint-Saëns가 피아노 부분을 연주했으며, Franck는 "나의 좋은 친구 Camille Saint-Saëns에게"라는 메모를 덧붙였습니다. 작품이 완성되었을 때 Saint-Saëns가 피아노에 악보를 열어 놓은 채로 무대에서 걸어 나갔을 때 사소한 스캔들이 뒤따랐는데, 이는 경멸의 표시로 해석 된 제스처였습니다. 그 원고는 현재 프랑스 국립 도서관(Bibliothèque nationale de France)에 소장되어 있다. 1880년 하멜(Hamelle)이 발행한 출판 양식에는 "À Camille Saint-Saëns"라는 더 간단한 헌정이 담겨 있다.
이 작품은 "격렬한 감정적 힘"을 가진 것으로 묘사되었으며, 에두아르 랄로는 그것을 "폭발"로 묘사했습니다. 다른 비평가들은 그다지 긍정적이지 않은 인상을 받았다: 철학자 로저 스크러턴(Roger Scruton)은 퀸텟의 "불쾌한 나르시시즘"에 대해 썼다.
구조
세 가지 움직임이 있습니다.
이 음악은 1악장에서 18번 사용된 두 개의 4마디 프레이즈로 구성된 모토 주제가 작품의 후반부에 전략적인 지점에서 반복되는 순환적인 특성을 가지고 있습니다.
참고문헌
Piano Quintet in F Minor, M. 7: I. Molto moderato
Petersen Quartet
Piano Quintet in F Minor, M. 7: II. Lento
Piano Quintet in F Minor, M. 7: III. Allegro non troppo
현악 사중주 (프랑크)
출처: Wikipedia, the free encyclopedia
현악 사중주 D장조는 세자르 프랑크가 작곡한 유일한 현악 사중주단이다. 이 작품은 1889 년에서 1890 년 사이에 쓰여졌습니다.
배경
프랑크의 창작 생활은 크게 세 시기로 나뉜다. 첫 번째 시기(1841-1858) 동안 그의 야심 찬 아버지가 거장 피아니스트로 활동하도록 강요했을 때 프랑크는 작곡가의 Op. 1과 2로 번호가 매겨진 4개의 피아노 트리오를 포함하여 실내악을 위한 작품을 썼습니다. 프랑크는 프란츠 리스트로부터 조언을 받았는데, 리스트는 약 40년 후 파리의 생트 클로틸드에서 프랑크의 오르간 연주를 듣고 "내가 어떻게 그 트리오의 작곡가를 잊을 수 있겠는가?"라고 말했다. 그러나 두 번째 시기(1858-1876) 동안 프랑크가 오르간에 전념했을 때 그는 이 장르에 대한 주목할만한 작품을 작곡하지 않았습니다. 피아노 오중주 F단조(1879), 바이올린 소나타 A장조(1886), 이 사중주를 포함한 프랑크의 걸작은 제3기(1876-1890)에 작곡되었다. 그의 다음 실내악 작품인 바이올린 소나타 2번은 1890년 사망 당시 미완성이었기 때문에 이 현악 사중주는 그의 마지막 실내악 작품이다. ]
프랑크는 1889년 초에 이 작품의 밑그림을 그리기 시작했다. ] 그는 1악장부터 시작했고, 적어도 세 개의 다른 버전을 통해 10월 29일에 그 최종 버전을 완성했다. [6] 11월 9일에 2악장을 빠르게 끝낸 후,[6] 그는 1890년 1월 15일에 전체 작품을 완성했다. [5] 프랑크의 유명한 제자 중 한 명인 뱅상 당디(Vincent d'Indy)는 (프랑크의 전기에 포함된 상세한 분석에서) [7] 프랑크가 이미 1870년대에 현악 사중주를 작곡하는 것을 고려했다고 언급했다. 1870년대에 Société nationale de musique프랑크가 창립 멤버 중 한 명으로 합류한 는 무대 음악 대신 프랑스 고전 음악 전통을 홍보하기 위해 설립되었습니다. 그것은 당시 자크 오펜바흐 (Jacques Offenbach)를 비롯한 영향력있는 음악가들에 의해 그 나라의 음악계를 지배했습니다. 프랑크는 현악 사중주를 포기했지만, 1888년 당디가 회상하듯이 집중적으로 공부하기 위해 피아노에서 베토벤, 슈베르트, 브람스의 현악 사중주 악보를 발견하면서 다시 시작했다. 프랑크의 현악 사중주 의 많은 요소들이 베토벤의 후기 작품에서 유래한 것으로 여겨지지만, 베토벤의 흔적은 피상적으로 보이지 않는다.
현악 사중주단은 프랑크의 생애 첫 번째 대중적 성공이었다. 늦게 꽃을 피우는 작곡가로 알려진 프랑크는 청중의 관심을 거의 끌지 못했다. 심포니 D단조와 오늘날 명성을 확고히 하고 있는 프렐류드, 아리아와 파이널조차도 비참하게 초연되었다. 2] 그러나 그는 당대 프랑스 대중의 입맛에 결코 구애받지 않았고 음악에 대한 자신의 이상을 추구하는 것을 멈추지 않았으며, 점차 바이올린 소나타와 같은 걸작을 통해 대중과 전문가의 관심을 끌었다. 마침내 1890 년 4 월 19 일 Salle Pleyel에서 열린 Société nationale de musique 콘서트에서이 작품의 초연은 우레와 같은 박수갈채를 받았습니다. 이것은 그가 죽기 불과 7개월 전이었다.
이 작품의 악보는 1892년에 출판되었고,] 1906년 파리의 하멜레(Hamelle)에 의해 널리 사용되었다.
구조
프랑크의 사중주는 교향곡 규모의 주요 작품으로, 순환 형식으로 단단히 결합된 4개의 악장으로 구성되어 있습니다. 전체 공연은 약 50분 동안 지속되며 레퍼토리에서 가장 긴 현악 사중주 중 하나입니다.
제1악장
4/4: Poco lento D major – Allegro D minor
삼항 형식과 결합된 특이한 소나타 형식[4]으로 쓰여진 이 악장[6]은 d'Indy]가 Lied(노래)와 L'idée mère라고 부르는 큰 도입부로 시작합니다 (기본 또는 생성 아이디어). 제1바이올린은 현의 하모닉 반주를 통해 도입부의 주요 주제를 연주한다(발췌문 1). 이 주제는 이 악장과 그 이후의 악장에서 첫 번째 순환 주제로 나타날 것이다. [5] 도입부는 발췌문 1과 발췌문 2로 구성되어 있으며, 대조적으로 조용히 재생됩니다.
도입부의 맨 끝에서 제안한 단계적으로 떨어지는 점선 리듬은 첫 번째 주제의 해설로 시작하는 소나타 형식의 주요 부분인 D단조로 이어진다(발췌문 3). 에너지 넘치는 전환기 동안 첼로가 연주하는 발췌문 4는 두 번째 순환 주제로 피날레에서 중요한 역할을 할 것입니다. 발췌문 4도 바이올린으로 연주합니다. 이 열정적인 클라이맥스는 제1바이올린과 비올라의 대화에서 나타난 제2주제 F장조의 해설과 매끄럽게 연결된다(발췌문 5).
다음 클라이맥스는 발췌문 3을 사용하는 코데타로 진정되고 설명이 마무리됩니다. 전개 섹션인 Poco Lento에서 비올라는 발췌문 1을 기반으로 한 푸가를 시작하고 두 번째 바이올린, 첼로, 첫 번째 바이올린이 이어진다. 첫 번째 주제(발췌문 3)인 알레그로(Allegro)의 관습적인 전개는 푸가의 감정적 끝 이후에 나온다. 이 개발에는 발췌문 4, 5 및 기타 여러 자료도 포함됩니다. D단조에서 첫 번째 주제의 재등장은 재현의 시작을 선언하고, 발췌문 4가 뒤따른다. 두 번째 주제는 B 장조로 시작하지만, 4마디 후에 D 장조로 변조되어 도입부의 Lied (Poco lento)가 같은 음조로 다시 등장합니다. 발췌문 1과 2에 이은 발췌문 3의 메아리가 악장을 마무리한다.
발췌문 1 (바이올린)
발췌문 2 (바이올린)
발췌문 3 (바이올린)
발췌문 4 (첼로)
발췌문 5 (바이올린)
2악장
2악장은 멘델스존의 가벼움으로 채색되어 있다. 발췌문 6에서 볼 수 있듯이 인상적인 오름차순 반복음은 악장의 F-샤프 마이너 스케르초를 엽니다. 효과적이고 빈번한 tacet 삽입이 여기에서 관찰됩니다. 또 다른 주요 주제인 발췌문 7은 제1바이올린이 대조적으로 유창한 방식으로 연주합니다. 발췌문 8을 기반으로 한 D 단조 트리오는 페르마타로 길쭉한 전체 쉼표에 의해 중단됩니다. 트리오의 중간에서 첼로는 은밀하게 발췌문 1을 연주합니다. 그 후, 스케르초가 다시 돌아오고(발췌 6), 이제 원래의 무음 마디를 막는 피치카토 바가 있으며, 곧 발췌 7로 연결됩니다. 이 악장은 발췌문 8을 특징으로 하는 조용한 피치카토 코다로 끝납니다. 이 곡은 이 사중주의 악장 중 가장 짧고 가장 즉각적으로 접근할 수 있는 곡으로, 예를 들어 프랭크 브리지가 몇 년 후(1904)에 발표한 세 편의 소설 중 두 번째 작품에서 모방한 것이다.
발췌문 6
발췌문 7 (바이올린)
발췌문 8 (바이올린)
제3악장
라르게토 3/4 B 장조
3악장의 구조는 삼원형에 가깝다. 서정적인 오프닝 테마인 발췌문 9는 발췌문 1과 4에서 유래한 것으로 추정된다. [
이 악장의 첫 번째 부분은 그 자체로 삼원형이며, 발췌문 9는 발췌문 10의 해설 이후에 다시 나타난다. 이 악장의 두 번째 부분에서는 확장된 아르페지오의 반주 위에 제1바이올린이 열정적인 멜로디를 보여줍니다(발췌문 11). 그 멜로디는 이미 발췌문 10의 해설에서 중간 목소리로 나타났다.반복되는 변조는 음조의 명백한 결정을 방해하지만 조표는 C 장조입니다. 중반부의 클라이맥스 이후, 발췌문 9는 ppp로 요약된다. 이 세 번째 부분은 첫 번째 부분의 단순한 재출현이 아니다. 그것은 다소 짧아졌으며 Poco Animato의 두 번째 부분의 요소를 포함합니다. 마지막으로, 발췌문 10은 조용히 악장을 닫는다.
발췌문 9 (바이올린)
발췌문 10 (바이올린)[n 5]
발췌문 11 (바이올린)
제4악장
피날레: 알레그로 몰토 2/2 D 장조
피날레는 확장된 소나타 형식이다. [18] 이 곡은 강렬한 선언적 화음(발췌문 12)으로 시작하는데, 이 악장의 주장은 앞선 세 악장의 주요 주제들의 창들 사이에서 '창틀'처럼 계속된다: [20] 3악장에서 발췌문 9번, 2악장에서 발췌문 6번, 그리고 첫 번째 악장에서 발췌문 1번. 이 '요약'은 베토벤의 교향곡 9번의 피날레와 비슷하다. 프랑크 자신도 그의 오르간 작품 Grande Pièce Symphonique에서 같은 방법을 사용했습니다. 세 가지 주요 주제가 틀과 (서로 다른 방식으로) 강하게 대조되기 때문에, 베토벤 피아노 협주곡 4번의 2악장에서 '화난' 오케스트라와 '진정시키는' 피아노 사이의 대화가 떠오를 수도 있는데, 이 곡은 이전에 프랑크의 피아노와 오케스트라를 위한 교향곡 변주곡의 오프닝에 영감을 주었다.
소개 후에는 주요 주제가 노출됩니다. 비올라에 노출된 첫 번째 주제(발췌문 13)는 발췌문 1에서 유도된 것이다. 발췌문 12의 단편으로 간략한 결론을 맺은 후, 일련의 두 번째 주제가 나타납니다: 발췌문 14, 발췌문 4의 변형입니다. 발췌문 15, 발췌문 12의 엄격한 반주로 연주됨; 그리고 격려적인 발췌문 16.
전개에서 프랑크는 주요 주제들을 대위법으로 결합한다. 발췌문 1이 추가되고 발췌문 12가 반복적으로 나타나 분위기를 변화시킵니다. 반복의 시작은 명확하지 않지만, 대략 500마디 부근에서 첫 번째 피험자가 두 번째로 다시 나타난 후 두 번째 피험자가 나타난다. 요약의 끝에서, 발췌문 6이 갑자기 침묵 속에서 나타난다. 이것은 코다의 출현을 의미하며, 발췌문 6은 발췌문 13과 대위법에서 지배적입니다. 마지막 클라이맥스에서 발췌문 9번은 증강으로 극적으로 노래됩니다. 클라이맥스 이후 억제된 감정은 Presto의 발췌문 12로 바뀌어 결말로 돌진합니다.
발췌문 12
발췌문 13 (비올라)
발췌문 14 (바이올린)
발췌문 15 (바이올린)
발췌문 16 (바이올린)
String Quartet in D Major, M. 9: I. Poco lento - Allegro
Petersen Quartet
String Quartet in D Major, M. 9: II. Scherzo: Vivace
String Quartet in D Major, M. 9: III. Larghetto
String Quartet in D Major, M. 9: IV. Finale - Allegro molto
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오보에와 피아노를 위한 세 가지 로망스 (슈만)
무료 백과사전인 Wikipedia에서 발췌
오보에와 피아노를 위한 세 가지 로맨스, Op. 94(독일어: Drei Romanzen)는 로베르트 슈만이 오보에를 위한 유일한 작곡이다. 이 곡은 1849년 12월에 작곡되었다. 이 작품은 A-B-A 형식의 세 개의 짧은 조각으로 구성되어 있으며, 슈만의 조증 에피소드 중 하나로 추측되는 시기에 쓰여졌습니다.
로맨스는 오보에 레퍼토리의 표준 부분이며 종종 오보에를 위해 쓰여진 최고의 작품 중 하나로 간주됩니다. 평균 전체 공연은 약 12분 동안 지속됩니다.
배경
'로맨스'는 1849년 12월에 작곡되었는데, 이 시기는 슈만의 생애 중 가장 생산적인 시기였다. 그해 초에 슈만은 관악기와 피아노를 위한 두 개의 다른 작품을 썼는데, 프렌치 호른과 피아노를 위한 아다지오와 알레그로, op. 70과 클라리넷과 피아노를 위한 환상곡, op. 73이었다. 슈만 자신에 따르면 이 곡들은 12월 7일, 11일, 12일에 드레스덴에서 작곡되었다. 당시의 다른 많은 오보에 작품들과는 달리, 이 곡들은 당대의 저명한 독주자의 의뢰로 만들어진 것이 아니었다. 슈만은 이 곡들을 그의 아내 클라라 슈만에게 주었는데, 그는 한때 그녀를 자신의 "오른팔 크리스마스 선물로 이 곡들을 "백번째 작품"이라고 불렀다. [5] 슈만의 정신 건강은 이 곡이 쓰여지는 동안 급속히 악화되고 있었다. 그 후 얼마 지나지 않아 그는 드레스덴에서 뒤셀도르프로 이사하여 정신병원에 입원했으나 결국 사망했다.
구조 및 분석
세 로맨스는 독일어로 표시되어 있다:
세 가지 로맨스는 단순하고 비교적 연주하기 쉬우며 기교적이지 않습니다. 그러나 그들은 또한 상당한 양의 호흡 조절이 필요합니다. 이 세 가지 일은 모두 "노래 형식", 즉 A-B-A로 되어 있다. 이 작품의 멜로디는 서로 비슷하다고 묘사되었다. [2]
첫 번째 로맨스는 피아노 도입부와 오보에가 연주하는 중심 주제로 구성됩니다. 피아노에는 층층이 있는 반주가 있습니다. 빠른 템포의 메인 섹션이 끝나면 중심 테마로 돌아온 후 악장이 부드럽게 끝납니다. 로맨스는 전체적으로 "평온하다"고 묘사되었습니다. 두 번째 로망스인 A장조는 주로 두 악기 간의 전통적인 듀엣으로, 템포가 두 번 바뀌는 긴장감 넘치는 B 섹션이 있습니다. 부드럽고 직설적인 오보에의 존재감과 그에 어울리는 피아노 패시지로 시작한다. 1st 템포 변경은 더 공격적이고 거친 테마를 도입합니다. 마지막 템포 변화는 로맨스가 끝날 때까지 중심 주제를 다시 도입합니다. 브람스를 연상시키는 "가장 거칠고 다채로운 사운드의 [로맨스]"로 묘사되는 파이널 판타지는 가장 생동감 넘치는 세트입니다. [2] 작품 전반에 걸쳐 많은 분위기 변화가 있으며, A 섹션은 흥분되고 B 섹션은 유보적입니다.
출판 및 공연 이력
1850년 11월 2일, 이 곡들은 피아노에 클라라 슈만, 바이올린에 프랑수아 슈베르와 함께 피아노와 바이올린 곡으로 처음으로 개인적으로 연주되었습니다. 이 작품은 1863 년 슈만이 사망 한 지 몇 년 후에 처음 공연되었습니다. 공연은 1 월 24 일과 2 월 14 일 Gewandhaus에서 열렸으며 오보에의 Emilius Lund와 피아노의 Carl Reinecke가 출연했습니다.
이 작품은 빌헬름 요제프 폰 바시엘레프스키(Wilhelm Joseph von Wasielewski)에게 헌정되었습니다. 초판은 N. Simrock에 의해 출판되었습니다. 출판 날짜는 알려져 있지 않지만 1850년 12월에서 1851년 2월 사이로 추정됩니다. 니콜라우스 심록은 1850년 11월 19일 슈만에게 편지를 써서 슈만이 "표제지에 '오보에와 피아노포르테를 위한'이라고 쓰고, 그 위에 바이올린을 '바이올린과 피아노포르테를 위한', 그리고 세 번째 페이지에 '클라리넷과 피아노포르테를 위한'이라고 인쇄한다면 동의할 것이냐"고 물었다. 그러나 슈만은 "내가 원래 바이올린이나 클라리넷을 위해 곡을 썼다면 완전히 다른 곡이 됐을 것"이라며 요청을 거절했다. 당신의 소원을 들어주지 못해 아쉽지만, 어쩔 수 없네." 원본 인쇄물의 두 사본이 존재합니다 : Schumann의 사본과 Wasielewski의 헌정 사본 (둘 다 박물관 또는 개인 소장품).
슈만의 바람을 거스르고 심록은 초판에 바이올린과 오보에 파트를 번갈아 가며 출판했다. 사후 로버트의 작품 모음집에는 클라라가 바이올린 필사본만 포함시켰는데, 이는 클라라가 바이올리니스트와만 이 곡을 연주했기 때문일 수 있다. 오보에 클래식(Oboe Classics)의 다른 슈만 오보에 작품과 함께 최근 녹음된 곡을 포함하여 여러 녹음이 있었습니다.
3 Romanzen, Op. 94: I. Nicht Schnell
3 Romanzen, Op. 94: II. Einfach, Innig
3 Romanzen, Op. 94: III. Nicht Schnell
Kinderszenen, Op. 15: VII. Träumerei
Kinderszenen, Op. 15: VIII. Am Kamin
6 캐논 형식에 대한 연구, Op.56
6 Studien in kanonischer Form, Op. 56: I. Nicht zu Schnell
Céline Moinet, Florian Uhlig & Norbert Anger
6 Studien in kanonischer Form, Op. 56: II. Mit innigem Ausdruck
6 Studien in kanonischer Form, Op. 56: III. Andantino
6 Studien in kanonischer Form, Op. 56: IV. Innig
6 Studien in kanonischer Form, Op. 56: V. Nicht zu Schnell
6 Studien in kanonischer Form, Op. 56: VI. Adagio
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Tchaikovsky: Swan Lake, Op. 20, Act III: No. 24, Scene. Allegro – Valse – Allegro vivo
Tchaikovsky: Swan Lake, Op. 20, Act IV: No. 25, Entracte. Moderato
Tchaikovsky: Swan Lake, Op. 20, Act IV: No. 26, Scene. Allegro non troppo
Tchaikovsky: Swan Lake, Op. 20, Act IV: No. 27, Danses des petits cygnes. Moderato
Tchaikovsky: Swan Lake, Op. 20, Act IV: No. 28, Scene. Allegro agitato
Tchaikovsky: Swan Lake, Op. 20, Act IV: No. 29, Final Scene. Andante
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Tchaikovsky: The Sleeping Beauty Suite, Op. 66a: I. Introduction – The Lilac Fairy
Berliner Philharmoniker · Herbert von Karajan · Pyotr Ilyich Tchaikovsky
Tchaikovsky: The Sleeping Beauty Suite, Op. 66a: II. Pas d'action. Rose Adagio
Tchaikovsky: The Sleeping Beauty Suite, Op. 66a: III. Pas de caractère. Puss in Boots
Tchaikovsky: The Sleeping Beauty Suite, Op. 66a: IV. Panorama. Andantino
Tchaikovsky: The Sleeping Beauty Suite, Op. 66a: V. Valse. Allegro
차이코프스키 - 백조의 호수
Tchaikovsky: Swan Lake Suite, Op. 20a: I. Scene "Swan Theme". Moderato
Tchaikovsky: Swan Lake Suite, Op. 20a: II. Valse
Tchaikovsky: Swan Lake Suite, Op. 20a: III. Danse des cygnes. Allegro moderato
Tchaikovsky: Swan Lake Suite, Op. 20a: IV. Scene. Andante
Tchaikovsky: Swan Lake Suite, Op. 20a: V. Czardas. Danse hongroise
Tchaikovsky: Swan Lake Suite, Op. 20a: VI. Finale Scene. Allegro agitato – Andante
호두까기 인형
Tchaikovsky: The Nutcracker Suite, Op. 71a: I. Miniature Overture
Tchaikovsky: The Nutcracker Suite, Op. 71a: IIa. March
Tchaikovsky: The Nutcracker Suite, Op. 71a: IIb. Dance of the Sugar Plum Fairy
Tchaikovsky: The Nutcracker Suite, Op. 71a: IIc. Russian Dance (Trepak)
Tchaikovsky: The Nutcracker Suite, Op. 71a: IId. Arabian Dance (Coffee)
Tchaikovsky: The Nutcracker Suite, Op. 71a: IIe. Chinese Dance (Tea)
Tchaikovsky: The Nutcracker Suite, Op. 71a: IIf. Dance of the Reed-Pipes
Tchaikovsky: The Nutcracker Suite, Op. 71a: III. Waltz of the Flowers
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